felipe arratia

Ahora sí que Sí

2010-01-19T09:46:00.003-07:00

LOS QUE IMPORTAN EN COACHELLA 2010

VIERNES 16 DE ABRIL

IMPRESCINDIBLES: Jay-Z, LCD Soundsystem, Them Crooked Vultures, Vampire Weekend, Public Image Limited, The Specials

IMPORTANTES: Grizzly Bear, Passion Pit, Echo and the Bunnymen, She & Him, La Roux, Yeasayer, The Dillinger Escape Plan, Ra Ra Riot, Hockey

SABADO 17 DE ABRIL

IMPRESCINDIBLES: Muse, Faith No More, MGMT, The Dead Weather, Hot Chip, Devo

IMPORTANTES: Major Lazer, Dirty Projectors, Gossip, The xx, Les Claypool, The Raveonettes, Camera Obscura, Tokyo Police Club, Porcupine Tree, Flying Lotus, Corinne Bailey Rae

DOMINGO 18 DE ABRIL

IMPRESCINDIBLES: Gorillaz, Pavement, Thom Yorke????, Phoenix, Sly and the Family Stone, De La Soul, Julian Casablancas

IMPORTANTES: Gary Numan, Charlotte Gainsbourg, Sunny Day Real Estate, Yo La Tengo, Deerhunter, Florence and the Machine, Little Boots, Babasonicos

Nos vemos en Indio. (Y también en Los Angeles, en San Francisco, y Las Vegas). Yupi!

Sandro (1945-2010)

2010-01-11T19:20:00.010-07:00

Sandro es una anomalía. Un bendito accidente. Una de-generación espontánea. No se sabe de dónde vino ni para dónde va. Creo que él tampoco lo sabía pero lo intuía, y su intuición siempre lo llevó por el camino de los iluminados. Yo creo que Sandro (o el Pre-Sandro, Roberto Sánchez, en este caso) es reacción: hizo lo que tenía más a mano para ganarle a la calle.

Miento: Sandro viene de Elvis. Pero con eso no alcanza. Mejor que eso: Sandro viene del rock, pero no sólo del rock and roll, sino de la cultura rock. De lo que los argentos llaman ‘bardo’. Del quilombo, de la incomodidad, de la campera de cuero y la mirada lasciva. Del ‘tomo lo que me gusta porque vos sabés que también te gusta’. Mucho, mucho antes de su muerte, he encuestado a mujeres de todas las edades, orientaciones, tendencias valóricas y estados civiles y parece no haber dos opiniones: Sandro no era un hombre. Sandro era EL hombre. Así, con mayúsculas. Como si uno buscara en wikipedia ‘macho’ y saliera una foto del ‘Gitano’.

Su pasado humilde en las calles de Valentín Alsina no sólo es útil para aggiornar un biografía de por sí perfecta: es una explicación práctica de la “moral Sandro”, de ese amor demencial por la madre, la patria y el barrio. De ser vivo, de ser ‘huacho’, como dicen los argentinos: de pillar pronto para qué sirvo y sacarle el mayor provecho posible. Roberto entendió rápido que el escenario era un habitat cómodo: ahí puedo mentir y seducir. Ahí puedo darme permiso de abandonarme y ser otro. Ahí puedo sobrepasar todos los límites que quiera y nadie saldrá lastimado (todo lo contrario). Ahí puedo montar una vida nueva. Ahí puedo convertirme en Sandro.

Si por ahí alguien sigue creyendo que Sandro no es una figura fundacional para el rock en español, no hay más que ir a los libros de historia y encontrarse con su presencia frecuente en “La Cueva”, el sótano donde Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Tanguito, Moris y otros fundaron el rock argentino. Esa etapa inicial con el grupo ‘Los de Fuego’, con cuatro primeros álbumes anteriores a 1965, arde en guiños a Chuck Berry, Little Richard, Bill Halley y obviamente, a Elvis. Especialmente recordada de ese periodo es la versión de “Whole Lotta Shakin'" ("Hay Mucha Agitación") de Jerry Lee Lewis.

Lo recuerda el propio Sandro: “Los de Fuego salían vestidos de colorado, se tiraban por el piso a los gritos. Es más: solíamos romper una guitarra por show antes de que The Who existiera”. Alucinante.

Como ya es sabido, desde la segunda mitad de los ’60, y por recomendaciones externas y tincadas propias, Sandro giró progresivamente a la balada. De esa época en adelante viene casi toda la camionada de hits que le conocemos. Mi teoría es que Sandro ataca al enemigo desde dentro: se pone disfraz de crooner para cantarle a la señora empingorotada, pero tanto en esos tenebrosos arreglos de órgano (a lo Los Angeles Negros) como en su ultra-célebre performance eléctrica en escena, había trangresión en estado puro. Tal vez no lo sabía ni lo buscó, pero ya había corrido los límites un buen par de metros simplemente siendo Sandro.

Sandro es Rock. Mi mamá se sabe todas sus canciones, pero igual es Rock.

Feliz 2010!!!

2010-01-01T15:30:00.008-07:00

(A Todos los que han aportado con Rock en mi Vida y me esperan allá arriba....)

Reservaras un lugar en la gloria para mí
Un lugar en el que quepamos los dos
Me esperarás con diez Evas con manzanas en la boca
Bailando el hula hula en mi honor

Cuando yo me muera,
haré una fiesta en donde nunca salga el sol
Donde amigos y enemigos brindaran
Porque regrese en la piel de un canción

Y sonreirás al final
Cuando todo para mi
sea el sueño que persigo con fervor

Las promesas de caricias,
serán poco para mí
si no veo a mi pueblo sonreír.

Cuando yo me muera,
haré una fiesta en la que nunca salga el sol
Donde amigos y enemigos brindarán
Porque regrese en la piel de un canción.

Cuando yo me muera,
haré una fiesta en la que nunca salga el sol
Donde amigos y enemigos brindarán
Porque regrese en la piel de un canción

Salud, Gabo! Salud, Michael! Salud, Andrea!

Los que Partieron el 2009

2009-12-30T16:46:00.004-07:00

El obituario de este año que agoniza se resume en dos palabras: Michael Jackson. Jamás (créanme: jamás) imaginé que tendría que hablar en un set de TV sobre la muerte del Rey del Pop. La partida de Jacko, sorpresiva y en circunstancias trágicas y oscuras, detuvo al mundo y obligó a que todos al mismo tiempo pensáramos en una sola persona. De hecho, creo que la imagen del año es la declaración de su hija Paris en su funeral reivindicando su cuestionado rol paterno al decir que ‘él era el mejor padre que un niño podía tener’. Uf.

La influencia de Jackson ya fue largamente comentada aquí mismo. Sólo puedo agregar que el suceso de taquilla de ‘This is It’ y los guiños que han tenido músicos muy jóvenes con su figura confirman que estamos ante un elegido, uno que se encumbró a la altura de Lennon y Elvis, y que tristemente, terminó su vida de manera tan abrupta como ellos.

Pero aunque cueste creerlo, hubo más músicos que nos dejaron este año. De hecho, Enero fue un mes intenso con las partidas de la guitarra afilada de los Stooges, Ron Asheton, el segundo Sumo que parte, Alejandro Sokol, el tecladista histórico de Lynyrd Skynyrd, Billy Powell y el inglés Dave Dee, quien curiosamente partió el mismo año que el pionero punk, Willy DeVille. ¿Qué tienen ambos en común? Los dos tuvieron un mini revival tras aparecer en el soundtrack de ‘Death Proof’, una de las últimas joyitas de Tarantino.

En cuanto a finados trasandinos, el propio ex – Sumo y Las Pelotas, Alejandro Sokol y la legendaria folklorista Mercedes Sosa pagaron los platos rotos de otro parcito que coqueteó con la guadaña: Charly García y el líder de Intoxicados y Viejas Locas, Pity Alvarez. El primero cumplió un riguroso tratamiento de rehabilitación y hasta vino a Chile, y el segundo, célebre por sus adicciones, se encuentra internado en un sanatorio en medio de insólitos rumores.

Fue también un año en que despedimos a varios ‘patiños’ o ‘sidekicks’: personajes con enorme capacidad que aportan mucho para su proyecto, pero que viven bajo la sombra de alguien más mediático o atractivo que ellos y terminan siempre como los ‘talentos en las sombras’, cuya reivindicación sólo llega una vez que se han ido. En esa lógica despedimos al bajista histórico de ELO, Kelly Gorocutt, al co-fundador de Alan Parsons Project, Eric Woolfson (cantante original de ‘Eye in the Sky’, ‘Time’ y ‘Don’t Answer Me’, los mayores hits del grupo) y a uno que se negó a ser sidekick de Jeff Tweedy y acabó expulsado de Wilco: el genial gordo Jay Bennett.

Antes de cerrar este texto, quiero hacer algo que no había hecho explícitamente en años anteriores y es un pequeño saludo a los grandes del cine y/o TV que perdimos durante este 2009: Ricardo Montalbán (‘La Isla de la Fantasía’), la mujer de Liam Neeson e hija de Vanessa Redgrave, Natasha Richardson (‘Nell’), la señora seria de ‘Los Años Dorados’, Bea Arthur, el legendario ‘Kung Fu’ y ‘Bill’, David Carradine, la rutilante Farrah Fawcet, el enorme director John Hughes (’16 Candles’, ‘Breakfast Club’, ‘Weird Science’) y claro, el ya clásico Patrick Swayze. En materia local, vaya el homenaje para los comediantes Chicho Azúa y Helvecia Viera, y para los actores Emilio Gaete y Gonzalo Olave, a quien perdimos pronto. Muy, pero muy demasiado pronto (sí, está mal escrito a propósito).

Como todos los años, dejo el listado de los que entran al olimpo de la música, más una canción para que puedas recordarlo. Aquí va:

Enero

06: RON ASHETON (60, Guitarra, The Stooges, ‘I Wanna Be Your Dog’)

09: DAVE DEE (65, Cantante, ‘Hold Tight’)

12: ALEJANDRO SOKOL (49, Bajo, Batería, Sumo, Las Pelotas, ‘Capitán América’)

28: BILLY POWELL (56, Teclado, Lynyrd Skynyrd, ‘Freebird’)

29: JOHN MARTYN (60, Guitarrista Blues, ‘Solid Air’)

Febrero

04: LUX INTERIOR (62, Voz, The Cramps, ‘Human Fly’)

05: DEWEY MARTIN (68, Batería, Buffalo Springfield, ‘For What it’s Worth’)

09: ORLANDO ‘CACHAÍTO’ LOPEZ (76, Bajista, Buenavista Social Club, ‘Chan Chan’)

11: ESTELLE BENNETT (67, Voz The Ronettes, ‘Be my Baby’)

19: KELLY GOROCUTT (62, Bajo, Electric Light Orchestra, ‘Last Train to London’)

Marzo

29: MAURICE JARRE (84, Compositor, Soundtracks de Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago, Padre de Jean Michel)

Abril

04: EDUARDO ‘LALO’ PARRA (90, Folklorista, ‘Lágrimas Negras’)

06: CARMEN RUIZ (78, Folklorista, ‘Fiesta Linda’)

06: MARI TRINI (61, Solista Española, ‘Yo no Soy Esa’)

09: RANDY CAIN (63, Voz, The Delfonics, ‘Didn't I (Blow Your Mind This Time)’)

Mayo

06: EAN EVANS, (48, Bajo, Lynyrd Skynyrd, ‘Sweet Home Alabama’)

12: ANTONIO VEGA (51, Voz y Guitarra, Nacha Pop, ‘Lucha de Gigantes’)

18: DOLLA (21, Cantante Hip Hop, ‘Who the Fuck is That’)

24: JAY BENNETT (45, Multiinstrumentista Wilco, ‘I am Trying to Break your Heart’)

Junio

03: JONNY DOLLAR (45, Productor de ‘Blue Lines’ de Massive Attack, ‘Safe from Harm’)

03: KOKO TAYLOR (80, Cantante Blues, ‘Wang Dang Doodle’)

07: HUGH HOPPER (64, Bajo, Soft Machine, ‘Facelift’, ‘Moon in June’)

12: ANDY HUGHES (43, The Orb, ‘Toxygene’)

14: BOB BOGLE (75, Guitarra The Ventures, ‘Walk, Don’t Run’)

25: MICHAEL JACKSON (50, TODAS)

25: SKY SAXON (63, Voz y Bajo The Seeds, ‘Pushin’ Too Hard’)

Julio

04: ALLEN KLEIN (77, Manager The Beatles, The Rolling Stones, inspiró ‘Steel and Glass’ de John Lennon)

Agosto

07: WILLY DEVILLE (55, Pionero del Punk, ‘It’s So Easy’)

13: LES PAUL (94, Pionero del Rock and Roll, ‘How High the Moon’, ‘World Is Waiting For The Sunrise’)

14: REINALDO GONZÁLEZ, ‘RHINO’ (Voz Los Beat 4 y Frutos del País, ‘Sin Ti’)

17: JIM DICKINSON (67, Productor Rolling Stones, Aretha Franklin, ‘Wild Horses’ de Rolling Stones)

28: DJ AM (36, DJ, Crazy Town, trabajó con Travis Barker de Blink 182, ‘Butterfly’)

Septiembre

04: JAKE BROCKMAN, Tecladista, Echo & the Bunnymen, ‘Killing Moon’)

11: JIM CARROLL (59, Poeta y Cantante Punk, ‘People who Died’)

16: MARY TRAVERS (72, Voz Peter, Paul and Mary, ‘If I Had a Hammer’)

19: ROC RAIDA (37, DJ, The X-Ecutioners, ‘Like This’)

Octubre

04: MERCEDES SOSA (74, Folklorista Argentina, ‘La Cigarra’)

10: STEPHEN GATELY (33, Voz Boyzone, ‘No Matter What’)

12: DICKIE PETERSON (61, Voz y Bajo, Blue Cheer, ‘Summertime Blues’)

Noviembre

08: JERRY FUCHS (34, Batería, !!!, ‘Me and Giuliani Down By the School Yard’)

Diciembre

02: ERIC WOOLFSON (64, Piano y Voz Alan Parsons Project, ‘Eye in the Sky’)

16: CHRIS FEINSTEIN (42, Bajo Ryan Adams & The Cardinals, ‘Magick’)

20: BRITANNY MURPHY (32, Actriz y ex Novia de Eminem, ‘Faster Kill Pussycat’, con Paul Oakenfold)

20: JAMES GURLEY (69, Guitarra Big Brother & the Holding Company (Janis Joplin), ‘Piece of my Heart’)

25: VIC CHESNUTT (45, Cantautor, ‘Giant Sands’)

28: JIMMY OWEN SULLIVAN, ‘THE REV’ (28, Batería, Avenged Sevenfold, ‘Bat Country’)

30: ROWLAND S. HOWARD (50, Guitarra, Birthday Party, ‘Shivers’)

Los Conciertos del 2009

2009-12-28T22:23:00.008-07:00

Una conferencia de prensa a mediados de febrero fue la fecha clave. Los rumores ya eran demasiados y decían que en algún momento de marzo desembarcaría en Chile el Festival Pepsi Music, una institución ya consolidada al otro lado de cordillera. Se abría la ilusión.

Lo cierto es que la organización del Pepsi Fest fue desastrosa: los tickets se pusieron a la venta a menos de un mes de los shows, la coordinación de la prensa fue pésima, se incorporó la venta 2x1 a dos días de la jornada inaugural (en palabras claras, una estafa para los miles de aperrados que compraron antes su ticket) y aún así, un par de fechas estuvieron casi vacías. La falta de experiencia de Pepsi Co, la charlatanería de Iván Barrantes y la producción deficiente orquestada por Eric Toro dejó a la marca Cola con pérdidas millonarias.

Sin embargo, lo anterior sólo se refiere al ámbito empresarial. En lo artístico, la semana del 24 al 29 de marzo de 2009 fue quizás la más importante de la década que se va: en apenas seis días Santiago recibió a Peter Gabriel, Chris Cornell, Mike Patton, Molotov, The Academy Is, Blondie, Rick Astley, A ha, Sonic Youth, y claro, el largamente ansiado desembarco de Radiohead+Kraftwerk (más el parafernálico show de Kiss a la semana siguiente). Esa semana marcó el 2009 en cuanto a conciertos en Chile.

Previamente habíamos tenido visitas como el concierto íntimo de Damien Rice o el pulcro show festivalero de Simply Red. Marzo partió con el revival adolescente de Backstreet Boys y el primero de varios números british: al quinteto de Oxford y los fallidos rumores de The Verve, se sumó el retorno de Keane para mostrar su ‘Perfect Symetry’ y dos meses después, veríamos el mejor show de Oasis en Chile, justo antes de la pelea que separó –esta vez, parece que de verdad-, a los hermanos Gallagher. A ellos, la tradición Brit sumó dos nombres en veredas opuestas: los emergentes y energéticos The Kooks (con carrete en Cienfuegos incluído) y el ex Suede devenido en crooner, Brett Anderson.

Las corrientes más alternativas también tuvieron lo suyo. The Gutter Twins pasaron piola en el Teatro Oriente, pero quienes los vieron dicen que merecieron más público; además, Aimee Mann nos arropó con sus mullidas melodías en el Teatro Teletón y también, la enigmática Catpower dio una lección de buen gusto y elegancia en el Caupolicán. Un mes después, el moreno Tricky nos dejó una postal inovldable con 100 personas subidas al escenario mientras su banda tocaba ‘Ace of Spades’ de Motorhead.

Como ya es habitual, la agenda se reactivó con fuerza en octubre y curiosamente, con un fuerte acento en las visitas trasandinas (en meses previos ya me había deleitado con el hermoso doblete Liniers+Kevin Johansen y con los shows de Babasónicos en el Caupolicán y Opera Catedral): la asombrosa recuperación de Charly García, la resurrección de los Fabulosos Cadillacs (que vinieron dos veces), el olor a autoplagio de Gustavo Cerati y el regreso triunfal y hitero de Andrés Calamaro.

Octubre fue también el mes de dos grandes megaeventos. Por un lado, los Depeche Mode, que hicieron su esperado show en el infame Club Hípico (con demandas colectivas y todo) y dejaron todo el tiempo la sensación amarga de ‘otro día en la oficina’ en un tour marcado por los contratiempos. La antítesis absoluta fue la memorable visita de Faith No More: los de San Francisco asumieron su condición de locales y no dejaron títere con cabeza en la caldera del Caupolicán.

¿Más? Claro. Recuerdo imágenes como estar viendo a Paul Anka con mi viejo, a la insípida Ximena Sariñana con la Mylene, o a Living Colour con Tito, Iván y Jorge. Una sola cosa está clarísima: esto no para más.

Estos fueron mis conciertos favoritos del año:

10 The Killers (29 Noviembre, Movistar Arena): Sí, Brandon Flowers se leyó todos los manuales escritos por Bono, Freddie Mercury y Elton John. Y sí, el resto de la banda da lo mismo. Pero, por Dios, qué buen repertorio tienen en tan poco tiempo de vida. Te la firmo: su próximo show en Chile será para el doble de público.

9 Manu Chao (26 Noviembre, Velódromo): El lugar exacto para darse permiso para ser hippie. En pocos shows vi tal comunión en el público y también, entre ellos con el artista. Acusado de demagógico, el franco-español no sólo se alejó de ese calificativo sino que enunció cierta amargura con el estado de las cosas: ‘Hagamos la fiesta hasta lo que pueda durar’, decía. Por tres horas, le hicimos caso.

8 Charly García (04 Octubre, Movistar Arena): Era el concierto de Charly que esperábamos hace más de una década. Plagado de hits y con socios vitales como el Zorro Von Quintiero e Hilda Lizarazu, el bicolor explicó en escena las razones de su leyenda. Ahora sólo le falta completar su tratamiento. Pero está vivo, y eso ya es mucho.

7 Andrés Calamaro (05 Diciembre, Movistar Arena): La merecida revancha tras ese nefasto show del 2007. Esta vez el trasandino las hizo todas: desempolvó clásicos, interpretó tangos, y milongas, recordó a Los Rodríguez y hasta imitó a James Brown. Larga vida para Pomelo; con el 'Salmón' tiene inspiración para rato.

6 Oasis (Mayo, Movistar Arena): Trajeron su mejor disco desde ‘Be Here Now’ e hicieron lo de siempre: tocaron estáticos, no se hablaron, e hicieron el mejor rock and roll de su generación, cerrando con una ‘I am the Walrus’ de antología. En ese momento no lo sabíamos, pero fue uno de los últimos shows de los hermanos juntitos sobre un escenario.

5 Catpower (21 Julio, Teatro Caupolicán): La gata nos estudió, nos olfateó y nos aprobó. Se movió como si no hubiera ley de gravedad y cantó en tonos imposibles. Su ‘Jukebox’ es una delicia para paladares delicados y ella lo sabe. Tan feliz estaba al final del show que hasta nos lanzó flores.

4 Pet Shop Boys (02 Octubre, Movistar Arena): Una puesta en escena perfecta. La dupla no le deja ni un milímetro de espacio al error y se notó: cada canción parecía un cuadro de comedia musical con el cubo como elemento central. A puro minimalismo, Lowe y Tennant construyen un todo coherente y vivo que exhuda pop.

3 Sonic Youth (29 Marzo, Movistar Arena): Un encuentro con un tótem musical. La música alternativa del último cuarto de siglo no se entiende sin ellos. El cuarteto entendió que había una deuda histórica y la cumplió: no sólo hicieron varios hits, sino que el día anterior la mitad de la banda dio un mini show memorable en Matucana 100. Surreal.

2 Radiohead (27 Marzo, Pista Atlética): De los dos shows elijo el del viernes: fue el que sonó mejor, el que actuaron más relajados, y el que partió con ‘Creep’. Llegaron para mostrar el extraordinario ‘In Rainbows’, pero recibimos mucho más que eso: nos llevamos un estándar de cómo es un concierto perfecto. Más que un recital, una experiencia.

1 Faith No More (29 Octubre, Teatro Caupolicán): La mejor prueba de que tenemos sangre caliente. Quizás lo de Radiohead fue técnicamente mejor pero la presencia, aullidos, empatía y complicidad de Mike Patton no tienen precio. Súmale a eso el repertorio de esa increíble banda, más el ambiente enrarecido que daban los 36° que habían en el Caupolicán. Ese día conocí al infierno y al diablo. Y me gustó.

¿Y en Chile?

1 Como Asesinar a Felipes (25 Octubre, Teatro Oriente): Ya los consideraba revolucionarios por su mix de hip hop jazzero con instrumentos nobles, pero lo de grabar con la Orquesta Sinfónica Juvenil se escapó del marco. Esa tarde en el Oriente se pudo ver en vivo cómo una banda se transforma de revelación en referente, sin escalas. Simplemente conmovedor.

Las Canciones del 2009

2009-12-24T23:00:00.001-07:00

2009 fue el año de mi alejamiento temporal de la radio. Ello redundó en no estar expuesto a sonidos más pop (o reggaeton), lo que se sumó a no tener TV cable (no MTV, no Via X). Por lo tanto, la música que escuché fue casi toda por voluntad propia y en su mayoría, obtenida de internet ante la ya casi nula opción de la gente de las disqueras de poder entregarme sus productos prioritarios.

En ese escenario, Taringa se convirtió en mi mejor amigo. El proceso se iniciaba con alguna conversa con Péle o Tito, o derechamente en ir al ‘Best New Music’ de Pitchfork; y luego, a bajar se ha dicho. Así llegaron a mis manos desde Little Boots hasta Dirty Projectors, pasando por Chickenfoot y bueno, mis favoritos mencionados en el texto anterior.

También fue el año en que invertí en mi iPod de 120 GB, el cual es definitivamente IMPOSIBLE de llenar; creo que con mucho esfuerzo he logrado completar la cuarta parte de su capacidad. Sin duda, este aparatito hizo mucho por ratificar percepciones: todo bien con lo nuevo de Kasabian, todo mal con lo nuevo de Cerati, y así….

Eso sí, es difícil desentenderse de los discos favoritos a la hora de escoger los tracks que marcaron mi 2009. Me cuesta recordar singles que se ‘comieran’ a discos, salvo el de Julian Casablancas y tal vez los Dirty Projectors, cuyo problema es que ‘Stillness in the Move’ se descuadra del resto del álbum: es demasiado buena.

Una curiosidad: un día de agosto estaba en una fiesta y de repente, quedé maravillado por una canción. Corrí a preguntarle al DJ cuál era y me dijo que era ‘Heartbeats’ de The Knife, un tema que después supe que era del 2003. Quedé tan prendado de esa canción que no me cansé de escucharla. De algún modo creo que refleja con certeza las situaciones angustiosas y violentas que viví este año. A la larga, la buena música siempre se logra distinguir y siempre llega a los oídos del que busca. A veces tarda años, eso sí. Pero llega.

Estas son mis 10 canciones favoritas del 2009:

10 ‘Empire State of Mind’, Jay Z y Alicia Keys

9 ‘Chasing Pirates’, Norah Jones

8 ‘11th Dimension’, Julian Casablancas

7 ‘Beyond Here Lies Nothin’, Bob Dylan

6 ‘Vlad the Impaler’, Kasabian

5 ‘Sleepyhead’, Passion Pit

4 ‘Stillness in the Move’, Dirty Projectors

3 ‘Crystalized’, The Xx

2 ‘Lisztomania’, Phoenix

1 ‘Crying Lightning’, Arctic Monkeys

¿Y de Chile? ‘Inteligencia Dormida’ de Pedro Piedra. ¿Cabe alguna duda?

Los Discos del 2009

2009-12-24T14:17:00.006-07:00

Ay, el hype. A comienzos de año recuerdo haber estado leyendo una Q donde mencionaban a los artistas que ‘serían protagonistas del 2009’ y salían nombres como Glassvegas, White Lies o VV Brown. Esa es una buena prueba de lo fácil que es dar que hablar y lo duro que está mantenerse después de ser ‘moda’. Hoy, al terminar el año, ninguno de esos artistas destaca entre los grandes del 2009 (aunque VV ganó el Mercury que, recordemos, carga siempre con la ‘maldición’ de que, quien lo gana, no vuelve a repetir tamaño suceso en su carrera). Es más: ¿Se acuerdan cuándo creíamos que Empire of the Sun era el gran descubrimiento del año? Y bueno, está intenso el zapping….

2009, el año de los discos solistas de líderes de bandas indie. Partiendo, claro, por Julian Casablancas y su ‘Phrazes for the Young’: el líder de los Strokes nos ilusionó a partir del electrónico adelanto ‘11th Dimension’, pero finalmente la placa en su totalidad tenía más olor a descartes del quinteto neoyorquino que a ideas que se rebelaran contra ese sonido áspero. Siga participando.

También un intento digno el de Julian Plenti, más conocido como el cantante de Interpol, Paul Banks. Supongo que, podrido de las comparaciones con Joy Division, se refugió en composiciones más luminosas para finalmente ampliar su paleta sonora y no asfixiarse en la trampa de la ‘identidad’, que a la larga significa repetirse y hacer el mismo disco una y otra vez.

¿Más? El frontman de Clap Your Hands Say Yeah, Alec Ounsworth sacó su debut solista llamado ‘Mo Beauty’, mostrando la madurez que dan su reciente matrimonio y paternidad. Last but not least, el aullador de Sigur Ros, Jón Birgisson registró un trabajo instrumental con su novio (en realidad el CD viene firmado por ‘Jonsi & Alex’), y lo tituló ‘Riceboy Sleeps’. Incluso la propia Karen O no sólo sacó disco nuevo con Yeah Yeah Yeahs y colaboró con Flaming Lips: también compuso y cantó el bello soundtrack de la venidera ‘Where the Wild Things Are’ en compañía de músicos de Deerhunter, Raconteurs y otros proyectos.

Pero si hablamos de solistas ya no es sorpresa lo que nos arrojó Bob Dylan como diciendo ‘aquí está papá’. El maestro no se ha cansado de hacer noticia en los últimos años (giras, libros, un disco tras otro): este 2009 lanzó dos álbumes y su ‘Together Through Life’ es una joyita hecha de puro blues polvoriento y calentón que por su ímpetu parece creado por un veinteañero. Mi mayor respeto.

De la nueva camada, Franz Ferdinand editó el inadvertido ‘Tonight’ a comienzos de año en lo que pareció ser una reinvención de su sonido pero que, sin embargo, no se depositó en las masas de la forma en que lo hiceron sus trabajos anteriores. Ese río revuelto fue aprovechado por dos con CD’s de fines de 2008: The Killers y en especial, Kings of Leon. La banda de Mr. Flowers coronó un perfecto 2009 con un sólido set en su visita a Chile, mientras que los de Nashville partieron el año ganando un Grammy, se pasearon por todo festival existente y dejaron la sensación de estar para grandes cosas. Sus ‘Sex on Fire’ y ‘Use Somebody’ son 2008 pero no pararon de sonar el 2009. ¿Y Jack White? Y bueh, dejó en stand by a los Raconteurs para armar The Dead Weather con la The Kills, Alisson Mosshart y volvió a romperla. Para el 2010 anuncia nueva placa de los White Stripes.

¿Caras Nuevas? Claro, y rankean entre lo mejor del año. Especialmente la agrupación de Sheffield, The Xx. Tensos, contenidos, llenos de angustia, el actual trío (la tecladista se agotó de la agenda recontra cargada y se fue en noviembre) construyó un conjunto de tracks cruzados por el minimalismo y una delicada percusión. Destaco también a los Passion Pit, que parecía que padecerían la maldición de un single demasiado poderoso (‘Sleepyhead’) y se destaparon con un trabajo que es electro, indie, baIlable, pop y todo lo que quieras ponerle.

Finalmente, ahora que estamos con la fiebre del fin de la década, mis favoritos del año son dos bandas netamente ’00: Arctic Monkeys y Kasabian. Ambos grupos timbraron en sus terceros álbumes su pasaporte definitivo a las grandes ligas. A los Monkeys no hay como darles: se internaron en el desierto de California para trabajar con Josh Homme y no perdieron un ápice de identidad, sino que enriquecieron su frenesí musical. En tanto, los arrogantes sucesores de Oasis se despacharon un CD con tintes de conceptual y formalmente le arrebataron el trono del dance rock a Primal Scream. El ciclo se ha cumplido. Ahora el alumno le da clases al profesor.

Estos son mis diez discos favoritos del 2009:

10 Wilco / Wilco

9 The Dead Weather / Horehound

8 Phoenix / Wolfgang Amadeus Phoenix

7 Bob Dylan / Together Through Life

6 Dirty Projectors / Bitte Orca

5 Passion Pit / Manners

4 The Xx / Xx

3 Animal Collective / Merriweather Post Pavillion

2 Arctic Monkeys / Humbug

1 Kasabian / West Ryder Pauper Lunatic Asylum

¿Y en Chile? Pocazo había de donde escoger. No sólo por la calidad de los álbumes sino porque derechamente aparecieron pocos discos chilenos. Tuvimos trabajos solistas de Ana (not ‘Anita’ anymore) Tijoux, Seo2 y hasta del líder de Lucybell, Claudio Valenzuela. Los chicos de Sello Azul continuaron su valioso apostolado con los debuts de gente como K’rena, Mawashi y la irrupción de la nominada al Grammy Latino, Camila Moreno.

Por otro lado, por obra y gracia de internet, emergieron a la superficie los trabajos de solistas como Matías Cena y en especial, Javier Barría, cuya ‘Introdución a la Geometría’ se convirtió en un mini éxito indie. Y también aparecieron trabajos de Chancho en Piedra, Sinergia, De Saloon, Koko Stambuk, Silvestre y Alamedas. Para el 2010 hay grandes esperanzas: será el año de los radicados en México, como Los Bunkers y Francisca Valenzuela, y el de nuevos discos de emergentes como Javiera Mena y Gepe. ¿Tendremos disco nuevo de Los Tres? Eso sí estaría bueno.

Mis favoritos chilenos:

3 Sónido Acido / Sónido Acido & Los Funky Frescos

2 Cómo Asesinar a Felipes / Un Disparo al Centro

1 Pedro Piedra / Pedro Piedra

Viajar

2009-12-23T12:10:00.015-07:00

Viajar. Moverse. Salir del centro. Ir a los Bordes. Explorar. Recorrer. Para conocer y conocerse. Para saber de qué esta hecho uno. Paisajes, palabras, personas. El metro y el taxi. Tardes suspendidas en el tiempo en disquerías y librerías. Barnes & Noble, El Ateneo, FNAC, Musimundo, el difunto Virgin Megastore. Y claro, Amoeba Music.

Los ’00 me dejaron miles de millones de postales en ciudades ajenas con recuerdos propios. Justo ahora me vengo bajando de un avión y como la vida es cíclica, esta década la comencé subiéndome a otro.

En enero de 2001 yo tenía 23 años recién cumplidos y dos meses antes había iniciado mi primera aventura profesional en radio Rock&Pop. Se anunció lo de Rock in Rio, y muchos artistas confirmaron su bajada a Argentina. No había nada que pensar: partí al piojoso Hotel Córdoba nada menos que en Lufthansa. Durante tres días el Buenos Aires Hot Festival se transformó en el primer evento musical masivo al que asisto. No sólo vi históricos shows de R.E.M., Beck, Oasis y Neil Young; también vi a créditos locales como Geo Ramma, Sergio Pángaro, Jaime Sin Tierra, Carca y Divididos. Pero más importante que todo: vi mi futuro. Este era el lugar donde yo quería estar. Ah, también vi mi primer show de Babasónicos, mi banda favorita en español!

Para viajar, hay que tener lucas o un trabajo que lo permita. Y al año siguiente, los astros estuvieron conmigo cuando fui escogido para entrevistar a Red Hot Chili Peppers en Los Angeles, California. Mi banda favorita en la ciudad que inspiró su música. Demasiado para una sola persona. Fueron sólo tres días, pero juro que no dormí: fui a Marina del Rey, Venice y Santa Mónica. Recorrí Sunset Boulevard, estuve en el Chateau Marmont, en el Teatro Chino y conocí a Nicholas Cage y al fallecido Johnny Ramone. Cuatro meses después, gracias a mi Tía Ximena, pude volver a reunirme con mi familia paterna en Sydney, Australia. Fueron tres inolvidables semanas en que me regalonearon en exceso y viví mi primer festival ‘anglo’: el Big Day Out, con shows de Foo Fighters (entrevisté a Dave Grohl!), Jane’s Addiction, Queens of the Stone Age y The Vines. También en ese viaje sería la última vez que vi a Andrea Arratia, mi tía especial…..

Ya trabajando en Sony Music, me tocó llevar a una persona del mundo radial (Mónica Rodríguez) a Buenos Aires para mostrarle la música de un tal Kevin Johansen. Y al día siguiente, vi el lanzamiento de ‘Infame’ de Babasónicos en el Luna Park. En años venideros, lo de Baires se haría una costumbre: en el 2004 fui al Festival BUE (Bebel Gilberto, Primal Scream, Pet Shop Boys, Morrissey) y a ver Boca-River con el Seba Muñoz; y en el 2005, al Personal Fest (Duran Duran, Erykah Badu, Macy Gray, Simple Minds) con los hermanitos Horment. Todo muy lindo.

Un año antes, el 2004, yo mismo me pagué el destino más deseado de todos: New York. Mi amigo Leo me contactó con el francés Benjamin Huet quien, sin conocerme, me hospedó en su depto de Nolita. Qué se puede decir después de estar en lugares como el Empire State, Madison Square Garden, Central Park (¡Qué increíble show de Devo!), la Zona Cero, el Edificio Dakota, el Radio City Music Hall o el Puente de Brooklyn. Además, vi mucha música: desde Miss Kittin hasta 311, desde Evanescence hasta Linkin Park. Y como guinda de la torta: The Cure.

El 2005 entré a 40 Principales y ese mismo año tuve que llevar a una ganadora de un concurso a conocer a los Black Eyed Peas a Colombia (teloneados por Smash Mouth). Bogotá era una ciudad que estaba en mis prioridades para visitar y no me fui defraudado, aunque aún persiste la deuda con la costa colombiana. Regresaría un par de años después con la misma asignación para un evento que incluyó a artistas como Juanes, Miranda y Belanova. Eso sí, esta vez la chica viajó con la mamá…

Pero si hubiera que identificar un peak, quizás ese fue el 2006. Le había prometido a mis viejos que iba a empezar a ahorrar e iba a pararla con los viajes, pero tenía un serio problema vocacional y quería ver si tal vez el camino que tomó mi amigo Leo radicándose en el extranejro podía también ser el mío. Y partí a Barcelona. Y claro, aproveché de comprar tickets para Benicassim. Fueron 4 días en un camping bajo 35° a la sombra con Chemo y Mariano para ver a Scissor Sisters, Pixies, Pete Doherty, Depeche Mode, Franz Ferdinand o The Strokes. Y tres meses después me correspondió cubrir los premios MTV Latino en Ciudad de México, el lugar más caótico en el que he estado en mi vida. Cada día hubo algo importante para hacer con el Mono y el Toti: el Evento 40 en el Estadio Azteca, los Premios MTV en el Palacio de los Deportes, y los shows de Fall Out Boy y Robbie Williams. Y por favor, no olvidemos a las Pirámides de Teotihuacán!

El último gran viaje fue el 2008 a Chicago y marcó un punto de inflexión: por primera vez viajé con alguien. Mi partner en la excursión a Lollapalooza fue Nacho Lira y, contra todos los pronósticos, nos llevamos excelente. Fue un gran complemento y aportó mucho para que el viaje saliera bien, incluyendo el hospedaje en lo de su tía millonaria en Orland Park. También Manu Gómez puso lo suyo y nos contactó con el buen Chris, otro tipazo que nos dio un techo.

Del festival sólo diré algunas palabras: Radiohead, Rage Against the Machine, MGMT, Gnarls Barkley, Kanye West, Duffy, Mark Ronson, CSS, Girl Talk, The Ting Tings y Lupe Fiasco, entre miles más.

Y lo más reciente fue Buenos Aires. En el 2008 hice una visita gracias al departamento en Belgrano de mi amigo Lito. Esa vez hice el famoso paseo del ‘Tren de la Costa’ y recorrí el Tigre. Y así llegamos a lo de hace una semana: mi séptimo viaje a Buenos Aires, donde hice el circuito turístico completo con cámara en mano: Caminito, San Telmo, Recoleta, los Rosedales, el Microcentro, y todas las esquinas posibles de Palermo.

Han sido buenos tiempos. Que vengan más. Pero ahora, que vengan con compañía.

Ya cumplí un sueño. Ahora hay que ponerle atención a otros sueños.

Just a Man

2009-11-05T05:58:00.006-07:00

La historia dirá que ese jueves 29 fue uno de los días más calurosos que recuerde un octubre en Chile. La acción comenzó a eso de las 3 de la tarde. El manager de FNM quería ver los listados de acreditados y yo aún no salía de mi casa. Volé para tomar un taxi y me encontré con que el chofer (que se identificó como ‘el Bola 8’) afirmaba haber trasladado la noche anterior ‘al baterista de Faith No More’, quien le pidió llevarlo a un lugar donde hubieran ‘mujeres perversas’ (dicho en español). Eso contrastaba bastante con lo único que supe de Mike Bordin la noche anterior: mientras nosotros cenábamos con Patton, él se retorcía de dolor de guata por algo que había comido en Lima.

En fin: salimos rápido del cacho de los listados y el resto de la tarde fue tranquilo. Había existido tal preocupación en los meses previos que, a horas del minuto clave, todo parecía bajo control. Durante la espera, la Dani (mi asistente) y yo aprovechamos de husmear por todas las áreas, conversando con los protagonistas del cuento: los promotores neozelandeses de visita (que traen a FNM en febrero a su país), Diego, el Jefe de Escenario, con quien coordiné la entrada de los fotógrafos a la barricada y la ubicación de las cámaras de TV, y Gigio, nuestro hombre de la seguridad que sería clave al día siguiente. También aproveché de sacar algunas fotos desde el escenario, y algún setlist por ahí desapareció misteriosamente…

En el comunicado pedí que la prensa llegara a más tardar a las 20 horas. Lo concreto es que a esa hora no había llegado NINGUN periodista. Sería lindo que un buen día un encargado de prensa tuviera los cojones de no permitir el ingreso de prensa después de la hora señalada. En todo caso, el ingreso de los colegas fue piola: eran pocos, y a estas alturas ya nos conocemos entre todos. No faltaron los que trataron de entrar con la credencial del Círculo de Periodistas, o los chantas del Teatro Caupolicán que quisieron hacer pasar unas listas brujas plagadas de amigos suyos.

21:10 horas: Estoy en la barricada con los gráficos, mientras la Dani coordina a los de TV. La banda se hace esperar y al teatro le sudan las paredes y parece que reventará en cualquier minuto. Finalmente, el primero es Bordin, provisto de un poncho que le dura escasos minutos dados los 38° a la sombra. Luego Gould, Hudson y Bottum, quien comienza con los primeros acordes de…¿’Reunited’? No! Es la música incidental de ‘Scarface’, pero eso lo sabemos sólo con los inquietantes ‘Bom Bom Bom’ de Michael Allan Patton, que provoca sicosis colectiva en milisegundos. A los primeros redobles de ‘Collision’, esto se convierte en un polvorín. No aprovechar de sacar fotos en esta inmejorable posición sería digno de cárcel.

Tras la locura con megáfono de ‘Land of Sunshine’ se acaba el tiempo para los gráficos y es hora de salir de la barricada. Despejamos la zona, agradezco a los guardias y nos alejamos de ese sector que luego se convertirá en la batalla de las escupos. Doy un par de vueltas por el teatro buscando algo sin saber qué: ¿Un lugar cómodo? ¿Alguien que conozca? No sé. Finalmente encuentro a Fuguet y me sumo a él y a Pablo Cerda, justo para eso de ‘ahora somos Frei No More’, antes de ‘Last Cup of Sorrow’.

La mezcla es rutilante: hay hits clásicos y sorpresas de culto. Mi momento Kodak es aquel en ‘Midlife Crisis’ en que el público se queda cantando a capella por un minuto completo ante el impacto de la banda. Tras alucinar con ‘Caralho Voador’, cambio de lugar y me voy a lado de la mesa a compartir con mi amigui Loreto. Justo al llegar ocurre un típico ‘momento Patton’: el cantante entona una sexy versión del estándar ‘Fever’ que acaba abruptamente tras un alarido suyo que casi me infarta. El publico ríe con ganas, la comunión es total.

Del resto del set, sólo puedo decir que sonaron mis cuatro canciones favoritas de ‘King for a Day..’, ese disco que le encargué a mis viejos cuando fueron de viaje y yo estaba a dos meses de terminar Cuarto Medio. Imaginen el compromiso emocional con esas canciones. Mientras celebrábamos en backstage con los chicos de la productora, vi como Billy Gould fue al camarín de los chicos de Lerdo (teloneros) y se despidió respetuosamente de ellos, llevándose su disco y sacándose todas las fotos que le pidieron. Un grande. Lo que también vi fue que el setlist terminaba con una que no sonó: 'We Care a Lot'.

Viernes 30, 16 horas. La Dani amablemente ofreció su auto, así que vamos a toda velocidad por Vespucio rumbo al Estadio Bicentenario de La Florida. Ya en el tercer piso del estadio (oficina de producción) y con un calor abrasador, hacemos rápido las tareas pendientes. Luego, sobre el escenario, me encuentro con Andrés, el manager de Sepultura, para chequear por cuántos temas se pueden sacar fotos. En ese mismo momento se abren las puertas del estadio. Ver correr por la cancha a los primeros fans es francamente conmovedor.

A eso de las 20 horas, la impuntualidad de la prensa es aún peor que el día anterior: las vías de acceso al estadio forman un taco gigantesco que demora la llegada de la gente. Mientras la Dani y yo esperamos en el acceso a Palco Pacífico, Gigio cumple un rol vital: él lleva a cada uno de los acreditados a Cancha Vip, pegándose unos 20 piques de ida y vuelta. Durante todo ese rato, logro escuchar el potente set de Sepultura que, diezmados y todo, la rompen igual a punto de himnos como ‘Territory’, ‘Arise’ y ‘Roots Bloody Roots’.

Sólo a las 21:15 horas entramos al foso con los gráficos. Se rumoreaba que los FNM querían tocar puntualmente a esa hora; sin embargo, hubo tiempo para todo porque la banda recién aparece 35 minutos después. Esta vez sí partieron con ‘Reunited’ y Patton cambió el traje color damasco por un terno de terciopelo plateado. Nuevamente, los aullidos del público me provocan sordera mientras trato de registrar el momento y veo con espanto como el vocalista arroja un pesado pedestal de micrófono al público. Glup.

Esta vez, el desalojo de la barricada fue más atadoso, pero no por los gráficos sino por los colados: groupies, técnicos y todo tipo de personajes que nada tienen que hacer en esa posición de privilegio ganada legítimamente por los fans que llegaron temprano. A lo lejos alcanzo a divisar a Patton con una chupalla cantando ‘Evidence’.

Fiel a la promesa que le hice a una amiga, le doy la vuelta completa a la Cancha Vip y llego hasta el costado derecho, justo para ‘Surprise, You’re Dead’. Junto al Manu, Kirk y la Isidora, nos sorprendemos mucho cuando tocan ‘RV’ y yo quedo shockeado con los chillidos de Patton en el final de ‘The Gentle Art of Making Enemies’. El líder sigue con su show propio: ya lanzó uno de los monitores al suelo y durante ‘Just a Man’ se manda un carrerón a la reja con el público, empujando a guardias y soltando micrófonos. El final con la falla de sonido en ‘We Care a Lot’ y el antclímax de ‘Pristina’ no le hicieron justicia a un show tan perfecto. Y menos aún cuando me entero que ‘A Small Victory’ aparecía en el setlist.

Para el recuerdo quedarán postales del final como la foto de Roddy Bottum con los pacos, el desgarro que sufrió Patton en una pierna, mi propia foto con Billy Gould, y la celebración final en Cienfuegos, lugar al que sólo llegaron Billy, Jon y los Sepultura. Había sido suficiente rock and roll por una semana. Pero me quedó la sensación de que, para estos jóvenes productores, el apetito se ha abierto heavy. Amen.

Rey por un Día

2009-11-02T19:49:00.015-07:00

(**Están pendientes los reviews de Depeche Mode y Cómo Asesinar a Felipes. Ya van.)

Si presenciar un hecho histórico es emotivo, formar parte de él y sentir que en alguna medida eres responsable de que haya ocurrido, es derechamente la gloria. Cuando mi amigo Leo me preguntó si quería ser el encargado de prensa de la visita de Faith No More en Chile, no había mucho que pensar: más bien costaba creerlo. 15 años atrás, FNM, los Red Hot, Beastie Boys (a los que vimos juntos en el ‘95) y otras bandas eran el menú habitual de nuestras conversas de fin de semana, viendo algún VHS pirateado. Ahora, él y un grupo de valientes estaban a cargo del regreso de uno de los nombres más queridos por el público local. Inaudito.

No es raro el culto por Faith No More. Es una banda que creó un imaginario en Chile: su visita a Viña no sólo fue el freakerío que todos insisten en leer, sino un hito fundacional. La chance cierta de que los nombres más alternativos de la música también podían desembarcar aquí, y hacerlo con éxito. Fue el primer show de metal para muchos chascones que se juntaban en el Paseo Las Palmas y como ya sabemos, la primera no se olvida. Quienes fueron optando por seguir a otras bandas, igual mantenían el cariño por ese recuerdo imborrable. Lo del ‘95 en el Caupolicán sólo contribuiría a robustecer la mitología.

Entendíamos que teníamos algo grande entre las manos, pero el primer día de venta de tickets fue una locura: 8 mil boletos en un día. Uf. Y ni hablar de ese 12 de junio en que parecía que todo Chile se había colgado al webcast del ahora mítico show del festival Download: esa partida con ‘Reunited’ de Peaches & Herb es candidata fija para postal del año.

Mientras tanto, yo mandaba y mandaba comunicados de prensa: el récord de ventas, el segundo show, la aparición de Sepultura, los teloneros chilenos. Noticias y más noticias. Hasta una entrevista con Billy Gould conseguimos, y salimos a dos páginas un día domingo en La Tercera. Nada mal para una banda de rock separada hace más de una década. Sin embargo, vendría la parte ingrata de mi pega: Tim Moss, el manager del grupo, exigió no más de 20 periodistas por día, entre fotógrafos, camarógrafos y claro, periodistas. Ese número ridículo me forzó a cortar a la mitad la lista originalmente elaborada, teniendo que dejar a varios colegas sin chance de cobertura. Una lata.

Ojo que también hubo un montón de medios (en especial, programas de TV) que aparecieron a última hora, pidiendo ‘cubrir’ el evento. No los nombraré, pero no son precisamente los que ponen a la música como prioridad en sus pautas. No los culpo: a mí también me gusta ir a conciertos gratis. Si hasta me llamó la asistente de José Miguel Viñuela para pedir tickets. Qué caras de raja. Finalmente se hizo un esfuerzo y logramos meter a la mayor cantidad de posible de medios que, a nuestro parecer, no podían faltar.

Y llegó el gran día. En este escenario tan intenso, no sólo estás pendiente de que tu pega salga bien y de intentar compartir unos minutos con el astro, sino que también entablas relaciones con muchas personas: algunas, muy breves y otras, que pueden durar para siempre; algunas son ásperas y tensas; otras, de complicidad y genuina amistad. Es lo que yo llamo mi propio ‘Almost Famous’: esos dos días y medio en que por distintos motivos estuve con Alberto Fuguet, el Nene, Arturo Lovazzano, Diego, el jefe de escenario, Fernando Mujica, la gente de Caba, Andrés Varnava, el manager de Sepultura, Tim Moss, los jefes de seguridad, los promotores neozelandeses de visita, el Gigio, y la Dani, mi asistente, entre muchísimos otros.

Una foto para la historia

Mi propio momento peak llegó por casualidad: la noche del miércoles partí al glamoroso hotel W, con el antecedente de la caótica llegada de la banda y la consiguiente ofuscación. Tras algunas horas y después de ir a dejar a una amiga, la Dana y yo nos encontramos en un salón con Gonzalo Frías, Alberto Fuguet y…Mike Patton. Junto a sus dos acompañantes (Eric, un gringo freak y el hermano policía de Patton), tres personas de la producción (Leo, Dana y Seba), Fuguet, Patton y yo partimos a comer al ‘Tahití’, una marisquería del barrio Brasil.

En ese contexto tan íntimo, finalmente se pudo conversar de todo mientras comíamos ostiones, camarones, locos y otros mariscos. Le contamos a Patton que tocaría en el mismo lugar de los escupos y él se acordó de inmediato de la escena y se la explicó a sus acompañantes. También dijo que durante los últimos años, el truco más barato que podía tener un cantante gringo era pedir disculpas por George Bush (¿Escuchaste, Trent?) Trató de aprender todas las palabras en español que pudo, y como buen fan de Brasil, se mostró feliz por el triunfo de Rio para los JJ.OO. El Seba le dijo que lo había visto tocando con Rahzel en Coachella y él confesó que le cargan los festivales. Ahí yo le dije que fui a Lollapalooza el 2008 a ver a Rage Against the Machine y él dijo que ‘Zack es un buen chico, pero sus letras son algo inocentes’. Cuec.

Tras esa amena y surrealista cena, partimos a tomar algo a Bar Constitución. Al llegar, estaban tocando los brasileños de Autoramas. Me pregunto si a su muy atractiva bajista le habrán contado que tocó para Mike Patton. Predeciblemente, Patton duró 10 minutos de incógnito y luego todo se convirtió en un incesante desfile de fotos y autógrafos. Fin de la primera noche. En el próximo post, los entretelones de los shows y la fiesta final en Cienfuegos. Reunited.

Cambiar para que Nada Cambie

2009-10-19T21:14:00.006-07:00

La escena al llegar al Club Hípico era digna de la mejor fiesta universitaria de todos los tiempos: botillerías colapsadas, combinados mezclándose en cada rincón del barrio y los pacos, asumiendo la derrota con ‘La Escoba’ de Chico Trujillo de fondo. Ritoque is not Dead.

Entré a las 20:00 horas al nefasto recinto, justo para ver a Los Tres. Era un show muy especial (y que casi se suspendió) tras la sorpresiva muerte de la madre de Angel (y Javiera) Parra, Marta Orrego Matte, ocurrida tres días antes. Eso sí, Angel se paró en escena con postura apática a lo Noel Gallagher y en un ningún momento ni él ni nadie evidenciaron la triste situación hacia el público.

Es raro lo que pasa con Los Tres: poseedores del cancionero más perfecto del rock local, parecen negarse a avanzar, tanto en sonido como en repertorio. Abrieron con ‘El Aval’, siguieron con ‘Hojas de Té’ y durante sus 45 minutos de show no tocaron ninguna canción de discos suyos posteriores a 1995 (ni siquiera ‘Cerrar y Abrir’!). ¿Será algo así como asumir el fracaso de ‘Hágalo Usted Mismo’?

Por cierto, hubo postales recordables: el guiño a Tiro de Gracia en ‘La Torre de Babel’ (‘Llaman a la puerta llaman’), el final épico y distorsionado en ‘Te Desheredo’, el saludo a la clasificada selección de fútbol en la suite de cuecas, la estrofa de ‘Jefe de Jefes’ en medio de ‘He Barrido el Sol’, o el final con teclado a lo Café Tacuba en ‘Déjate Caer’. Pero la sensación es agridulce cuando el nombre más trascendente de la música chilena opta por no mirar para adelante y prefiere convertirse en un acto de nostalgia, cual muerto en vida. Simplemente no se condice con su gloriosa historia.

Y la encrucijada de caminar hacia el riesgo o dormirse en los hits también vale para el plato principal. Los Fabulosos Cadillacs llegaban a Santiago a casi un año de la partida de su triunfal tour de regreso (noviembre 2008, México). Habían sido seis años de silencio, cuya suspensión se coronó con la edición del álbum, ‘La Luz del Ritmo’ (aunque con sólo 5 tracks inéditos).

Los trasandinos emergieron a escena luego de que se pegara el disco con la intro envasada. Uno a uno, aparecieron los nueve y se quedaron inmóviles por breves segundos, como aguardando la ovación que el público les regaló. Mini-calentamiento de los vientos y llega la explosión: ‘Manuel Santillán, El León’ generó un clímax automático. Volvieron los Cadillacs. Como si no hubiera pasado el tiempo, los puntos de atracción volvían a ser los mismos: Vicentico, apoyado en un bastón, y Flavio, todo tatuajes y virtuosismo. La gran novedad de esta formación es el retorno del vistoso Sergio Rotman, el saxo que se fue en pésima onda en 1997 y ahora abandonó los dreadlocks por un frondoso afro albinegro.

Sigue ‘Contrabando de Amor’, un antiguo ‘skacito’ (como diría Johansen) aggiornado que es el primer single de su nueva placa, ‘El Arte de la Elegancia’; sin embargo, el público parece decir ‘Next’. Los chicos no tan chicos insisten y suena ‘El Sonido Joven de América’, otro rescate de ‘El Satánico Dr Cadillac’, que ahora tiene versión remozada. Al menos los tracks son breves y permiten captar la actual dinámica de la banda en escena. ‘La Luz del Ritmo’ cierra la triada de re-versiones y esta sí suena más familiar.

El primer suspiro de genuina emoción llega con el primer acorde de ‘Vos Sabés’, convertida en karaoke de los 50 mil presentes, y con guiño a The Who al final. Los jugadores se paran en la cancha así: desde la izquierda, el percusionista Tano Martelli, los vientos: Dani Lozano (un histórico), el invitado Hugo Lobo y el mentado Rotman. En batería y teclados, dos que están desde de la partida: Fernando Ricciardi y Mario Siperman; y en guitarra, el invitado Matías Brunel. Recuerden que entre el acabronamiento de Flavio y Vicentico, esta banda nunca le ha dado mucha bola a los de las seis cuerdas. Que lo digan Vaino (ahora es el manager) y Ariel Minimal, quien optó por marginarse de esta reunión.

‘Hola amigos! Son grossos, ¿eh? Qué alegría linda, Están felices….son huachos, ¿eh?’, articula Vicentico tras ‘Calaveras y Diablitos’ en su clásico tono burlón y condescendiente que mezcla el impacto por ver a tanta gente y el saludo por ver a un país clasificado para el Mundial. El tendría la misma alegría sólo tres días después. ‘Esta es de un disco llamado ‘El León’, que lo grabamos en 1812’, dice el frontman antes de ‘Soledad’. Y la verdad, parece que fueran 200 años. Del público lanzan un gorrito de la selección, pero Vicentico no se lo pone; se lo pasa al trompetista invitado y él sí se lo calza. Manda antigüedad.

Una curiosidad que evidenció el paso del tiempo fue el llamado a la batería a Astor, el hijo de 12 años del bajista. Con Flavio en voz y guitarra y Vicentico en bajo, hicieron un versión de ‘Nosotros Egoístas’ que careció de prolijidad pero le sobró nervio emotivo. El mini baterista se quedó en escena y junto a Florián, -el hijo de Vicentico- en guitarra, hicieron la clásica versión Cadillac de ‘Guns of Brixton’ de los Clash cantada por Flavio, aunque en esta pasada sonó más raggamuffin y menos dub.

Desde ‘Carnaval Toda la Vida’ en adelante’, el show se transformó en una sucesión de golazos de media cancha insuperables: ‘Carmela’, ‘Mal Bicho’ (con Flavio usando su bajo como escopeta), la neo-bailantera ‘Padre Nuestro’ (Flavio, otra vez: ahora enfundado en una máscara de luchador mexicano y paseándose por el escenario en skate) y para rematar, nada menos que ‘Matador’. Un set demoledor que cerró con la más antigua de la noche, ‘Silencio Hospital’.

Tras el descanso de rigor, los argentinos aprovechan la contingencia: dentro de media hora se conmemora otro Día de la Raza, pero para los Cadillacs no hay nada que celebrar. ‘Quinto Cententario' suena tan ajustada, combativa y dolida como la primera vez. Y de un himno comprometido saltamos al extremo opuesto: hasta yo me sorprendí cuando se lanzan con ‘Mi Novia se cayó a un Pozo Ciego’, una que trae de vuelta esos tiempos en que eran la banda que ‘se quería morir tocando ska’.

‘Yo hago las partes mías y ustedes, las de Celia. ¿Ok?’, invita Vicentico para lanzarse con ‘Vasos Vacíos’ y de postre, llega ‘El Satánico Dr. Cadillac’. Uf, a estas alturas, el acumulamiento de himnos comienza a pasarle la cuenta al cuerpo. Los chicos se van: Rotman dice adiós, pero a la salida Flavio aleona con las manos a que la gente pida más. Al regreso, Vicentico recuerda que para que una noche así haya existido, hubo muchas previas en lugares pequeños con muchos de los presentes. Y sí: por escoger sólo una, recuerdo esa noche de agosto de 1995 en el Teatro ‘Monumental’ con 12 compañeros del Cuarto Humanista. Cómo olvidarla... De vuelta en el 2009, ‘Siguiendo la Luna’ invita al sosiego con su cadencia sostenida y como guinda de la torta, nadie se iba del fuckin’ Club Hípico sin escuchar ‘Yo no me Sentaría en tu Mesa’.

¿Extrañamos algunas canciones? Claro, siempre seremos inconformistas. De la época añeja pueden ser ‘Gallo Rojo’, la preciosa versión de ‘Desapariciones’, la infaltable ‘Gitana’ (sí, la están tocando) o la legendaria ‘Basta de Llamarme Así’. Pero lo que a mí de verdad me dio lata es que esta banda abandone casi del todo sus últimos, más experimentales, arriesgados y mejores discos, ‘Fabulosos Calavera’ y ‘La Marcha del Golazo Solitario’. Bueh, es una gira de regreso y tienen que sonar los clásicos. Pero el próximo 03 de diciembre en el Movistar Arena esperamos sentir que vamos para adelante. ¿Ok?

Setlist: El León / Contrabando de Amor /El Sonido Joven de América / La Luz del Ritmo / Vos Sabés / El Fin del Amor / Demasiada Presión / Calaveras y Diablitos / Soledad / El Aguijón / Nosotros Egoístas / Guns of Brixton / Saco Azul / El Genio del Dub / Carnaval Toda la Vida / Carmela / Mal Bicho / Padre Nuestro / Matador / Silencio Hospital // Quinto Centenario / Mi Novia se cayó a un Pozo Ciego / Vasos Vacíos / El Satánico Dr. Cadillac // Siguiendo la Luna / Yo no me Sentaría en tu Mesa

Pop al Cubo

2009-10-18T18:44:00.003-07:00

La forma es el discurso. Ellos no quieren entregarte un mensaje: prefieren que repitas con ellos ‘Goooo Weeeest’, y seas feliz por 90 minutos. La base misma del pop. ‘Twist and Shout’. Pregunta y Respuesta. Estrofa y Estribillo.

Según muchos, la tercera parada de Pet Shop Boys en Chile fue la mejor de todas. No estuve en el Caupolicán el ’95, pero sí fui hace dos años a la Estación Mapocho y como todos los presentes, intenté sin éxito escuchar algo en medio de esa masa de rebotes. Esta vez, en el Movistar Arena y con un show redondito, Tennant y Lowe ganaron por paliza.

En un comienzo no aparecen ellos, sino dos personas con mallas rojo y azul y un cubo en sus cabezas. Sí: un cubo, el elemento clave del ‘Pandemonium Tour’. Luego, la dupla estelar emerge desde el centro del escenario, atraviesa una muralla de cubos blancos y se posan en micrófono y sintetizadores, respectivamente (con cubos en sus cabezas, por cierto). La enorme ‘Heart’ es la primera.

La excusa de este tour es la salida de ‘Yes’, un álbum que evoca lo mejor de Pet Shop Boys: concisión, elegancia y un talento superdotado para los estribillos pegajosos. Un buen ejemplo es ‘Did you see me Coming’ que cierra con Tennant ensayando su español para agradecer al público. Mal que mal, ya llevan casi una semana en Chile. Durante ‘Pandemonium’, los chicos rojo y azul tocan un par de trompetas y dan paso a ‘Can You Forgive Her’, el primer peak y prueba empírica de que la garganta de Tennant está intacta.

‘Somos los Pet Shop Boys, beatiful country’, dice el cantante, ya sin cubo en la cabeza, antes de mandarse con ‘Love, etc’, otra de las nuevas. Durante todo este rato, el muro de cubos blancos ha proyectado visuales simétricas a la distribución de cuadrados (cartas de ajuste, dancefloors, juegos de tetris, etc.). Pues ahora, los muros son derribados y queda al descubierto una estructura piramidal que pone a la vista a dos bailarines que se mueven a ritmo militar con la intro marcial de ‘Go West’. Es el delirio.

Se genera un breve interludio y al regreso, dos bailarinas con batas de tercioplelo (y cubos en la cabeza) y un experto en breakdance interpretan con delicados movimientos ‘Tonight is Forever’ y ‘Two Divided By Zero’. Pero el momento que viene es notable: durante ‘Why Don't We Live Together?’, cuatro bailarines aparecen vestidos con corpóreos de edificios haciendo una graciosa coreografía. Yo alcancé a reconocer al Chrysler y al Empire State.

Y si les faltaba un hit, justo cae ‘Always on my Mind’. Consciente de la popularidad del tema, Tennant recorre el escenario de punta a punta aleonando a un público que, -a estas alturas-, si tuviera cubos cerca, se habría subido a ellos a bailar cual Go Go Dancers. La dupla no deja que la fiesta decaiga y pegan con ‘New York City Boy’, apoyada por el cuarteto de bailarines haciendo pasitos a lo Tony Manero.

Tras ‘Left to My Own Devices’, Chris Lowe se convierte en el centro de atención: el público le canta el ‘Cumpleaños Feliz’ ya que cumplió medio siglo el domingo anterior en Santiago de Chile. Fiel a su imagen, el músico ni se inmuta. La empatía no está entre sus virtudes (por contrato). Lo que viene es distinto: Neil Tennant regresa a escena con terno negro y corbata de humita. Ahora, sin lentes oscuros ni sombrero tipo bombín, queda expuesta su calva cuyo único adorno son unas cuantas canas.

Durante este segmento, Tennant juega al crooner y muestran su faceta menos bailable y electrónica con tracks como ‘Do I Have To’, ‘King's Cross’ y ‘The Way It Used To Be’. El bloque cierra con una ‘Jealousy’ que acaba con la pareja de bailarines negros agarrándose literlamente ‘a cubazos’.

La locura retorna al Arena tras los primeros acordes de ‘Suburbia’. Acompañando a Tennant, aparecen dos personas caracterizadas como oficinistas. Pero en medio del estribillo se despojan de sus ternos y quedan en tenida deportiva: son las rubias y delgadas mellizas Polly y Sophie Duniam, las mismas que han aparecido toda la noche con cajas en la cabezas, edificios en el cuerpo y con batas de terciopelo.

Las mismas chicas, más la guapa mestiza Charlotte Walcott y el moreno Sean Williams se encargan de apoyar a Tennant en baile y coros de una ‘latinizada’ ‘Se A Vida E’, que termina en una fiera batucada. Lo que viene son guiños a ‘Domino Dancing’, pero finalmente el track no suena en su totalidad; en lugar de ello, Tennant vuelve al escenario con capa y corona, cual Freddie Mercury en sus mejores tiempos. Este Rey del Pop (o del Tecnopop) se manda con una versión a capella de ‘Viva la Vida’ de Coldplay’ que ha sido la sorpresa en este tour.

La lujuriosa ‘It's A Sin’ cierra el bloque y la pareja sale de escena. Para volver lo hacen solos, sin parafernalia, como queriendo decir: ‘muy bien los apoyos visuales, pero esto es nuestra verdadera esencia’. Y qué mejor elección que ‘Being Boring’ para demostrarlo: el track suena limpio, perfecto, sin aditivos. Voz y bases. Sinergia total.

Tennant y Lowe agradecen por última vez y se van con broche de oro. ‘West End Girls’, mi favorita, la primera que lanzaron, la que inventó un sonido, es la final. Una canción sobre amar a quien no se supone que ames, sobre sentirte en el lugar equivocado, sobre la paranoia. Si no lo sabías es porque los Pet Shop Boys hacen que la realidad suene mucho mejor de lo que es. Gracias por cobijarnos en su fantasía pop, Chris y Neil.

Setlist: Heart / Did You See Me Coming? / Pandemonium-Can You Forgive Her? / Love etc. / Integral-Building A Wall / Go West / Tonight is Forever / Two Divided By Zero / Why Don't We Live Together? / Always on My Mind / NYC Boy / Closer To Heaven / Left to My Own Devices / Do I Have To / King's Cross / The Way It Used To Be / Jealousy / Suburbia / All Over The World / Se A Vida E / Domino Dancing - Viva La Vida / It's A Sin // Being Boring / West End Girls

Rezamos por Vos

2009-10-09T07:09:00.011-07:00

Nunca fui muy fan de Charly García. A quien me quisiera escuchar le decía que si el trasandino hubiera muerto hace 15 años sería el Lennon de nuestro continente. Me molestaba la militancia obcecada de sus fans, defendiendo berrinches que, -carentes de sustancia musical durante ese periodo-, quedaban reducidos a pataletas de drogadicto. Pero bueno: el bicolor tuvo la mala ocurrencia de vivir, a su pesar. No hace falta recordar lo que ha sido la última década de Charly. El tipo es un sobreviviente. Quedarse en esta tierra ya era una tarea titánica, pero salió airoso; lo próximo era ver si podía volver a defenderse sobre un escenario. Pudo. Y ahora sí, yo puedo decir ‘qué bueno que lo logró’.

Tras una muy pública rehabilitación en la finca de Palito Ortega, Charly volvió a las canchas: lanzó un tema nuevo (no hay disco a la vista, salvo el muy filtrado a internet ‘Kill Gil’) y resucitó oficialmente en Perú. Chile fue la segunda plaza.

Viernes 02 de octubre, 21:27 horas (un día después de una memorable prueba de sonido en la que ensayó su show completo). Un telón blanco tapa completamente el escenario y sobre él se proyectan unas clásicas cortinas granate que simulan las de un teatro. De fondo suena una escala en piano que guiña a ‘Pasajera en Trance’. Unas par de potentes focos dejan al desnudo la sombra de Charly, quien levanta los brazos con look a lo Marilyn Manson después de ir a la Fuente Alemana. O-va-ción.

El telón cae y Charly ya está en su elemento: el piano. ‘El Amor Espera’ abre la noche. El ex -flaco está pendiente de muchas tareas pero no puede ejecutarlas todas a la vez. Hace el signo del heavy metal y mueve los dedos índices cual director de orquesta. El sonido recién se está calibrando. Al final del tema, Charly salta al centro del escenario y entona unos ‘wo wo wo’ que le dan calor al ‘Rap del Exilio’. Canchero, grita ‘Vamos a bailar’ e improvisa unos pasitos de twist que lucen como si los hiciera una mantis religiosa.

En una tónica que se repetirá toda la noche, pegadita llega ‘No soy un Extraño’. El clásico de ‘Clics Modernos’ suena impecable salvo por la gastadísima voz del bicolor, quien no llegará a ningún agudo esta noche. Me recuerda el efecto que me causó Bob Dylan haciendo ‘Just Like a Woman’ casi dos años antes en este mismo lugar. De todos modos, Charly está en su salsa y abraza cariñoso al ‘Negro’ López, mientras éste intenta terminar un punteo.

‘¿Estan listos para un rock? Say no More!’, grita antes del intro de ‘Cerca de la Revolución’. Sí: este nuevo Charly no sólo es robusto, sino generoso con sus hits y en particular, con los que no tocaba hace décadas. Eso sí, le da los coros al público. Y a Hilda, claro. Hilda es Hilda Lizarazu, ex voz del proyecto noventero Man Ray, corista histórica de Charly (1987-1993) y una persona clave en esta puesta en escena, como queda claro en ‘Chipi Chipi’ que suena apretadita con Charly al piano.

Tras despojarse de su chaqueta roja, Hilda acusa que llegó el momento de acalorarse. Y la guitarra de ‘Fanky’ lo dice todo. Primer aullido de locura de la noche. Se armó la fiesta. Pero bueno, volvamos a Hilda. La cantante reemplaza en escena la presencia que antes supieron encarnar nenas como Fabiana Cantilo o la fallecida María Gabriela Epumer (para mí, esa muerte marca el momento en que Charly abandona la cordura): no sólo canta bien, sino que además coquetea con el frontman y juega perfecto su rol de musa, de objeto de deseo. Por si no lo sabías, las canciones son para alguien, y en este contexto son para ella.

Tras la ambiental ‘Vía Muerta’ (‘ahora entramos en otra cosa’, introdujo Charly), llega el segundo aullido de locura: la caja de ‘Demoliendo Hoteles’ suena aplastante, agresiva, concentrada y visceral. Si vas a cantar, mejor grita. No demora en caer ‘Promesas sobre el Bidet’, que baja las revoluciones y en la cual Charly aprovecha de acercarse a su mayor socio en esta aventura: Fabián ‘Zorrito’ Von Quintiero, el mismo de los Soda Stereo con laca, el mismo de ‘Gustock’ por MTV, el mismo del Soul Café. El hombre del bigote le estrecha la mano al ‘Zorro’, la misma mano que esta noche trabajará doble resolviendo las partes que Charly ya no toca.

Salvo por las lindas visuales, ‘Adela en el Carrusel’ pasa inadvertida y con mayor razón a la llegada del himno ‘Rezo por Vos’ se desencadena el delirio. Sobre el final, Charly alza las manos e invita a rezar por Mercedes Sosa, intuyendo que a la legendaria folklorista le quedan 32 horas en este mundo. Qué postal.

Los hits no se detienen. Charly aprovecha ‘Yendo de la Cama al Living’ para presentar a sus músicos (incluyendo a los tres leales y talentosos compatriotas) y vuelve al centro de la escena mientras las proyecciones emulan la estética de ‘The Wall’, pero con el cruce de letras de ‘Say No More’. Y si pensabas que esa era para entonarla a morir, lo que viene es ‘Nos Siguen Pegando Abajo’. Eso no más te digo. Ah, estoy tan enamorado de Hilda. ¿Cuántos años tendrá? Se mueve tan libre como a mí me gustaría.

‘Influencia’ es una hermosa canción pero los agudos de Charly brillan por su ausencia. Luego, el trasandino juega al misterio y presenta ‘Llorando en el Espejo’ como ‘una canción de una época my lejana, pero muy presente. Algunos sabrán porqué’. El track suena muy íntimo y durante su extensión se proyectan unas manos gigantes que simulan tocar un piano, cosa que el mismo Charly hace por encima de sus teclas, palpando el éter. Con esa imagen me recuerda a Brian Wilson, otro que volvió del infierno y vive con minutos prestados. Primero Dylan y ahora Wilson: qué mejor evidencia de la condición de clásico de García.

Una línea de piano me quiebra de punta a punta: es ‘Pasajera en Trance’, con Hilda en la voz principal. Por primera vez me quedo paralizado. La carne de gallina no miente: peak de la noche. Para salir de tan melancólico mood, el propio Charly va al centro durante ‘Raros Peiandos Nuevos’ y trota en el lugar con toda la descoordinación posible. Al final de la rolinga ‘Vicio’, la ganadora del afecto de García es la propia Hilda. Obviamente el abrazo es mucho más largo esta vez.

“A lo que hemos Llegado” anuncia, y se manda ‘Buscando un Símbolo de Paz’. El bicolor no se esfuerza en hacerse el interesante; con la sabiduría de los que estuvieron a un paso del abismo comenta afectuoso: “Ya se está acabando, no lo puedo creer. Qué rápido. Está bueno, ¿no? ¿Les gusta?”. Claro que nos gusta, maestro. La noche ya es para contarle a los nietos, pero nadie está preparado para escuchar ‘Estoy Verde’ con tanta energía: estoy cerca de la primera fila y cuando el bigote levanta la patita para ponerla por unos segundos en sus teclas, reparo en que tiene un brazalete rojo de ‘Say No More’ en su pantorrilla derecha. El cierre llega con ‘No Voy en Tren’, arrojada al karaoke masivo. Un juego de potentes reflectores se instala detrás de García y lo inunda de luz justo en el segundo en que llega eso de ‘Yo soy de la Cruz del Sur’. Charly levanta sus brazos cual Cristo y todo se va a negro.

Si el show hubiera terminado ahí, ya faltarían muchos adjetivos para calificar lo vivido. Pero hay más: a su regreso, el argentino vuelve con polera en lugar de camisa y se lanza con un grosero playback de su nuevo track, ‘Deberías Saber Porqué’, en el que ni siquiera se molesta en mantener el micrófono en su boca. Le sigue ‘Hablando a tu Corazón’, en la que cambia la letra y dice ‘Dame Dinero a mí’. Se viene el abrazo grupal y los siete salen del escenario. Tras una larga espera, Charly vuelve para dedicar ‘Inconsciente Colectivo’ a Mercedes Sosa. Parece el fin: pasan largos minutos y el público comienza a rugir pidiendo ‘Los Dinosaurios’ Finalmente, el bicolor concede: la versión parte delicada en piano, pero luego se torna grandilocuente y rockera.

Cuando un amigo está enfermo y uno cree que su vida corre peligro, la satisfacción de verlo bien se multiplica exponencialmente. Si a eso se suma la presencia del soundtrack básico en la vida de cualquier sudamericano, el resultado es emoción viva. Sos Grande, Charly. Qué bueno es conocerte mientras vives. (Ah, Hilda Lizarazu tiene 46 años. Qué linda alma)

It's Only Love

2009-09-09T21:43:00.002-07:00

Debe haber pocos ejercicios más inútiles, ociosos, gratuitos e injustos que buscar las mejores canciones de los Beatles. Pero en mi cabeza que a todo le arma rankings y listas, es el ansiolítico más a mano que tengo tras el desembarco de la salida de la discografía remasterizada de los cuatro de Liverpool.

Sería muy barsa pretender opinar sobre el trabajo de estas cintas remozadas. Cuando las escuche bien, veamos. Pero de momento, tener una excusa para escuchar una y otra y otra vez esos discos, es una experiencia inigualable. Es increíble: han pasado 40 años y la emoción sigue creciendo.

Necesito poner en algún espacio mis canciones favoritas de los Beatles. Este es el que tenía más a mano. Ponga usted las suyas, ¿ok?

30 I Need You
29 I Want You (She’s so Heavy)
28 Getting Better
27 Do You Know to Want a Secret
26 Eight Days a Week
25 Drive my Car
24 Taxman
23 Get Back
22 Hapiness is a Warm Gun
21 Across the Universe
20 Two of Us
19 Eleanor Rigby
18 Because
17 The Long and Winding Road
16 You’ve Got to Hide Your Love Away
15 Sun King
14 Ticket to Ride
13 She’s Leaving Home
12 Mother’s Nature Son
11 I’m Only Sleeping
10 Lovely Rita
9 Cry Baby Cry
8 Your Mother Should Know
7 I am the Walrus
6 Hey Bulldog
5 In my Life
4 Blackbird
3 Strawberry Fields Forever
2 A Day in the Life
1 I’m So Tired

Me Da Igual que te sea Indiferente

2009-09-06T19:05:00.003-07:00

¿Cómo haces para emocionarlos después de 18 años? ¿Cómo te motivas a ti mismo tras ir de ida y vuelta al lado oscuro más veces de las que puedes reconocer? ¿Cómo conectar con tres mil personas y hacer que tus melodías les revelen cosas de sí mismos? Es otro día más en la oficina para Babasónicos.

Ese viejo axioma de que el éxito es un poquito de talento y casi todo de rigor puede calzar perfecto en este caso. A saber: casi dos décadas de historia, nueve brillantes discos de estudio, casi ninguna fractura interna (una deserción: Dj Peggyn / un fallecido: Gabo) y una década donde se hizo carne todo lo que en los ’90 fue verbo: los discursos sobre anarquía, delirio y confusión se tornaron discos de platino, reconocimiento internacional y eternos tours. Si algo les dejaron los 90 fue el aprendizaje de saber moverse en la precariedad, usar con creatividad los recursos escasos y enfocarse en una sola cosa: LA CANCIÓN. Componer, componer y componer. Tocar, tocar y tocar. En festivales y en bares. En hoteles y desfiles. En tu casa. Donde sea.

En el 2002 la banda retomó su relación con Chile, la que había quedado en standy by cuatro años atrás (no vinieron en el tour de ‘Miami’) y ahora nos visitan una vez al año. Eso permite que los fans entendamos mejor de que se trata la misa Babasónica y leamos con atención las señales que siembran desde el escenario. Anoche hubo varias

Sábado 05 de septiembre, Teatro Caupolicán, 00:00 horas. Chile ya empató con Venezuela, Argentina ya perdió con Brasil. En el aire hay ánimo de tomarse revancha durante los próximos 80 minutos. Estoy nervioso, -como las dieciseis veces anteriores-, y me lo hacen saber. La familia sónica toma la escena y no doy más: me voy a hacer el aguante a la reja, tal como la última vez, en el Festival Universia Rock. Me siento extraño: con los años, cada vez se me hace menos soportable compartir con otros seres humanos los centímetros cuadrados, pero a la vez es lo que exige la excitación del momento.

Predecible, ‘Cuello Rojo’ abre los fuegos. Es el estándar de esta gira como número de apertura. Las más de tres mil almas aúllan con esa guitarra sucia cada vez más ausente en el cancionero de los de Lanús. Adrián comienza el jueguito de levantar su micrófono desde el pedestal amenzando con botarlo, buena metáfora del caos controlado que es la esencia babasónica: instalar la sensación artificiosa de que realmente mientras ellos toquen, tenemos permiso para hacer lo que se nos cante. A mí lado, un par de chicas se lo creen y se besan sin amor, generándome automática envidia.

Lo que sorprende es la aparición tempranera de ‘El Idolo’, (el mejor crescendo emotivo que compuso la banda desde ‘Irresponsables’). Que no me vengan con patrañas: el track es una canción de misa que derivó en himno pagano. Todos hermanados entonando “Cuaaaando yo me muera, haré una fiesta en donde nunca salga el sol…Donde amigos y enemigos brindarán porque regrese en la piel de un canción”. Gloria a Dios. Ahora arremete ‘El Colmo’, otra con cara de himno. Vemos cómo se paran los jugadores en la cancha: Mariano es dueño absoluto de la banda izquierda, con escasos desbordes a los costados; Tuñón se para al fondo, instalado mirando de lado y con unos lentes que ya se quisiera Stevie Wonder; Panza y Carca juegan a hacerse invisibles y a la derecha, Diego Uma parece haber regresado a 1994 con ese engañoso corte de pelo de niño bueno.

¿Y Adrián? Bueh, Adrián está entonando ‘Pendejo’ vestido con una mezcla entre chaqueta y chamanto, que sólo le podría quedar bien a él. El único guiño de la noche a ‘Jessico’ suena corrosivo en comparación con el catálogo reciente del quinteto; mientras tanto, el roadie y músico Luchi Camorra corre a despojar de su campera al acalorado Carca, mientras Diego Tuñon se decide derechamente a tocar de espaldas a la audiencia.

Durante la espléndida ‘Las Demás’, Mariano Roger toca su guitarra pero también hace gestos a la mesa de sonido y le da instrucciones a un par de asistentes sin dejar su condición del más piropeado por las chicas presentes. Tras la muerte de Gabo, el cuarentón hijo del actor Rolo Puente es hoy el DT de Babasónicos dentro de la cancha: sus miradas marcan timings y ‘Mucho’ es una obra que tiene como centro sus guitarrazos cancheros. Lo que viene es el regalito a la vieja guardia: tras siete años de no escucharla en vivo, suena ‘Seis Vírgenes Descalzas’. No puedo creerlo: entono a todo pulmón, pero a poco andar me doy cuenta de que estoy cantando solo. Es una sensación que tiene poco de cool y harto de snob. Callo. En mi cabeza, la canto a morir.

Coherente con su discurso, los chicos se centran en su última obra. Horas antes, Mariano me dijo que no se hacían cargo del rótulo de ‘clásicos’ porque eso es sinónimo de una banda que no avanza ni explora en su sonido. Para Babasónicos, la clave es vivir en puro presente y si eso significa quitarle el piso a sus obras maestras previas, pues se hace no más. El remix de ‘Pijamas’ que sale en ‘Mucho Más’, la enorme ‘Cómo eran Las Cosas’ y ‘Yo Anuncio’ les dan la razón: en esta última, Adrián adopta su clásica postura con un pie en uno de los retornos y a ratos se acerca al público para cantar con ellos. Se prendió el cantante.

Y si así está la cosa, qué mejor que lanzarse con ‘Irresponsables’. Es el peak definitivo de la noche y se justifica con creces. Es la síntesis sónica que conjuga jueguito kitsch, actitud rock y un exquisito estribillo que hace imposible no cantar con los ojos cerrados mientras el frontman le baila a Roger como si de un exorcismo se tratara. Llega el momento de la pausa y Mariano se queda solito en escena para recordarnos que la excusa de esta visita es la reedición con bonus de ‘Mucho’ y, como si de un fogón se tratara, canta ‘Paralelos’ (compuesto por Miguel Castro, de Victoria Mil) a pura guitarra y con un aire al ineludible Calamaro.

Una síntesis completa de la historia reciente de Babasónicos no lo estaría si faltara la suite ‘Carismático/Yegua’. Como pocas veces, los tracks suenan pegados y la transición entre ambos temas pilla a Adrián pajareando, por lo que obliga a su hermano a cubrir el silencio sin evitar que el error se note. A pesar de su presencia magnética, Dárgelos se ve con menos aplomo que en otras ocasiones, falencia que trata de cubrir con inéditos diálogos con el público, algo que está casi vetado en Babasónicos.

Vienen segundos de ruidosa distorsión en el escenario, los que preceden a ‘Así se Habla’, la declaración de principios más nítida de una banda que siempre juega al misterio. Le sigue ‘Y Qué’, la canción en que todos los presentes se sienten sexys por cuatro minutos, y ahí está el bailecito de Adrián para confirmarlo. ¿Otro peak? No se puede con ‘Putita’. Nada que hacer. Un hit es un hit, y esta banda los cuida (al menos, los recientes).

‘Ahora viene ‘Escamas’, dice Mariano. Tras el lento romanticón, Adrián se manda un speech de agradecimiento a Blondie y a los presentes que lo ‘hicieron sentir bien’. Nuevamente pienso en lo anómala que luce esa demagogia en una banda que siempre luchó contra ella. Para eso, qué mejor antídoto que ‘Estoy Rabioso’. La canción suena como tiene que sonar: como una masa de bulla que le recuerde a los presentes que esto no es sólo ‘Putita’. El cierre viene con la perfecta ‘Microdancing’, el track en que los hermanitos Rodríguez perfeccionan los duetos que antes exploraron con ‘Patinador Sagrado’ y ‘Paraguayana’.

Los chicos salen de escena, pero no tardan en volver. El regreso es con otro estreno, ‘El Pozo’, una de las más inspiradas de ‘Mucho Más’ y donde se mantiene viva la perversidad sonora. Los Babas bajan los decibeles al mínimo con ‘Nosotros’, pero dicen adios en grande con ‘Sin mi Diablo’, y queda la imagen de Mariano durante el solo, jugando al ‘Guitar Hero’. Siempre dejando con gusto a poco, siempre instalando dudas: sobre ellos y sobre uno mismo. ¿Por qué son tan importantes las canciones? ¿Estoy del lado equivocado del escenario?

Setlist: Cuello Rojo / El Idolo / El Colmo / Pendejo / Las Demás / Seis Vírgenes Descalzas / Pijamas Rmx / Como eran las Cosas / Yo Anuncio / Irresponsables / Paralelos / Carismático / Yegua / Así se Habla / Y Qué / Putita / Escamas / Estoy Rabioso / Microdancing // El Pozo / Nosotros / Sin mi Diablo

Yo Tuve la Mejor Flor

2009-08-15T00:27:00.004-07:00

Hay ocasiones en que simplemente SIENTES que estás en el momento y lugar correctos, y sólo te queda dar gracias. Estar en tercera fila del Teatro Teletón viendo a Aimee Mann cantar ‘Wise Up’ es uno de ellos.

Cuando aún no nos recuperábamos de la visita de la visceral Catpower, la ex voz de ‘Til Tuesday anunció sorpresivo arribo a Chile. Todos la vinimos a conocer con el iluminado soundtrack de ‘Magnolia’, pero antes y después hay gemas igual de poderosas. Sin ir más lejos, el reciente ‘@$%&*! Smilers’ (léase ‘Fuckin’ Smilers’) suena como las canciones que haría una amiga con la que disfrutas burlándote de la gente.

21:10 horas. En el recinto de calle Mario Kreutzberger ya no cabe un lais Sub 40 más. En mi siempre ambivalente condición de acreditado (nunca se sabe si quedarás muy bien o muy mal ubicado), deambulo por los asientos de avanzada y me quedo en la tercera fila a la derecha, rogando que no llegue el verdadero dueño de la silla. Será la mejor decisión de la noche: a mi alrededor todos los espacios se completan, menos el mío. Las luces se van.

La rubia aparece primero. La siguen sólo dos secuaces, los multiinstrumentistas Jamie Edwards y Jebin Bruni quienes, a punta de pianos, teclados y sintetizadores multiefectos, sostendrán el nuevo formato en vivo que Aimee estrenó en Sudamérica. Ante el aplauso efusivo, ella opta por partir con explicaciones: “Cuando armé este show, tuve que volver a escuchar viejos discos míos, así que voy a tocar temas que casi nunca toco”. Todo dicho y nos fuimos: ‘The Moth’ es la portada. Aimee Mann despliega su tono lánguido que parece la de una narradora que ya ha presenciado todas las historias que existen. Los teclados suenan como un pedal steel y sólo falta la bola con moho para completar la escena de una carretera vacía y polvorienta.

La esposa del músico Michael Penn (chequear ‘No Myth’) se confiesa: “Les cuento que tuve que viajar 17 horas desde Los Angeles a Buenos Aires. Creo que por eso estoy un poquito enferma”. Tal vez por lo mismo, se da un gusto y toca su regalona, ‘Nightmare Girl’ (lado B del disco ‘Lost in Space'), con la compañía de una escolar flauta dulce y esa letanía final que reza ‘Things Are Getting Weirder’. Pero lo mejor llega después: es ‘Momentum’, el circense track que sirve de telón de fondo para la presentación de personajes en ‘Magnolia’. Efectivamente el registro de Mann se siente algo rasposo, pero no llega a ser un problema y mucho menos cuando la pega con ‘Build that Wall’, otra joyita –apoyada con secuencias- de la peli de Paul Thomas Anderson.

“Esta nunca la toco en vivo” dice, y se manda ‘I’m with Stupid’ solita con la acústica. Sobre el final sus colegas la apoyarán cuando ella cante eso de ‘I don’t even know you anymore’. Al final se alejará del micrófono y la veremos más cerca. Aimee Mann, -largo y liso pelo rubio, ojos muy azules-, usa lentes ópticos que acusan sus casi 50 años, además de una chaqueta de plush, chaleco gris y una corbata de líneas rojas y verdes. Sus jeans y bototos de hombre completan el cuadro, haciéndola ver como una profesora guapa o la mamá de un amigo tuyo a la que miras con otros ojos.

La salud no mejora: Aimee tose y tose, entre tragos de agua para aclarar la garganta. En ‘Amateur’ adopta pose rockera y se calza el bajo, y luego en ‘This is How it Goes’ agarra la flauta dulce reconociendo que “llevo sólo dos semanas tocando esto. Cuesta mucho que suene bien”. Divertida por su ocurrencia, saca la flauta de su boca y dice: ‘Perdón, estoy medio volada con los remedios’.

Cualquier cosa que se haya dicho antes palidece a las 21:48 horas con los primeros acordes de ‘Wise Up’. El alma de ‘Magnolia’ simplemente detiene el tiempo y es el único track de la noche que saca aplausos espontáneos en medio de su interpretación. Como si no fuera suficiente, Aimee hace gala de su célebre ironía y anuncia lo que viene: “Esta canción esuvo nominada a un Oscar y perdió. Le ganó una de Phil Collins….bueno, escuché que él está retirado por estos días”. ‘Save Me’ completa el cuadro y queda la injusta sensación de que ya sonó todo lo que vinimos a escuchar.

Tras ‘You Could Make a Killing’, Aimee introduce dos ‘little’: “Me gusta la idea de ciertos pequeños desastres manejables. Ahora tocaremos ‘Little Tornado’ y ‘Little Bombs", dice. ¿Será un guiño a ‘Little Earthquakes’ de Tori Amos? Mmmm. La primera es laxa y cierra con silbidos; la segunda tiene más marcha y se apoya levemente en la percusión de Jebin Bruni.

‘Thirty One Today’ es el preludio ideal para la rutilante ‘Freeway’. El tema que abre ‘@$%&*! Smilers’ es un botín por el que Regina Spektor habría asesinado: pide airplay a gritos y tiene un magnífico arco emotivo cuando el registro de Aimee se eleva entonando eso de ‘You’ve Got a lot of Money, but you can’t Afford the Freeway’.

Sigamos. En teoría, ‘One’ (una más del consagrado soundtrack) debería haber sido otro punto alto, pero no todos los tracks soportan este formato más unplugged y el tema que abre ‘Magnolia’ (que está cumpliendo 10 años, ¿eh?) luce despojado y carente de peso sin los ruiditos creados por Jon Brion. Tras ‘Borrowing Time’ la rubia dice adiós, aunque no hace esperar su retorno a escena.

La gente le grita nombres de canciones (yo grité ‘Driving Sideways’) y ella, embalada, dice que “puedo tocar todo lo que me pidan”. Ahí el delirio se torna peligroso y Aimee vuelve a la mesura: “OK, un par de canciones más”. La primera del bis es a pedido y se llama ‘Guys Like Me’. Queda claro que la cosa es espontánea porque la nena le pregunta a sus músicos en qué acorde iba esa.

Luego, solita con la guitarra, se manda ‘Red Vines’, su viejo single del ‘Bachelor Nº2’, presentado como “una canción acerca de Paul Thomas Anderson”. Qué lindo es sentir que ahora uno tiene un solo grado de separación con el maestro. Ja.

Sobre el final, Aimee se nos emociona y reconoce: “Estuve muy enferma estos dos días. Hoy estuve calentando mi voz por horas. Estaba aterrada de haber venido de tan lejos y no poder tocar. Gracias por todo”. Y el agradecimiento no paro ahí: la bella recogió dos pedidos del público y cerró con ellos: ‘Driving Sideways’ (Yes!) e ‘Invisible Ink’. Entre medio, preguntó qué tan bueno era ese famoso licor llamado ‘pisco’ que le habían dejado en backstage y la gente le gritó sus recetas para tomarselo. Lo que se llama un ambiente ‘en familia’.

Aimee nos quedó debiendo su ochentoso hit ‘Voices Carry’ (en Argentina lo hizo), pero con todos los regalos entregados, no nos podemos quejar. O bueno, tal vez sí: ¿Cuándo demonios traen a Fiona Apple? Ah?

Setlist: The Moth / Nightmare Girl / Momentum / Build that Wall / I’m with Stupid / Amateur / This is How it Goes / Wise Up / Save Me / You Could Make a Killing / Little Tornado / Little Bombs / Thirty One Today / Freeway / One / Borrowing Time / Guys Like Me / Red Vines / Driving Sideways / Invisible Ink

Bailarina en la Oscuridad

2009-08-11T14:53:00.003-07:00

SHARON TATE (1943-1969)

No creas ni por un segundo que no te tuve en mis recuerdos este domingo. Cuarenta años después, sigues siendo motivo de fascinación absoluta. Reportajes especiales, en Los Angeles Times, New York Times, Pagina 12 y Newsweek.

Go Insane

2009-08-09T18:47:00.004-07:00

Con los años, a ‘Magnolia’ cuesta un poco seguirla en esas eternas tardes de TV cable; al revés, ‘Boogie Nights’ crece y crece como la espuma: esa estructura teatral de auge, caída y redención con el Valle de San Fernando como telón de fondo la ha convertido en clásico y le ha dado carne al estereotipo de la costa californiana como el lugar donde los sueños se alcanzan pero las pesadillas llegan para quedarse.

La hippie ‘Rollergirl’, el paternal Jack Horner, la atormentada Amber Waves y el ambicioso Dirk Diggler existen. ‘Yo los vi’, parece que dijera Carol. Carol es Carol Ann Harris, una rubia flaca y rica que tras su ‘prom’ en el pueblito de Tulsa se va a Los Angeles a perseguir sus ilusiones de trabajar en el mundo de la música. Parece película, pero en los ’70 todas las historias parecen listas para ser llevadas a la pantalla grande.

Un buen día, Carol estaba trabajando en un estudio de grabación y se topó con un ruliento galán de barba, ojos claros y jeans ajustados. Tenía nombre de mina, -Lindsey-, y sin que se lo preguntaran, le contó que acababa de terminar con su polola con nombre de hombre, -Stevie-, pero que igual tenía que verla y compartir con ella todos los días porque eran parte de la misma banda, de Fleetwood Mac (en adelante, FM).

Así comienza ‘Storms’, la narración de Carol Ann Harris sobre sus años como pareja de Lindsey Buchingham, su entrada al círculo íntimo de FM y sus salvajes vivencias en primera persona del significado de la palabra ‘rock and roll’. Sus años de ‘Almost Famous’. Sus años de Penny Lane.

En rigor, el relato está lejos de ser brillante. Carol es redundante y se detiene de forma insistente en su amor de geisha hacia Lindsey, en lo difícil que es competir con una mina tan admirada como Stevie Nicks y en cómo ella posterga una y otra vez sus proyectos personales con tal de no interferir con la adquirida condición de musa. Sin embargo, a pesar de lo anterior, en estas páginas hay algo único: la posibilidad de mirar por la rendija, de viajar en una maleta, de mimetizarse por un rato en ese espejo donde se posan rayas, rayas y más rayas blancas. Y simplemente ser testigo de cómo tipos corrientes se convierten en leyendas.

El grueso de los libros sobre artistas pop son autobiografías políticamente correctas que rara vez escarban en la mugre o detallados textos de periodistas mateos que tratan de reproducir momentos, lugares y situaciones que no vivieron. Aquí es distinto. Carol sí estuvo y no tiene ninguna atadura en contar cómo era realmente la interna de una de las bandas más desatadamente carreteras de todos los tiempos. Si el libro estuvo parado por motivos legales más de una década, por algo era.

Ella lo aclara desde el principio: su afán no era develar copuchas, sino exorcisar sus demonios, sacarse un peso de encima, liberarse. Carol dice a cada rato que ama con el alma la música de FM, y de hecho, queda la sensación de que se guarda muchas cosas que podrían comprometer aún más a los implicados. Es más: ella es la primera en reconocer lo inmersa que estuvo en la cocaína y cuánto le costó salir de ese pozo.

Carol Ann presencia el suceso histórico del disco ‘Rumours’, con sus millones de copias y su triunfo en el Grammy, y luego vive el desborde creativo de Lindsey Buckingham que daría origen al LP ‘Tusk’. Tal como la muerte de Little Bill marca el fin de los ‘70 en ‘Boogie Nights’, el comienzo de los ’80 se vive en FM como la caña más infernal posible tras un carrete de cinco años al hilo. La gira de 14 meses de ‘Tusk’ deja millonarias pérdidas, Mick Fleetwood se divorcia y declara en bancarrota, John McVie lucha contra el alcoholismo, Christine McVie tiene un tempestuoso romance con Dennis Wilson de los Beach Boys (quien muere ahogado en 1983), Stevie Nicks pierde a su mejor amiga por un cáncer y no se le ocurre nada mejor que casarse con el viudo, en medio de su voraz drogadicción. ¿Y Carol? Carol devela aquí el secreto más sórdido. La blonda cuenta cómo el intenso Lindsey, -quizás uno de los mejores guitarristas rítmicos de la historia-, la golpeó duramente en reiteradas ocasiones sin motivo alguno.

La propia Carol Ann cierra la etapa de un modo que huele a declaración de principios, tras la mini gira del CD ‘Mirage’ de 1982: “Aunque las drogas y el alcohol se consumían como agua, parecían generar un mínimo efecto en elevar los espíritus o cambiar los apáticos ánimos. La banda estaba aburrida, y sólo llevábamos dos semanas de gira. La electricidad en el aire, que siempre estuvo presente antes de cada concierto, ya se había ido. Y a nadie parecía importarle. (…) Ellos deseaban un largo break de FM y ya todo les importaba un carajo: los récords de ventas, los fans o el futuro de la banda que los había convertido en superestrellas. Por ahora, la fiesta había terminado. Y justo cuando parecía que las cosas no podían empeorar más, eso fue lo que pasó”.

Algo tiene California. Beach Boys, The Doors, Red Hot Chili Peppers, Eagles, Mamas and the Papas y Guns and Roses tienen algo en común. Es música triste y alegre, con euforia y melancolía. Son esas baladas en que Fleetwood Mac desnudaban sus ansiedades y añoranzas con envoltorio limpio e interior oscuro. Palmeras, playa y bronceados. Expectativas excesivas que casi nunca se alcanzan. A veces puede ser mejor no mirar por la rendija.

We’re All Mad Here

2009-07-27T07:14:00.007-07:00

(“Esta es la Carrera donde Nadie Ganará, Empezó Mañana pero Ayer Terminará”)

El Gato Risón es el primero en verbalizarlo ante la pregunta angustiada de Alicia sobre qué camino tomar: “Eso depende de dónde quieras ir”, dice el felino. ‘Aún no sé donde quiero ir’, dice Alicia. “Entonces no importa el camino que escojas”, concluye el Gato de Chesire. Luego le sugiere ir donde el Sombrerero Loco y la Liebre de Marzo. Ella reclama: ‘Pero no quiero estar con gente loca’. El gato concluye: ‘Oh, no podrás evitarlo. Acá estamos todos locos’…..

Siempre lo he creído: ‘Alicia en el País de las Maravillas’ no es una historia para niños (¿Ostras parlanchinas devoradas por una morsa? ¿Flores movidas por la Envidia? ¿Sentencias de degollamiento anunciadas por una dictadora?). Es una narración de increíble complejidad que está en las antípodas de los cuentos de princesas encantadas o fábulas con enseñanza tipo ‘Pulgarcito’. ‘Alicia…’ lidia con el cuestionamiento de una persona que se pregunta si vale la pena convertirse un adulto, si reporta beneficios seguir las convenciones sociales. En una frase, si en una de esas es mejor perder la razón.

La versión que todos hemos asumido como definitiva es la de Disney (1951), a pesar de las simplificaciones y cambios que incluye respecto de la historia original de Lewis Carroll, quien carga con la leyenda negra de su supuesta condición de pedófilo que le narraba historias fantásticas a las niñas a su cuidado para mantenerlas cerca suyo.

En marzo de 2010, finalmente llegará una versión que podría opacar a la animada. Es difícil pensar en un director más apropiado que Tim Burton para llevar el cine este cuento. Da la sensación de que sólo estaba esperando que la tecnología alcanzara cierto nivel para llevar a la pantalla grande los diseños que tenía en su cabeza. Por el momento, los adelantos son para llorar de emoción y sí, para volverse loco. Si aún no lo ve, disfrute el trailer:

Beatiful Future

2009-07-25T20:45:00.009-07:00

No fue amor a primera vista: ha sido una pasión que se cocinó a fuego lento y, en la que a medida que pasan los días, más prendado me siento. En mi Top 10 personal de bandas hay nombres indiscutibles, artistas que son asignaturas obligatorias (Beatles, Led Zeppelin, The Clash, qué se shó). Pero hay otros: las obsesiones personales, los que uno siente suyos. Los que están atachados forever con imborrables historias propias. Los míos son tres: Red Hot Chili Peppers, Babasónicos y Primal Scream.

Fue en el ’97, entrando a la universidad y a Extravaganza!, que se inició mi devoción por los revolucionarios de Glasgow. En medio de eternas sesiones de escucha con los amigotes, me di cuenta que ese mix de rock Stone con electrónica desatada le había hecho algo a mi cerebro: lo expandió. Al año siguiente, cuando anunciaron visita, no lo podía creer. Hoy, por primera vez, voy a reconocer un secreto que oculté 11 años: Tito y Péle dijeron que no irían porque les parecía muy caro el precio. Yo fui igual a comprarme la entrada y, como que no quiere la cosa, le dije al vendedor, que me parecían muy caros los tickets. El me dijo: ‘¿Sabis qué? A mí me pasaron uno y no voy a ir. Te vendo el mío’. Finalmente, días después iría al concierto con un ticket 5 lucas más barato…..

Pero un día antes del show fue el de la gran anécdota. Era el lanzamiento del nuevo disco de Los Morton en la Discoteque Zoom, y yo estaba en la puerta, listo para entrar. De pronto, alguien dice que en el Hotel Carrera estaban los Primal Scream, quienes el día anterior habian ido al estadio. No lo pensé dos veces y partí para allá: sin mayores atados con los guardias, llegué hasta el bar del hotel y ahí estaban, junto a un reducido grupo de fans. De ellos, sólo reconocí a María José Viera Gallo, de la Zona de Contacto y su hermana Manuela, que ahora es artista.

Tímidamente me puse a conversar con un tipo que resultó ser el tour manager y me hablaba mucho del Valle de la Luna. Tras un rato, logré acercarme a la estrella: Bobby Gillespie. Le comenté que los precios estaban caros y él dijo que me iba a poner en una lista para que entrara gratis. Dado su estado, nunca pregunté por esa lista en la puerta de la Oz. Como hay una delgada línea de ridículo entre la genuina admiración y el groupie patético, antes de sentir que le estaba dando la lata, agarré una carta de tragos del hotel, la doblé y le pedí que me escribiera algo. Sé que no me creerán pero Bobby estuvo 5 minutos paralizado y mudo. Juntando las neuronas, supongo. Finalmente, lo que escribió fue:

“Girls with Braces on their Teeth, Girls with Calipers on their Legs are the Most Attractive Ones.

Buck Teeth and Twisted Legs = A Sick Soul that’s been Redeemed
The Church of Christ without Christ. My Daddy’s got Wise Blood” B.G.

De esa noche del 23 de abril en la Oz tengo muchos recuerdos, pero los más claros son la polera roja del ex guitarrista Robert Young (descalzo y fumando como chimenea), que era roja y decía ‘Who the Fuck is Mick Jagger’, y la furiosa interpetación final del ‘Kick Out the Jams’ de MC5. Recuerdo haber salido aturdido del lugar, como si hubiera recibido una descarga eléctrica.

Pasarían varios años antes de que hubiera un reencuentro. Fue el viernes 5 de noviembre del 2004 en Buenos Aires. Fiel a ellos, crucé la cordillera porque el SUE no los habia convocado. Viajé en el mismo avión que PJ Harvey, -que no quiso sacarse una foto conmigo-, tras haber visto la noche anterior en San Carlos de Apoquindo unos imborrables shows de Mars Volta y Morrissey. Esa jornada, en el Club Ciudad de Buenos Aires, ya había visto a Bebel Gilberto y me había repetido a Morrissey en un vip junto a Ale Sergi de Miranda! quien no podía parar de describir su emoción por ver a Moz.

Pero llegó el momento estelar. Primal se subieron al stage principal para presentar su flamante ‘Evil Heat’ (lamentablemente a la misma hora que Pet Shop Boys en otro escenario) y los rumores se confirmaron: los escoceses tocaron con Kevin Shields de My Bloody Valentine. Histórico. Esos 75 minutos se sintieron como si los Sex Pistols hubieran tenido una hija con Kraftwerk, y ésta hubiera sido violada por Iggy Pop. Particularmente shockeantes: ‘Rise’ y la enorme ‘Swastika Eyes’. Esa noche me junté en el backstage con Mani Mounfield y hablamos de fútbol, montañas y música. Un tipazo.

Y la última vez fue hace exactos tres años, en el festival Summercase, la naciente competencia de Benicassim. Ahí, en el Parc del Forum de Barcelona, ellos encabezaron la segunda jornada. Un día antes, en Madrid, Bobby había sido golpeado en un bar donde, al parecer, él mismo armó la rosca.

Ese 15 de julio fue el día irrepetible en que vi en la misma noche a Happy Mondays, New Order y Primal Scream. Todo Madchester de una sola vez. Tras un show memorable de New Order, corrí al otro escenario y me perdí ‘Blue Monday’ para ver como Dios manda a los piratas de Glasgow. Bobby dio una performance que enfureció a algunos y maravilló a otros: botó pedestales, se subió a los amplificadores, subió chicas al escenario sólo para besarlas y hasta amenazó con bajarse los pantalones. Todo esto, rodeado de hooligans con vaso de Guiness de un litro, la mejor compañía posible para ver a Primal Scream.

Este 28 de octubre en el Movistar Arena voy a tener la suerte de vivir un cuarto encuentro con Bobby, Mani y compañía. Esta vez, la excusa se llama ‘Beatiful Future’, aunque ellos ya no necesitan excusas para aparecerse por la casa: ya son como viejos amigos. Por lo mismo, esta vez sí que le voy a preguntar a Bobby qué diantres fue lo que me quiso decir con su escrito.

Allen Klein (1931-2009)

2009-07-24T07:37:00.005-07:00

Hubo un tiempo en que dentro de la industría de la música, el manejo de las lucas se convirtió en cosa seria, y nadie quería lidiar con cosas serias. Cuando los artistas que escuchaba sólo el público joven se tornaron en fenómeno de masas, el dinero entró como una variable determinante en la ecuación: más discos, más shows, más contratos, más personal, y mucha, muchísima más plata. Fue entonces cuando se hizo necesario, para bien o para mal, la presencia de un ‘tiburón’: Allen Klein.

En la cariacatura, el robusto Klein representa o mejor dicho, inaugura (junto a Don Arden) la figura del manager ‘piraña’, de actitudes gangsteriles, formas arrogantes e insistencia a toda prueba. Un zar de la letra chica que te deja claro que más vale que estés de su lado de la cancha. Es el mismo Klein que logra sacar de quicio al siempre cool Mick Jagger hasta que el bocón le dice: "Where is my fucking money?", o que es visto como un factor de división en el agrio periodo terminal de los Beatles.

Pero las cosas no son blancas o negras, y el arribo de Klein al fab four ocurrió en medio del caos tras la muerte de Brian Epstein y el despilfarro histórico de Apple. Lennon captó su agresividad y quiso integrarlo a su banda, pero Paul se opuso a perder control y siempre lo resistió, proponiendo a su suegro, Lee Eastman.

En sus comienzos, Klein trabajó para Bobby Darin, y se convirtió en manager de Sam Cooke, incidiendo incluso en sus decisiones artísticas. Fallecido el moreno, Allen Klein se fijó en el incipiente mercado inglés e intentó hacer un trato con los Beatles, sin lograr convencer a Brian Epstein. De todos modos, tras un viaje al Reino Unido obtuvo la chance de trabajar en las carreras de artistas como The Animals, Donovan y Dave Clark Five.

Sin embargo, su gran movida fue hacerse cargo de los negocios de los Rolling Stones en 1965, justo en el periodo en que "(I Can't Get No) Satisfaction" llevaba cuatro semanas al tope de los rankings. El estudiante de Economía Mick Jagger vio en el arribo de Klein la chance de convertirse en rivales serios de los Beatles, y tomar una parte de la enorme tajada de los de Liverpool. Ya como manager absoluto de los Stones, a Klein le tocó manejar crisis como las emboscadas de la policía a Jagger y Richards o la muerte de Brian Jones. La relación terminaría muy mal: tras finalizar su contrato formal, y molestos con varias triquiñuelas de Klein, los ingleses trataron de tener una salida limpia, pero no lo lograron.

Por décadas, el catálogo sesentero de los Stones fue controlado a nivel financiero por ABKCO, la compañía de Klein. Entre otras cosas, ello implicó que los Stones no pudieron usar esas canciones en discos en vivo hasta 1977; que Klein lanzó todos los compilados que se le ocurrió con ese material sin consultar a nadie, e incluso que sacó un disco de descartes de ese periodo Stone (‘Metamorphosis’), al mismo tiempo que los británicos lanzaban un recopilatorio ‘oficial’ (‘Made in the Shade’). Recién hace siete años las partes llegaron a un acuerdo y los Stones finalmente pudieron lanzar un Greatest Hits como Dios manda (‘Fourty Licks’).

Antes de que todo se pudriera, Jagger incluso le había recomendado los servicios de Klein a John Lennon, quien había conocido al hombre de negocios durante el registro del especial de TV, “Rolling Stones Rock'n'Roll Circus”. Tras la muerte de Epstein, Klein estaba absolutamente convencido de que sólo él podía manejar a los Beatles. Además, sabía que Apple era un desastre haciendo agua por todos lados. En enero del ’69, Lennon firmó un acuerdo para que Klein manejara sus dineros y lo mismo hicieron Ringo y George al mes siguiente. A pesar de ponerse para la foto, Paul nunca firmó ningún papel lo cual generó un nuevo foco de tensión.

Apenas entró en escena, Klein cortó toda entrega de efectivo a la boutique de Apple, sacó de sus acomodados puestos a históricos colaboradores como Neil Aspinall y Mal Evans y, lo más destacado, renegoció el contrato con EMI y Capitol, asegurándoles el más alto porcentaje de regalías para un artista hasta entonces: 25% por ventas en EE.UU. ¿La nota chilensis? Por sugerencia de Lennon, Klein adquirió los derechos de la película ‘El Topo’ de Alejandro Jodorowsky, y financió su siguiente obra, ‘La Montaña Sagrada’.

Curiosamente, fue de las oficinas de ABKCO de donde salió May Pang, la amante de Lennon durante su ‘Lost Weekend’. La estadounidense de padres asiáticos trabajaba como secretaria en la compañía y se le encomendó la misión de ayudar a John y Yoko a trasladarse a EE.UU., tal como ellos deseaban.

Al terminar su contrato con Klein, en 1973, John, Ringo y George decidieron no renovarlo; es más, sus intrigantes ‘técnicas’ dieron origen a canciones como ‘Beware of Darkness’ de Harrison, y ‘Steel and Glass’, de Lennon. Los ’70 estarían plagados de demandas para Klein: las autoridades gringas lo investigaron por dilatar la entrega de fondos a Unicef que se habían conseguido tras los históricos conciertos de Bangladesh. Además, fue condenado a dos años de cárcel por evasión de impuestos.

En las décadas que vinieron, Klein dejó el ojo público pero no abandonó del todo su rudeza cuando una situación lo involucraba. Y si no, que lo diga Richard Ashcroft de los Verve, que fue despojado de todo derecho de su canción ‘Bittersweet Symphony’, la cual incluía un pequeño sample del tema ‘The Last Time’, de los Rolling Stones. Ashcroft no sólo perdió todo derecho sobre el tema, sino que Klein usó la canción a su gusto en spots de marcas como Nike. El que nace chicharra…

Klein no es una figura luminosa ni evoca recuerdos gratos del rock and roll. Su presencia representa el momento en que el mundo de la música se convierte al show business y las estrellas se tornan empresas. El 04 de Julio pasado y a los 77 años, Allen Klein se unió al masivo círculo de personas ligadas a los Beatles que han dejado este mundo. Esta vez no hubo forma de negociar con el Alzheimer….

El Desastre de Benicassim

2009-07-23T14:03:00.006-07:00

Sin duda, es el mejor festival de España y está entre los 5 mejores de Europa. Es uno de mis más grandes recuerdos de los viajes que he podido hacer cuando estuve allá el 2006 y vi a Depeche Mode, Pixies, Strokes, Kooks, Pete Doherty, Ferdinand y Scissor Sisters, entre muchos otros. Este 2009, el megaevento creado por los hermanos Morán cumplía 15 años y la fiesta se venía en grande. Oasis, Kings of Leon, Ferdinand y los Killers aparecían en letras grandes en el cartel. Sin embargo, como nunca antes en su historia, el festival salió mal. Muy mal.

Todo partió con la accidentada presentación de Oasis en el Warm Up del jueves. Los Gallagher tuvieron dramas con los amplificadores y el sistema de monitores durante su set completo, con peaks de infortunio en el comienzo de ‘Champagne Supernova’ y en especial, en una ‘Wonderwall’ que debió ser abortada, con salida del escenario de Liam incluída. En el blog de los ingleses, el show fue descrito como “una pérdida de tiempo”.

Al día siguiente, el de la supuesta redención, llegó el apocalipsis. Mientras el ex – The Jam, Paul Weller, tocaba en el escenario Verde (el principal), unas violentas ráfagas de viento comenzaron a amenazar las estructuras de luces y pantallas del principal stage del FIB. Al mismo tiempo, en la carretera adyacente al sitio del festival se declaró un incendio y a los pocos minutos, las espesas columnas de humo negro se hiceron visibles al público, generando pánico y desconcierto. Finalmente, la producción resolvió que Weller cerrara su set tras una escuálida media hora.

Los equipos de emergencia lograron controlar el incendio, pero el vendaval ya estaba declarado: la pantalla gigante de la zona de descanso anunció el estado de emergencia en los campamentos del festival, y a eso de la medianoche se confirmó la cancelación total del programa. NO Kings of Leon. NO Maximo Park. NO The Horrors. Pésimo. “Todo salió volando y la gente se desmadró y empezó a robar lo que podía”, contaba una vendedora describiendo el caos del viernes. Esa noche, mucha gente que acamparía en los alrededores debió ser reubicada en varios gimnasios de Castellón.

En las primeras horas del sábado, las malas noticias no pararon. Acusando una supuesta ‘enfermedad’, Lily Allen se bajó del evento y sólo la buena voluntad y disponibilidad de agenda de los Máximo Park permitió que al menos se encontrara un rápido reemplazante. Mientras tanto, miles de ‘fíbers’ trataban de rescatar sus carpas y efectos personales, donde quiera que el viento se los hubiera llevado. ¿La guinda de la torta? Un tipo diagnosticado con gripe porcina había recibido expresas instrucciones de no volver al festival; sin embargo el domingo por la mañana se escapó del hospital para alcanzar a ver a The Killers, generando alerta en las autoridades sanitarias.

Hasta acá podemos hablar de hechos fortuitos, de mala cueva. Pero, tal como consigna una columna de opinión en el diario El País, hay quienes sostienen que la producción no estuvo a la altura para coordinar el aumento en 10 mil personas de la población flotante para este año. Cito: “Los accesos están totalmente saturados, porque se mantiene una única entrada para todos, lo cual es de locos, con lo que hay que esperar casi una hora de cola para cambiar la pulsera y, encima, el jefe de prensa del festival dijo que el vendaval no era para tanto y que mejor eso que el calor del jueves”….

Los festivales de música alcanzaron un peak de demanda de público, y ello hizo necesaria la consiguiente profesionalización. Ya no suena idílico estar en Glastonbury, Coachella o Reading/Leeds. Pero el exceso de competencia y la crisis económica mundial han dejado heridos. Lollapalooza hizo packs de oferta, la competencia del FIB, Summercase, cerró sus puertas por el 2009 y se pensó que Benicassim lo tenía todo para campeonar. No fue así.

Ya sea por obra del clima o del destino, es un hecho: este no fue el año del festival ‘X’ o ‘Y’: el 2009 fue el año de Faith No More y Blur. Ah, y de Michael Jackson, claro. Pero esa es otra historia.

The Greatest

2009-07-22T09:44:00.006-07:00

En un mundo perfecto, Bob Dylan sería presidente, los Babasónicos harían clases en la universidad y todos tendríamos las llaves para entrar al mundo de Catpower. Muy de vez en cuando, la de Atlanta baja de su nube y nos lleva de paseo por sus cuerdas vocales. Si tienes suerte, tal vez hasta te sonría.

La jornada del martes 21 de julio no sólo será recordada como la del debut de Chan Marshall en Chile: yo la recordaré como la noche en que no hubo aplauso que bajara a Catpower del escenario; en la que el público local la hizo sentir como raras veces le ocurre: cómoda frente a la gente.

21:25 horas. Leve retraso, público ultralais, notorios vacíos en el sector de Cancha. Luces que se van y la Delta Dirty Blues Band que arriba. Como es su costumbre, Chan no respeta ninguna convención: en lugar de dejar que salgan primero sus músicos y le hagan una intro que acentúe su magnética presencia, ella aparece de inmediato como una más de la pandilla. Como un fantasma. Abre con ‘Don’t Explain’.

Chan nos está olfateando. Chequea nuestras reacciones, mira si podemos ser amigos al menos por un rato. Aún no confía por lo que, de momento, se remite a lanzar sus llamaradas desde un rincón. En todo caso, no debería sentirse indefensa: los cuatro mosqueteros a su lado ya desplegaron la red para que ella pueda saltar al vacío. Chan lo reconoce y tras el alza de decibeles en ‘Dreams’, ella misma los aplaude.

El bajo robusto de Erik Paparazzi dicta los pasos de ‘Woman Left Lonely’ y la guapa hasta se atreve con unos tímidos pasitos de baile. Chan luce un chalequito bien perno, lo cual la hacer ver aún más mina. El tema suena pegadito con ‘Silver Stallion’, en el que el tecladista Gregg Foreman apoya en coros a la frontwoman. Los matices no se detienen y en ‘Makin’ Believe’ el bajista se instala frente al vibráfono. Al final, la lolita queda tan plena con el resultado que amaga un silbido y luego ocurre: Chan ríe. Gracias a esa armonía, la ‘Lost Someone’ de James Brown suena gloriosa y henchida de soul.

Los aires country en ‘Lord Help the Poor & Needy’ (con solo de pandero de Foreman) dan paso al primer peak de la noche. ‘Fortunate Son’ de los Creedence suena enorme: angustiada, torturada, y con un crescendo final derechamente épico. Es en ‘Metal Heart’ cuando Chan comienza lentamente a bajar la guardia y se acerca a la primera fila, dejando ver ese rictus rígido que uno nunca sabe si acusa malos hábitos o entrega interpretativa.

Lo que viene es una triada imparable. ‘Sea of Love’ suena más aterciopelada que de costumbre (lo que ya es mucho) y permite que le brindemos la atención que se merece a la Telecaster de Judah Bauer. El ex – Jon Spencer le brinda a Chan todo tipo de soporte con su slide para que la morena deslice su dotado registro. Y si eso no era suficiente, de la nada nos cae ‘The Greatest’. Sólo tres palabras: vi a Dios.

La gata no deja que el groove decaiga y sin descanso se manda con ‘Lived in Bars’. Tal vez sea por el acelerado final o porque ella ya entró en calor, pero por fin Chan se despoja de su chaleco, y curiosamente se lo va a dejar al tipo de la consola, cual guardarropía. Los covers no paran y en ‘Blue’ de Joni Mitchell, la banda de apoyo termina con una letanía que emula al ‘Great Gig in the Sky’ de Pink Floyd.

‘She’s Got to You’ suena como preludio ideal para otro gran momento. Esa carta de amor a Dylan que es ‘Song to Bobby’ le permite a Catpower volar alto. No sólo regala sonrisas y se pasea de punta a punta, sino que además le cambia la letra al track y en lugar de ‘South Carolina’ y ‘New York’, su adoración se traslada a ‘Santiago’. Lo del ‘Muchas Gracias’ en español al final es sólo un bonus track que confirma el romance.

Durante el bloque final, Chan está desatada. Su corbatita se agita de lado a lado, desliza sugerentes miradas con el teclista Foreman y descansa en los elegantes redobles del avezado Jim White (Dirty Three), el verdadero pegamento que hace que este ensamble funcione como relojito. ‘Satisfaction’ de los Stones suena gratamente irreconocible y ni hablar de la perversidad que le imprime al ‘Dark End of the Street’ de Dolly Parton.

‘Ramblin’ Woman’ es como un suspiro, pero regala una postal imborrable: la gata aullando ‘I Love Youuuuuuu’ con el micrófono de lado en completo trance, olvidándose por un rato de la audiencia que la mira embobada. Para el cierre del set, ‘Angelitos Negros’ pone caras de extrañeza entre la gente que se pregunta si realmente está cantando en español. Sí, lo está. El track incluído en la versión de lujo de ‘Jukebox’ y grabado, -obvio-, por Los Angeles Negros, es una mezcla entre tango, bolero y hasta un toque de zarzuela con los guitarrazos de Bauer. ¿O estoy muy loco?

Chan sale del escenario. Las apuestas se inclinan por su despedida definitiva. Largos cinco minutos de oscuridad soportan mi teoría; sin embargo, la guapa regresa. El tema que suena ahora es particularmente lento y sólo Tito logró descifrar que estamos escuchando ‘House of the Rising Sun’ en una versión extra-lenta. ‘The Moon’, el groove imparable de ‘Do Ya Do Ya’ y los aires orientales de ‘I Don’t Blame You’ cierran un set redondito. Eso sí, no nos regaló 'New York, New York' a pesar de que aparecía en el setlist. Cuec.

En medio del tema final, Catpower quiere mostrarnos lo feliz que está. No le pasa muy seguido, así que hay que aprovechar. Por lo mismo, saca un ramo de rosas rojas y las reparte entre el público; acto seguido, hace lo propio con un puñado de setlists autografiados que arruga y lanza como bolitas ante los extasiados fans. Presenta a sus músicos uno a uno hasta que el tecladista anuncia: ‘From Atlanta, Georgia, Chan Marshall!!” Ella sólo atina a decir ‘Thank You for having me Here. It’s a real honor.” Y luego, se inclina y hace un gesto como el del ‘Matador’ Salas. En el frágil mundo de Catpower, un gesto así es la gloria. La Gloria.

Setlist: Don't Explain / Dreams / Woman Left Lonely / Silver Stallion / Makin' Believe / Lost Someone / Lord Help the Poor & Needy / Fortunate Son / Metal Heart / Sea of Love / The Greatest / Lived in Bars / Blue / She's Got to You / Song to Bobby / Satisfaction / Dark End of the Street / Ramblin' Woman / Angelitos Negros // House of the Rising Sun / The Moon / Do Ya Do Ya / I Don't Blame You

Los Dinosaurios

2009-07-21T10:15:00.002-07:00

En un solo día, tres históricos se ponen en la primera plana. Nobleza obliga, partamos con los Beastie Boys. Con todo listo para lanzar su flamante ‘Hot Sauce Committee’ y agenda confirmada en varios festivales como All Points West y Lollapalooza, el anuncio cayó como balde de agua fría: Adam Yauch, -Aka MCA-, tiene cáncer en la glándula parótida. Al parecer, tiene muy buen pronóstico, pero obligó al trío a cancelar y/o retrasar todos sus planes. Mala cosa.

Un poco antes, tras numerosas especulaciones, Gustavo Cerati libera el primer corte de su quinto largo solista, ‘Fuerza Natural’. No la tendrá fácil el ex – Soda: ‘Ahí Vamos’ se convirtió en el LP más exitoso de su carrera y viene del suceso que fue el tour de reunión con Zeta y Charly.

Sin embargo, Cerati está acostumbrado a la presión y para hacerle el quite, se fue a grabar a Nueva York junto a músicos como Byron Isaacs en guitarra lap steel (Elvis Costello, Ryan Adams), Sterling Campbell en batería (ex Duran Duran y colaborador de Bowie y B-52’s), y el tecladista argentino Didi Gutman, quien estuvo en Chile el 2005 con su propio proyecto, Brazilian Girls. Estos aportes se suman a los de la banda formal de Cerati, que mantiene a los sólidos Fresco, Nalé y Samalea.

Gustavo lanza el disco el 01 de septiembre, con 50 años recién cumplidos, y dicen por ahí que viene bastante pop, con influencias de la reciente escucha de E.L.O., Fleetwood Mac y Todd Rundgren, entre otros. Ojo que en noviembre lo tendremos por acá. Por el momento, podemos escuchar la aún insípida ‘Deja Vu’.

Y last but not least, finalmente volvió Pearl Jam. Para ser franco, no me tragué eso del ‘gran regreso’ con el disco de la palta; para mí, fue un lanzamiento igual de prescindible que toda la última década de los de Seattle. En todo caso, es muy difícil tratar de competir con una triada insuperable como lo fue la de ‘Ten’, ‘Vs’ y ‘Vitalogy’. Al menos esta vez volvió Brendan O Brien a las perillas, después de 10 años de ausencia.

¿Será esta la vencida? El 20 de septiembre lo sabremos, cuando aparezca ‘Backspacer’, su primer trabajo lejos de Sony Music. Mientras, tenemos que contentarnos con ‘The Fixer’, cuya urgencia y estructura pop regalan esperanza a raudales de que por fin esto no huela a autoplagio. Amén.

PD: Ah, Mika también estrenó single nuevo. Se llama ‘We are Golden’ y no está nada mal. Digo yo.

King of Cool

2009-07-20T15:33:00.002-07:00

Nos quedamos con cuello. Todos los que esperábamos un nuevo disco de los Strokes antes de fin de año, nos salió un enorme ‘Siga Participando’. Sin embargo, ocurrió por las mejores razones posibles: Julian Casablancas tiene listo su primer disco solista.

El líder desaliñado, el hijo de Elite, el que compone todo en la banda (aunque nadie sabe o no le interesa), el mismo que en Chile vistió chaqueta militar y chapita con la leyenda ‘Let’s Dance’. El último de la banda en hacer carrera en paralelo, tras los discos de Albert Hammond Jr. (‘Yours to Keep’, y ‘Como Te Llama’) o los proyectos de Nikolai Fraiture (Nickel Eye) y Fab Moretti (Little Joy). Dejamos afuera a Nick Valensi, quien tiene suficiente pega con sus gemelas y su guapa mujer, Amanda De Cadenet, la ex de John Taylor de Duran Duran.

En estos dos años con los Strokes en el congelador, Julian no ha perdido el tiempo: hizo ‘My Drive Thru’ con Santigold para la campaña de Converse, cantó en el maravilloso disco de Sparklehorse con Danger Mouse (‘Little Girl’), pero lo más importante llega ahora. Se llama ‘Phrazes for the Young’ y son ocho canciones que poco tienen que ver con el retro rock del quinteto de Manhattan. El único adelanto existente llega en formato de trailer de cine. Is this it?

Esto es una Ciencia

2009-07-10T16:06:00.006-07:00

Antes, mucho antes de que se hiciera un cliché la vida licenciosa, detalles decadentes y final abrupto de varios músicos, estuvo Joe Meek.

De su trabajo como operador de radar de la Royal Air Force saltó a grabar discos. Siempre obsesionado con la electrónica y el espacio exterior, no se explica de otra forma el sonido marciano que le sacó a ‘Telstar’, el hit de The Tornados que creó en 1962 y que se convirtió en el primer single de un grupo inglés en llegar al número 1 en los EE.UU. Otro de sus tópicos favoritos era el mundo de lo oculto: el productor tenía la firme convicción de que su mejor trabajo estaba influido por “espíritus del otro lado”; por lo mismo, iba con grabadoras al cementerio para capturar voces de ultratumba y tenía una obsesión con extintos músicos como Buddy Holly y otros.

Ese carácter de vanguardia lo perdería rápidamente gracias a una sola frase: “Epstein tiene a este grupito del Merseybeat. Son una basura”. Lo decía respecto de su desechada chance de trabajar con unos emergentes The Beatles. Esa decisión marcaría sus patéticos últimos años. Adicto a las anfetaminas, no volvió a acercarse al suceso de ‘Telstar’ y vivía en paranoia a causa de su condición gay, ilegal por entonces en el Reino Unido.

En enero de 1967, la policía inglesa descubrió una bolsa con el cuerpo mutilado de un prostituto al que se asociaba con Joe Meek. Eso implicaba que tarde o temprano, las autoridades llegarían a él. El productor le pidió prestada una escopeta a Heinz Burt, -ex bajista alemán de The Tornados y posterior solista-, quien se había convertido en su amante.

Dos meses después, en el aniversario de la muerte de Buddy Holly, Joe Meek tenía la música a alto volumen, como era habitual. La encargada del edificio, Violet Shenton, lo reprendió por eso y por lo meses de arriendo que debía. La respuesta de Meek fue tomar el arma, que escondía bajo la cama, y asesinar a la mujer. Luego, la giró hacia sí mismo y apretó el gatillo.

Hay bastante para descubrir cuando se indaga en la vida de Meek. Una buena introducción puede ser el trailer de este biopic. Aquí está. Disfrute!

Los Viejos Más Vivos

2009-07-05T22:46:00.003-07:00

La muerte de Michael Jackson es un nuevo precedente de globalización e inmediatez. En cosa de minutos, todo el mundo civilizado supo que un ídolo había partido y llegaron las vigilias por TV, el desfile de expertos, la exposición de múltiples y descabelladas teorías, y el regreso de una sensación que siempre vuelve: en cualquier momento y en cualquier lugar, a todos nos tocará. Si le pasó a Jacko, le puede pasar a cualquiera.

MJ es una figura convocante: desde Vivi Kreutzberger hasta Matías del Río, -y hasta yo mismo-, tuvimos que hablar en la tele de sus logros, traumas y errores. Con justa razón y como pocas veces en la era del people meter, la tele se volcó a hablar de un músico. Quizás, con un nivel de intensidad que no vuelva a ocurrir. Fue eso mismo lo que me puso a pensar en qué músico podría generar una intensidad tal a la hora de despedirse.

Hay muchísimos criterios para revisar. Si es por edad, B.B. King (83), Chuck Berry (82) y Fats Domino (81) llevan la delantera: los morenos fundadores del blues y el rock siguen en plena forma y aún mantienen sus agendas bastante ocupadas con shows. También dentro de la tercera edad, pero a nivel industria, hay unas cuantas leyendas: el productor histórico de los Beatles, George Martin (83); el fundador de Motown, Berry Gordy (79, quien se habría imaginado que sería Gordy quien mandaría una carta de condolencias por Jackson y no al revés!!); la leyenda de las disqueras Columbia y Arista, Clive Davis (77) o el fundador de Island Records, Chris Blackwell (72), quien le mostró al mundo lo que era la música jamaicana y gracias eso supimos del reggae, el ska, el rocksteady, el dub y el trip hop.

Ahora, si nos fijamos en los que han llegado a mal traer a la tercera edad por exceso de carrete, podemos considerar a la verdadera protagonista de ‘Cadillac Records’, Etta James (70); al genio del funk (que no soltó la pipa de crack mientras estuvo por acá), George Clinton (68); a los Rolling Stones más drogadictos: Keith Richards (65) y Charlie Watts (que se hace el loco detrás de los parches pero en los ’80, la heroína le pegó mal) (68) y last but not least, uno que se va a morir tras las rejas: el creador del ‘Wall of Sound’, Phil Spector (68).

Hablamos de la edad, que es una variable concreta, pero otra cosa es si consideramos su nivel de influencia para futuras generaciones. A mi muy personal modo de ver yo destacaría aca a cinco músicos muy diferentes: Bob Dylan (68, leyenda viva hace 40 años); Eric Clapton (64, ex - adicto a todo lo imaginable); el ‘camaleón’, David Bowie (62); el dotado del soul, Stevie Wonder (59) y claro, la Reina del Pop, Madonna (50). En el caso de Madonna, se reúnen dos condiciones que la hacen un caso ultra “convocante”: influencia y una masividad a toda prueba. En esa última lógica hay dos jovencitas que pudieron partir pronto y si así fuera, conseguirían tantas portadas como Jacko: Britney Spears (27) y Amy Winehouse (25).

También hay duplas imborrables en bandas clásicas con caídos en combate, y ellos siguen al pie del cañón: Robert Plant (60) y Jimmy Page (65) de Led Zeppelin; los The Who que quedan, Roger Daltrey (65) y Pete Townsend (64); los ‘Toxic Twins’ de Aerosmith, Steven Tyler (61) y Joe Perry (58); los enemistados de Pink Floyd, Roger Waters (65) y David Gilmour (63); los tatas de Kiss, Paul Stanley (57) y Gene Simmons (59) y los fundadores de Queen, Brian May (61) y Roger Taylor (59).

Hay para todos los gustos y cuesta imaginar quien podría generar un ruido mediático que se acerque al de Michael Jackson, pero si es cosa de armar un ranking, yo me lanzo con el mío. Estos son, según yo, los músicos vivos más importantes y que más echaremos de menos cuando ya no estén. Por favor, siéntase libre de agregar los suyos:

1 Paul McCartney
2 Mick Jagger
3 Madonna
4 Bob Dylan
5 David Bowie
6 Eric Clapton
7 Stevie Wonder
8 Brian Wilson
9 Prince
10 Bono
11 Aretha Franklin
12 Roger Waters
13 Pete Townsend
14 Elton John
15 Morrissey
16 Peter Gabriel
17 Lou Reed
18 Chuck Berry
19 Axl Rose
20 Iggy Pop

Lindo

2009-07-02T15:20:00.002-07:00

Lo de Liniers era un secreto entre los dos. Cuando la Martina me contó que el argentino vendría a Chile, se nos iluminó la cara: por fin nos encontraríamos cara a cara con el tipo que tantas veces nos hizo sonreir de forma silenciosa y cómplice con esos dibujos kamikaze.

Pocas veces se puede decir de verdad que un dibujante ha creado un mundo propio. Y la palabra en la calle dice que Liniers es el nuevo Quino, o el Quino del Siglo XXI, gracias a esa mezcla de ternura y humor con toques de hardcore, cuando la ocasión lo amerita. Es difícil no amar a cada uno de sus personajes: los Pinguinos, la aguda Enriqueta, Olga, el gato Fellini, el Señor que cambia los nombres de las Películas, Picasso, el Hombre Misterioso, los Duendes, él mismo Liniers dibujado como conejo, y tantos otros.

Por eso, ese lunes 22 de junio yo tenía un nervio rico que no sentía hace mucho. Después de años de saltarme filas y de credenciales all access, volvía ser un fan común y silvestre al encuentro de su ídolo. Llegué a la librería Catalonia las 16:30, media hora antes de que partiera la anunciada firma de dos horas, y la Martina llegó al ratito. Ahí supimos que en lugar de autógrafos, él haría un dibujito a cada persona. Wow! Fue ahí también que nos dimos cuenta de que el ‘secreto’ era compartido por muchísimos más de los que nos podíamos imaginar.

Pero no contábamos con algo obvio: la librería le dio prioridad a quienes habían comprado sus ‘Macanudo’ ahí mismo y los que íbamos con nuestros propios libros tendríamos que esperar un buen rato. Puede parecer ridículo pero es cierto: ha sido una de las esperas más bonitas que me ha tocado. La mayoría de los presentes respetó el acuerdo, todos estaban ultra ansiosos y comentaban qué dibujo pedirían.

Daba la extraña y única sensación de que efectivamente los fans de Liniers comparten una sensibilidad en común, y, como la tira comica, hicieron todo lo posible por hacerle grata la espera a los demás en la fila que seguía engrosándose sin parar (más tarde supimos que Liniers firmó libros por 7 horas, hasta las 12 de la noche. La fila llegaba hasta la Costanera).

Fue recién a las 20:30 horas que logramos subir al Olimpo y ser recibidos por el maestro, luego de que lo autorizara Ramón, el locatario. La Martina le regaló a Liniers una de las chapitas que mandó a hacer con sus personajes y le pidió que le dibujara una Olga, el celeste amigo imaginario. Por mi parte, le pedí un pingüino y él lo dibujó con un pájaro en la cabeza. Le dijimos que iríamos a verlo a su show con Kevin Johansen y él nos prometió que se abstendría de cantar.

No creo que hayamos estado más de 5 minutos con él. Pero la sonrisa de oreja a oreja que la Martina y yo teníamos no se nos borró hasta el otro día. Y todo por un dibujito. O por querer formar parte de otro mundo. Qué lindo.

(Si no conoces a Liniers, aquí hay algo de su trabajo)

Yo No Sé Nada del Mundo

2009-06-30T10:03:00.008-07:00

Vértigo. Se dice que muchos iban en los ‘70 a ver a Bob Dylan para escucharlo decir ‘algo’, para ser testigos del momento en que asumiera de una vez su rol de ‘voz de una generación’. Para observarlo declamar como nadie lo había hecho antes las fragilidades del sistema y la necesidad de repensar el paradigma.
Pero el Viejo Zorro Bob nunca se la dio fácil a nadie, y hasta nuestros días, jamás asumió ese papel. A otro perro con ese hueso.

Hoy, varios Kurt Cobain después, nadie está muy interesado en ser ‘la voz de los sin voz’. Y en Chile es igual: Alvaro Henríquez, el más importante compositor de canciones de este país, no está dispuesto a representar a nadie más que a sí mismo. En esa misma lógica, parecía que el sábado 20 de junio, Alex Andwandter diría algo importante. Pero no.

Seamos concretos: Teleradio Donoso es la banda nueva más importante de Chile. Tienen versatilidad, talento interpretativo, control total de su carrera, y lo esencial: canciones más grandes que el Templo Votivo de Maipú. Faltaba la presencia escénica y con su segundo disco, lo consiguieron: Alex se sacó los lentes de Rivers Cuomo, dejó el lugar estático en el piano para estar más cerca del público y se propuso mover las caderas de sus fans sin necesidad de blin blin.

Esa noche, la ocasión no podía ser mejor para tomar la posta. El Teatro Oriente estaba a tope y se anunciaba el concierto más producido en la breve historia de TRD. A las 22:30 se apagaron las luces y las penumbras se extendieron por más tiempo del esperado. La sucesión de teclas dio paso a la voz de Alex quien emergió desde el fondo del teatro y caminó entre el público hasta llegar al escenario. De rojo total (igual que Patton en el Download!), el frontman se mandó una ‘Granada’ lacrimógena, extendiendo hasta el infinito eso de ‘Lloraaa Bailandooo ….volaaar’. Eso sí, en medio de una estrofa se produjo un curioso muteo de los instrumentos. Mmm.

(‘Quiero decirte que no tengo nada que Decir’) Pegadita llega ‘En un Momento’. La veterana del debut ‘Gran Santiago’ extiende el bloque intimista y saca-suspiros. Alex se calzó la guitarra: a su derecha, Nacho Aedo de Adrian Igual confirma que fue la mejor elección posible para el bajo mientras a su izquierda, Martín Del Real, de camisa azul eléctrico, asume con distancia zen su rol de lugarteniente de Andwandter.

El vocalista se asincera. Saluda a la gente, pregunta cómo estamos, y dice: ‘teníamos todo preparado y ensayado, y en el primer tema se fue todo a la mierda’. Su honestidad brutal es contraproducente: si bien se notó algo anormal en la partida, muchos creyeron que era parte del show y además, la gente ya está entregada. Alex simplemente no puede con su condición de control freak. En rigor, la frase no es para el público: es para sí mismo.

(‘Yo Siempre Fui de Ideas Fijas’) A los aires country de ‘Un Día Fui a Pasear y no Volví’, le sigue la poderosa ‘Máquinas’. Con pelo new wave y la acústica entre sus manos, Andwandter consigue el primer karaoke masivo de la noche. El set de lentos acaba con la AOR ‘Sed de Mal’, una joyita pop que permite el lucimiento de la batería de Juan Pablo Wasaff y el piano de Marcos Meza.

Breve Alto. Alex se arroja en un sillón. Unos beats agudos golpean el ambiente e irrumpe ella. Fran Valenzuela luce rutilante con un largo vestido negro y flor en el pelo. Es ella quien toma la voz principal en una remozada ‘Pitica’ (Alex se incorpora después), que reemplaza el frenesí del riff garage por el dance ochentero. Es uno de los peaks de la noche.

('Los Hombres estamos Rotos en Mil Pedazos') Los latidos bajan, pero no tanto. El midtempo ‘Eres mi Persona Favorita’ da la transición a otro par de lentos (la extensa ‘Gran Santiago’ y ‘Cuando Salga el Sol vas a ser un Recuerdo’). La idea parece ser agotarlos todos antes de convertir esto en una pista de baile. Dicho y hecho: sin previo anuncio, el pianito a lo The Clash anuncia ‘2, 3, 4, 5, 6’, pero lo que no podíamos anticipar es la irrupción de Gepe a la primera voz. Daniel Riveros es tan fan de Jorge Gonzalez como Alex, por lo que se apropia de la canción y la interpreta hasta con falsetes y onomatopeyas.

Durante esta parte del show no hay descanso. Los tracks se suceden sin interrupciones, como un solo largo track. La suite incluye ‘Bailar y Llorar’, ‘Cama de Clavos’ y ‘Eramos Todos Felices’. Pura fiesta. Por cierto, a estas alturas ya estamos todos parados. Incluso a algunos les comen los pies por subirse arriba de las butacas. Este es el plus que hace de TRD una banda separada del pelotón: la intención. Propósito, búsqueda, objetivo, resolución. Parece arte, pero es matemáticas.

('Tú Ya No me Hablas, No me Sirves Donde Estés') Los chicos salen de escena después de haber montado la mejor discoteque posible. Al regreso, los desgarros vuelven con ‘Yo no sé Nada del Mundo’ y mi regalona, ‘Las Niñas de la Cuadra’. Es en este momento cuando Alex parece asumir su rol y toma la palabra: “no soy muy de mensajes. Pero creo que anda una onda muy negativa, de criticar en internet, de decir cualquier cosa. Y yo creo que hay que hacer cosas, hay que ser positivos. Sí, eso. Ser positivos”. That’s it. No era mi idea de mensaje del compositor más dotado de la escena emergente. Pero bueh, cuando el hombre canta y toca, es un astro. Y si a alguien le quedaba una duda, ahí está ‘Amar en el Campo’.

Parece que es el fin, pero no. Hay una salida final, y como ya es habitual, Alex homenajea a una de sus inspiraciones, la más clara del último tiempo: suena ‘Purple Rain’ de Prince. El cierre llega con ‘Un Día te Vas’, como buscando una progresiva baja de pulsaciones que permita bajarnos plácidamente del carrusel. Siempre esperamos que alguien nos diga lo que tenemos que hacer. Alex Andwandter sabe de sus penas y de cómo exorcizarlas. Pero no le pregunten nada más. No le interesa. En el fondo, tiene razón.

Michael Jackson (1958-2009)

2009-06-26T00:33:00.005-07:00

La pregunta es una sola: ¿Dónde estabas cuando murió Michael Jackson? Yo me estaba duchando y al salir del baño, vi un par de llamadas perdidas. Ya había leído que Jacko estaba grave, pero uno piensa que alguien como él sale parado de todas. A las 18 horas y 27 minutos del jueves 25 de junio de 2009 se confirmó mi craso error. El Rey del Pop liberó su trono.

Para una persona que se crió musicalmente en los ’80 como yo, MJ empieza y termina en sí mismo: no compite, no tiene iguales, no necesita alcanzar a nadie. Es un Dios sin edad, sexo, raza ni tiempo. Sin embargo, sabemos, el único que opinaba lo contrario era el propio Michael.

La realidad de su infancia fue una mierda y por eso decidió vivir en un mundo inventado: uno con montañas rusas, zoológicos, algodón de dulce y rodeado de los únicos que sentía como sus pares: los cabros chicos. Complejo de Peter Pan, le decían. Tristemente, él se tomó esa atracción demasiado literal y todos sabemos en que terminó la historia. Sin embargo, con Jacko soy obsecuente. Esa area de su vida no se toca acá.

Lo que en verdad me impacta es que creemos conocer a Jackson por las interminables horas viendo sus fundacionales videos y especulando con sus miles de millones de mitos. Pero no. Lo cierto es que we don’t know shit. Todos los periodistas que tuvieron acceso a MJ coinciden en describir a un tipo patológicamente tímido, desconfiado, silencioso, respetuoso, y distante. Una persona que parecía no estar presente. Un ente con escasas características de ser humano. Un tipo siempre incómodo entre adultos. Entonces, ¿en qué circunstancias aparecía esta bestia sin igual sobre el escenario? En rigor, nunca lo sabremos.

Yo entiendo a los grandes artistas como personajes misteriosos cuyas motivaciones nunca están del todo claras. Con Jackson fue así de principio a fin. Desde su color de piel a su predilección por el Hombre Elefante; desde su intensa atracción por Elizabeth Taylor a su relación maternal con Diana Ross, pasando por su boda inexplicable con Lisa Marie Presley; desde su chimpancé ‘Bubbles’ a sus siestas en una cámara hiperbárica. Y podemos seguir por horas. Con todos estos antecedentes, ¿alguien creía que Jacko tendría una muerte normal?

¿Por qué Michael Jackson está a la altura de Lennon, Elvis y Sinatra? Veamos:

**Porque estiró a niveles imposibles las posibilidades interpretativas de su registro. Escucha ‘Dirty Diana’ y trata de que no se te paren los pelos; trata de acercarte mínimamente al agudo de ‘Who Is It’; pone el primer redoble de ‘Rock with You’ e intenta no mover la pata.

**Porque no sólo era un excepcional bailarín. Jacko INVENTÓ pasos que llevan su nombre.

**Porque encarnó la transición del hit radial Motown al pop de estadios en los 80, aprovechándose de la plataforma de MTV, abriendo de paso y para siempre el camino para que los artistas negros salieran a cualquiera hora en la tele.

**Porque fue el primero en darse cuenta de que el videoclip podía ser una foma de arte y para ello trabajó con los mejores realizadores (John Landis, Martin Scorsese, Herb Ritts y miles más)

**Porque sin ayuda, él solito compuso joyas atemporales como ‘Don’t Stop ‘Til You Get Enough’, ‘Beat it’, ‘Billie Jean’, ‘Bad’, ‘The Way You Make me Feel’, ‘Dirty Diana’, ‘Smooth Criminal’, ‘Black or White’ y la gloriosa ‘Who Is It’.

**Porque, a pesar de su colosal talento compositivo, le abrió la puerta del estudio a colaboradores que no hicieron más que expandir al infinito su universo musical. Quincy Jones, Paul McCartney, Rod Temperton de Heathwave (responsable por ‘Thriller’, ‘Rock with You’ y varias más), Eddie Van Halen, Teddy Riley, Slash y el fallecido Jeff Porcaro de Toto fueron algunos de los elegidos.

Para los analíticos, la partida de MJ es lo que faltaba para matar la era ‘mega’: la de los artistas megavendedores, de los megaconciertos con megaproducciones, y también, de los megaartistas. Con la muerte de Jackson se extinguió esa casta de gladiadores inalcanzables, con cascadas de fuegos artificiales a sus espaldas, que hacían sonar cada parte de su cuerpo y llegaban a la última octava mientras desafiaban la ley de gravedad. ¿A quién le vamos a pedir eso? ¿A Justin Timberlake?

¿Y yo? Como todos los pendejos ochenteros, me recagué de miedo con ‘Thriller’ (literalmente, tuve hasta pesadillas), traté de entender de qué se trataba ‘Billie Jean’ (hace poco lo supe), lo amé en el clip de ‘Say, Say, Say’ con el gran Paul y por supuesto, intenté hacer el pasito al revés. Sin éxito, por cierto.

En 1992, por primera vez puse un Compact Disc en mi repisa. Desde Australia me llegó ‘Dangerous’ de regalo y comencé la colección de CD’s que hoy amenaza la estabilidad de mi departamento. El de Jacko fue mi primer disco y con MJ como protagonista viví también una de mis primeras decepciones musicales al año siguiente: sí, yo fui uno de los miles que tenía entrada para Andes ese jueves 21 de octubre, día en que, agarrado a la reja externa del Estadio Nacional, se confirmó la noticia de la cancelación del show a eso de las 5 de la tarde.

Como me pasó con los Beatles, Los Prisioneros, Soda Stereo o Madonna, Michael Jackson apareció muy temprano en mi vida. Sus canciones me inspiraron a dedicarme al periodismo musical. Por eso, hoy es un día de duelo. No puedo evitar hacer un paralelo muy, pero muy personal: hace 2 meses perdimos a la menor de las Arratia Montalva y hoy perdemos al menor de los Jackson. Heavy. Quien se lo hubiera imaginado. Perdón por el asqueroso cliché, pero la dura que la realidad supera la ficción. Largamente.

Comparto un ranking de hits de Jacko. La raja si alguien quiere comentar los suyos.

Top 25 Michael Jackson

25 Black or White
24 She Drives me Wild
23 In the Closet
22 I Just Can't Stop Loving You
21 Wanna Be Startin’ Something
20 Smooth Criminal
19 Human Nature
18 Leave me Alone
17 Man in the Mirror
16 Scream
15 Off the Wall
14 Thriller
13 Bad
12 Can You Feel it? (con The Jacksons)
11 Ben
10 Don’t Stop ‘Til You Get Enough
9 Say, Say, Say (con Paul McCartney)
8 Beat it
7 The Way You Make me Feel
6 The Girl is Mine (con Paul McCartney)
5 Dirty Diana
4 ABC (con Jackson 5)
3 Rock With You
2 Who is it
1 Billie Jean

Y tú, ¿Dónde estabas cuando murió Michael Jackson?

A-LU-CI-NAN-TE

2009-06-19T00:22:00.005-07:00

Habrá que aprender a jugar el jueguito.....

Hat Trick

2009-06-15T14:44:00.002-07:00

Por estos días tengo muchas cosas en mi cabeza. Ademas, mis tiempos están dictados por los próceres del rock chileno y su disponibilidad para conversar con ellos. Todo, con el único objetivo de reunir las 65 entrevistas que le darán un carácter serio a nuestro gran proyecto. Ya vamos casi en 40, y seguimos sumando.

Por eso mismo, la regularidad no ha podido ser una virtud en el último periodo de este blog. De hecho, me salté el review del show de los Café Tacuba el pasado viernes 05 de junio. Lo único que puedo decir al respecto es que está todo bien con los 20 años de los Tacubos, pero 3 horas de show es un número que se me hace cada vez más cuesta arriba. Los cuates se dieron todos los lujos que quisieron y armaron un set con el que disfrutaron más ellos mismos que la audiencia. De fiesta, poco.

Pero este fin de semana no podía ser pasado por alto. Hubo varios shows y por lo tanto, mucho para comentar. A saber:

XIMENA SARIÑANA (viernes 12 junio, Teatro Normandie)
Después de Julietas, Natalias y hasta Franciscas, la tiene difícil la novia de Omar Rodríguez (Mars Volta) para convencernos de lo original de su propuesta. Y no es por falta de talento, ¿eh? Ximena tiene un registro dotado, un encanto que no se compra en la esquina (en especial cuando explica sus creaciones) y cree a ciegas en su música.

El problema es que este rollo de la niña-mujer llena de desventuras amorosas y dilemas adolescentes suena y se ve como algo muchas veces visto. Cuesta encontrar diferencias: Ximena incluso habla a la velocidad del rayo, tal como Julieta. Quizás en la formación jazzera de su banda y los arrestos progresivos sobre el final del show pueda haber algo. Pero no alcanza.

(**No nos extenderemos acá sobre el carrete con los Kooks y sus infinitas ganas de carretear hasta morir. What Happens in Cienfuegos, stays in Cienfuegos…..)

THE KOOKS (sábado 13 junio, Teatro Caupolicán, 21 horas)
Qué grata sorpresa. Tras el insípido show que les vi el 2006 en Benicassim, se nota que los chicos han crecido. A las puertas de grabar un tercer CD, el cuarteto de Brighton repasó con oficio y concisión sus dos placas. Eso sí, la sorpresa principal fue la convocatoria: cerca de 4 mil personas llegaron y la cancha se veia a full.

Luke Pritchard puede ser un pastel a la hora de beber, pero en escena es un vocalista sólido que asume con naturalidad su protagonismo y luce sus agudos en vivo tan bien como en estudio. Eso sí, se anduvo mosqueando cuando le falló el ampli durante ‘Do You Wanna’. También resaltó la importancia que adquiere el guitarrista Hugh Harris quien no sólo afila las seis cuerdas sino además es el apoyo vocal permanente de Luke. El grupo incluso se sintió en confianza para tocar un par de inéditos, aunque se les vio más bien parcos a la hora de comunicarse con el público. Sólo hicieron el jueguito de la bandera chilena. Economía de recursos, dicen.

Setlist: Always Where I Need To Be / Matchbox / Eddie's Gun / Ooh La / Sway / Time Awaits / One Last Time / She moves in her own way / Mr. Maker / Do you wanna / Naive / Rainbow / Down to the Market / Shine On / See The World / You Don't Love Me // Watching the Ships Roll In / Princess Of My mind / Stormy Weather / Sofa Song

COMO ASESINAR A FELIPES (sábado 13 junio, Bar Amanda, 01:15 horas)
Pocas cosas son tan bonitas en la música como conocer a una banda desde sus comienzos y asistir a su crecimiento: de ellos en su performance, y de su público en calidad y cantidad. Fue lo que me tocó ver con los CAF en el Amanda; minutos antes de salir a escena, estaba lleno de gente comiendo sentada en mesas sin saber lo que se les vendría. ‘Somos los que vinimos a arruinarles la noche’, dijo Koala y dejó clarita la declaración de principios.

En el comienzo, sólo una tímida y selecta audiencia se dejó llevar y los escépticos eran mayoría. Pero es el costo que hay que asumir para no tocar para los mismos por siempre. Con el correr de los beats orgánicos, la convocatoria creció: algunos se pararon de sus mesas, otros se acercaron al escenario y un cuarteto de minas hasta armó una coreografía con uno de los tracks del combo hip hop/jazz.

A la altura de ‘En el Jardín’, Fernanda Arrau y yo tuvimos que movernos para adelante porque la gente que llegaba no nos dejaba ver. Excelente indicio. Más encima, cuando los músicos se fueron, el público pidió otra y tuvieron que hacer una nueva salida. Así se hace, cabros!

A todo esto, ¿irá a tocar Brett Anderson esta semana? Al menos tenemos a Teleradio Donoso el finde.

Introduce Yourself

2009-06-12T16:23:00.009-07:00

FAITH NO MORE, DOWNLOAD FESTIVAL, VIERNES 12 DE JUNIO

Reunited (Peaches and Herb cover)

The Real Thing

From Out Of Nowhere

Land Of Sunshine

Caffeine

Evidence

Chinese Arithmetic (con 'Pokerface' de Lady Gaga)

Surprise! You're Dead!

Easy (Commodores cover)

Last Cup Of Sorrow

Midlife Crisis

Introduce Yourself

The Gentle Art Of Making Enemies

Take this Bottle

Ashes to Ashes

Malpractice

Cuckoo for Caca

Be Aggressive

Epic

Mark Bowen

BIS:

Stripsearch

We Care a Lot

Nos vemos el 30 de Octubre!!

Apuntes Autistas

2009-06-02T23:43:00.003-07:00

Lo sé: ha sido mucho tiempo; de hecho, ha sido el periodo más largo sin palabras ni imágenes en este blog. Es raro darle explicaciones a algo invisible, pero cuando se transforman en personas con rostro que te preguntan qué onda con tu blog, te sientes extrañamente responsable.

Sólo puedo decir que ha sido un año, a lo menos raro. Salir de la radio se vio como un proceso natural, hasta necesario quizás. Había que volver a mirarse por dentro y encontrar el porqué uno hace las cosas y se levanta en la mañana. Si me preguntan a mí, ha sido un proceso muy saludable y que muchas más personas deberían vivir.

Y en eso estaba cuando se murió Andrea, mi tía regalona, lo más parecido a un rockstar que ha habido en mi familia. Ahí fue cuando las cosas se oscurecieron: cuesta encontrarle la lógica a construir palabras cuando ella se ha ido tan trágicamente para no volver. Han sido necesarios casi dos meses para buscarle un sentido a tal absurdo.

Y creo que lo encontré. Una foto grande de Andrea es la que me acompaña día y noche en la gran utopía que emprendí: convertir mi tesis en un libro. Mi partner de ese proyecto, Fernando, propuso concretar una idea que siempre estuvo en el aire y con Tito nos miramos y asentimos. Siempre nos pareció que en esa pega había mucho más que sacarse un cacho de la universidad. Por lo mismo, con la ayuda divina de Andrea, a fines de este año deberíamos tener listo un primer borrador de la Historia de la Música Popular en Chile durante los irrepetibles 90’s. ¿Qué tal?

En estas semanas sin escribir, igual han pasado algunas cosas y me gustaría dejar un mínimo testimonio de ellas. A saber:

**VINO OASIS (05 mayo, Movistar Arena). Los Gallagher cada vez regresan más simpáticos: dieron todos los autógrafos que les pidieron, tocaron en el bar del Hotel Hyatt y en escena, Liam aplaudió varias veces al público y hasta nos dijo ‘you’ve been fuckin’ amazing’. ¿Destacadas? La incombustible ‘Cigarretes and Alcohol’, la delicada ‘Songbird’, la tensa ‘Ain’t Got Nothin’ y en especial, el lisérgico final con ‘I Am the Walrus’.

Sólo for the Record, dejo el setlist: Fuckin´ In The Bushes / Rock ´n´ Roll Star / Lyla / The Shock Of The Lightning / Cigarettes & Alcohol / The Meaning Of Soul / To Be Where There´s Life / Waiting For The Rapture / The Masterplan / Songbird / Slide Away / Morning Glory / Ain´t Got Nothin´ /The Importance Of Being Idle / I´m Outta Time / Wonderwall / Supersonic / Don´t Look Back In Anger / Falling Down / Champagne Supernova / I Am The Walrus

**DUELO EN WILCO. Había estado tranquila la cosa con los finados musicales, pero el domingo 24 de mayo se prendieron las alertas: Jay Bennett de Wilco se nos fue a los 45 años. El gordo no pasaba desapercibido en absoluto: su figura gruesa, sus dreadlocks, su tabaquismo insistente y en particular, su capacidad para ser el pain in the ass de Jeff Tweedy lo hicieron visible. Fue el único que le hizo contrapeso compositivo a Tweedy y estuvo en los mejores trabajos de la banda: ‘Summer Teeth’ y ‘Yankee Hotel Foxtrot’. Su expulsión del grupo, tras grabar esta última placa, fue algo que, -intuyo-, nunca pudo superar del todo. Bennett guardaba un dolor del alma. Tweedy la tendrá dura para competir con el mito que nace. Aunque, ojo, dicen por ahí que lo nuevo de Wilco es una joya.

**¿Idea Mía o el año musical ha estado MUY fome? El single de Depeche está bastante bien, pero el resto de la placa no le hace el peso; John Frusciante confirmó su autismo con ‘The Empyrean; Green Day acaba de lanzar más de lo mismo y a nadie parece importarle. De lo nuevo, Empire of the Sun, Passion Pit y Bat for Lashes están OK, pero no poseen la explosión que tuvieron las irrupciones de M.I.A. o MGMT, por nombrar dos ejemplos recientes. Curiosamente, en ese río revuelto el ganador ha sido un viejo zorro: cuando nadie lo esperaba, Bob Dylan lanzó ‘Together Through Life’, una colección de blues y rockabilly pasados a copete, noches de juerga y añoranza sureña. El single ‘Beyond Here Lies Nothin’ es lo que me ha llevado a viajar más lejos en lo que va del año.

**GEORGE CLINTON PASÓ POR CHILE (26 mayo, Industria Cultural). El sólo hecho de que un señor de 68 años esté dispuesto a subirse a un escenario con un tipo con pañales ya es digno de alabanza. El genio funk trajo su circo a Santiago con todos los ingredientes: sobrestock de guitarristas, disfraces estrafalarios, coristas muy sexys (Kim Manning….uf) y un recital de casi 3 horas que pudo terminar muy mal tras la llegada de los pacos a requisar el copete. ¿Conclusiones? 1) Si el show duraba la mitad, era glorioso; 2) Bien por el paco que atinó a no cancelar la tocata porque ahí si que ardía Troya. Un paco con criterio merece que su nombre se mencione: Capitán Luis Rozas. Ah! 3) Industria Cultural NO es un lugar para hacer sonar bandas. Es una bodega.

**A veces, muchas veces, uno se pregunta para qué escribir todas estas cosas, para qué dejar registro. ¿A quién le estoy escribiendo? ¿A alguien le importa, aparte de mí y mis cercanos? ¿Hasta cuándo con la música? ¿Haré las cosas tan bien como creo que las hago? Por eso, gracias a Andrés Panes a quien conocí ayer en lo de Sello Azul: sin conocernos en persona, me saludó y preguntó por este botado blog. A veces las cosas sí tienen sentido.

Andrea Arratia Montalva (1973-2009)

2009-04-28T21:09:00.006-07:00

Andrea, nadie podrá llenar el vacío que has dejado.

¿Are you Havin’ a Good Time?

2009-04-12T22:15:00.002-07:00

El truco era ingenioso pero ni en sus mejores sueños Stanley y Simmons pudieron imaginar que 35 años después, el público continuaría gozándolo. Kiss llegó por tercera vez a Chile como gran cierre del soñado Pepsi Fest; en esta ocasión, el show acusaba una condición única: en 1994 llegaron a cara limpia y con Black Sabbath, y en 1997 tocaron junto a Pantera (que dieron un show impactante) y se presentaron con los disminuidos Ace Frehley y Peter Criss. Esta vez, con músicos en su mejor forma y sin teloneros, los cara pintada podían hacer historia.

Eso sí, la llegada fue caótica. Era el debut del Estadio Bicentenario de La Florida como lugar para conciertos y estuvimos cerca de vivir en carne propia la película ‘Detroit Rock City’, esa misma en que un grupo de fans de Kiss tiene mil trabas para llegar a ver a sus ídolos. Las vías de acceso al recinto estaban super obstruídas y no nos ayudaba en absoluto que fueran las 7 de la tarde de un viernes.

Ya en el estadio, la sobrecarga de estímulos fue vertiginosa. El giganteso telón con el clásico logo que ocultaba la pirotecnia cayó pasadas las 21:30 horas tras ‘Won’t Get Fooled Again’ de The Who. Segundos antes, en cancha Vip, vi salir de su camarín a los músicos ya caracterizados en sus personajes. La partida con ‘Deuce’ es de antología: el volumen es peligrosamente alto, las lenguas de fuego literalmente queman mi cara y las explosiones de petardos me van a infartar en cualquier momento. Es como si estuviéramos celebrando el mejor Año Nuevo ever.

Gene Simmons, el ‘Demonio’, encabeza la misa negra. Es el quien alterna funciones entre cantar la canción y, más importante, sacar su mosntruosa lengua y mostrársela a todo el que quiera ver. Luego, ‘Strutter’ prolonga el éxtasis y reúne en el centro de la escena a Simmons, Stanley y el ‘Spaceman’, Tommy Thayer, tocando sus instrumentos en coordinación perfecta. Tras el tema, Paul Stanley asume la vocería y anuncia que ‘tonight’s the night’, le manda saludos a la ‘Kiss Army’ de Chile y, cual papá moderno, dice que comprende nuestros sentimientos.

Con el comienzo de ‘Got to Choose’, queda claro que este será el mismo setlist que los neoyorquinos mostraron en Europa durante el 2008. El ‘Starchild’ saca su veta popular y hace cantar al público partido en dos, cual animador del barrio Suecia. Por su parte, en ‘Hotter than Hell’, Simmons alza sus alas de cuero tipo vampiro y pide palmas en el espectacular solo de Tommy Thayer. El track acaba con uno de los más legendarios trucos del cuarteto: el ‘demonio’ escupiendo fuego.

Tras piropear a una chica (‘Hola, guapa’), Stanley anuncia una canción de ‘Kiss Alive’. En realidad no sale originalmente ahí (es de su CD debut, ‘Kiss’), pero ‘Nothin’ to Lose’ da paso a una sucesión de varias canciones del legendario disco en vivo en el mismo orden de esa placa: ‘C’mon and Love Me’, ‘Parasite’ (más rápida y metalera, con Stanley arrodillado), ‘She’ (con extraordinario solo de Tommy Thayer que al final detona tres explosiones con su guitarra, mientras Simmons anuncia ‘We want to comeback. You’re family, Chile’), ‘Watching You’ y ‘100.000 Years’ (por fin vemos al ‘Gato’ Eric Singer luciéndose mientras su batería es elevada a varios metros del suelo). A Stanley sólo se le escucha una frase entre tema y tema: ‘¿Are You Havin’ a Good Time?’.

El ‘Starchild’ toma su guitarra y, como un adolescente cualquiera, juguetea con los acordes de ‘Stairway to Heaven’ para dar paso a ‘Black Diamond’, que tiene en la voz principal al batero, Eric Singer. La última de la tanda es ‘Rock and Roll All Nite’ y si ya dijimos que esto parecía Año Nuevo, ahora parece que está tocando el mismísimo Tommy Rey (como dijo mi amigo Seba): al fuego y las explosiones, se suma una lluvia interminable de papelitos que tapan todo el estadio. Qué postal.

Tras breves minutos de oscuridad, la vuelta es con una curiosa situación: el cuarteto usa el lleno total del estadio como telón de fondo para grabar un spot anunciando el venidero tour por EEUU. Lo que resta del show son sólo himnos, y partimos con ‘Shout it Out Loud’ que gana el premio a la mayor explosión de la noche: aquí sólo queda cantar a todo pulmón. Le sigue ‘Lick it Up', la única representante de su periodo a rostro descubierto.

Llega el momento estelar de Gene Simmons: el ‘diablo’ toma su bajo con forma de hacha y vomita sangre. Luego, es alzado por los aires y desde el nivel más alto de la estructura interpreta ‘I Love it Loud’. Luego, sus compañeros regresan a escena para una gloriosa ‘I Was Made for Loving You’ con esos beats disco que la convirtieron en leyenda.

Para el final, Stanley toma un cable y apoyado de un pedestal, cruza por los aires toda la cancha hasta llegar a la torre de sonido ubicada en el centro del estadio. Desde ahí, el cantante de Kiss interpeta ‘Love Gun’ ante una impactada audiencia. El cierre llega con ‘Detroit Rock City’ sonando en grande y con una cantidad de fuegos artificiales suficientes como para hacer un mes de Año Nuevo en la Torre Entel. Inolvidable.

Los inconformistas de siempre dirán que faltaron ‘I Want You’, ‘Beth’ o ‘Crazy Nights’. Después de lo que vi, da lo mismo. Al borde de cumplir 60 años, Simmons y Stanley se niegan a dejar de testear a diario su impacto. Ya no es por plata (aunque es un factor importante): es sólo por buscar si persiste una certeza: ‘¿Are you Havin’ a Good Time?’

Setlist: Deuce / Strutter / Got To Choose / Hotter Than Hell / Nothin To Lose / C’mon And Love Me / Parasite / She / Watching You / 100.000 Years / Cold Gin / Let Me Go Rock'n'Roll / Black Diamond / Rock And Roll All Nite / Shout It Out Loud / Lick It Up / I Love It Loud / I Was Made For Lovin You / Love Gun / Detroit Rock City

Gonzalo Olave (1983-2009)

2009-04-07T13:00:00.003-07:00

Sincronías. Siempre había recordado cuando Fuguet escribió en la Zona de Contacto sobre la vez en que escuchaba un CD de Nirvana en un auto y al poner la radio nuevamente, salió la información de su muerte. Exactos quince años después, me tocó el turno a mí: el sábado 04 de abril, algo sin razón hizo que no saliera a carretear y al no tener cable, lo mejor que había eran ‘Mis Años Grossos’. Vi los tres capítulos al hilo y al terminar el tercero, actualizo Emol y ahí estaba la noticia. El tipo que recién me había hecho reir estaba muerto.

Segunda Sincronía: Gonzalo Olave falleció a tres cuadras de la casa de mis papás, en una bocacalle por la que he pasado 50 millones de veces, sobre todo cuando era chico e iba a buscar a mi amigo Rodrigo para jugar a la pelota.

Aquí no se trata de elevar el status de alguien sólo por su partida, ni de hacer más filosofía de la necesaria. Es simplemente un desahogo por el absurdo de la situación: un cabro joven, lleno de proyectos, pintoso y con talento, muerto en estúpidas circunstancias. ¿Alguien pensó en Heath Ledger? Guardando toda proporción posible, yo sí.

Quedan los sentimientos y las anécdotas. Como la de mi hermana: ella es diseñadora de vestuario y siendo estudiante, tuvo que organizar su primer desfile hace unos cuantos años. Algunos alumnos de actuación, elegidos por sorteo, serían los encargados de modelar los diseños. A mi hermana le tocó Gonzalo Olave. Después, incluso, se fueron juntos en la micro.

Descansa en paz, Gonzalo. Nunca habían sido tan necesarias esas palabras. A mí mismo me cuesta encontrar paz, equilibrio y resignación con una situación tan injusta. Una verdadera mierda.

Come on Feel the Noise

2009-04-06T22:32:00.002-07:00

El ruido comenzó el sábado, pasado el mediodía. Pocos se enteraron y eso le dio más mística al show experimental que la mitad de Sonic Youth ofreció bajo el nombre de Tall Sirs en Matucana 100. Lee Ranaldo, el canoso con cara de niño bueno, colgó una guitarra del techo, y la tocó con arcos de violín, baquetas, como instrumento de percusión y de cualquier forma que no fuera la convencional. La distorsión era el lenguaje.

Luego subiría el resto de la pandilla: dos chicos que jugaron con máquinas, un roadie igualito a Michael Cera de ‘Supercool’ y el baterista de los héroes neoyorquinos, Steve Shelley. Durante unos 45 minutos fui testigo de cómo se le pueden sacar sonidos imposibles a una guitarra en una ceremonia que tuvo más de rito tribal que de concierto de rock, con gran parte del público extasiado sentado en el suelo de la sala de teatro. Tras esa experiencia única, Ranaldo y Shelley firmaron discos y se sacaron todas las fotos que les pidieron.

Domingo, 21:20 horas: Chile ya le ganó a Perú y ya pasaron los espantosos Betty Boy por el escenario. Qué insulto a la trayectoria de Sonic Youth. Hay nervio: la semana es histórica y puede terminar aún mejor. Tras la oscuridad, uno a uno emergen los cincuentones legendarios que, en conversas informales, anunciaron un show de grandes éxitos. La promesa se cumple: ‘Teenage Riot’ es la primera de la noche y los fans de primera fila no lo pueden creer. ‘Spirit Desire’ susurra como un gato la eterna teen Kim Gordon, que luce una minifalda azul y transparencias que me recuerdan lo que sentí la primera vez que vi un video suyo.

Thurston Moore toma la voz y por los siguientes ocho minutos la anestesia comienza a correr por nuestras venas. El track que vio la luz hace 20 años en ‘Daydream Nation’ acaba en un caos de bulla y distorsión en el que Moore le acerca su guitarra al público y luego la choca con la de Ranaldo. Peak instantáneo.

La muy pop ‘Bull in the Heather’ le sigue y ahora el sobreexcitado soy yo. La canción me trae de regreso a Trabajos de Verano ’95 en Loncomahuida. Qué raro como actúan los recuerdos. Los neoyorquinos están en escena apoyados por el ex bajista de Pavement, Mark Ibold. Obviamente ese dato lo supe después, pero durante todo el show me pareció cara conocida.

Moore dice ‘Hola, Santiago’ y aúlla: ‘Incinerate’, un track más reciente. Y como para que nadie dude de la democracia en esta banda, Lee Ranaldo toma la voz para ‘Hey Joni’, que da paso a una seguidilla de temas de ‘Daydream Nation’, la obra que han interpretado completita en tours recientes. Kim Gordon canta ‘The Sprawl’ con el apoyo de Ranaldo tocando su guitarra con un arco de violín. Es la moda, parece. ‘Cross the Breeze’ cierra la triada y Thurston Moore se sale del libreto: ‘OK, Chile. Numbrer One”.

Momento de Clásicos: ‘Schizophrenia’ derrite las paredes del Arena con texturas gruesas, ásperas y pesadas. Es un sonido que no existía y desde ‘Sister’ en adelante lo tuvimos entre nosotros. Luego, la banda se siente en confianza y se juega por estrenar un track del venidero ‘The Eternal’. La escogida se llama ‘Calming the Snake’ y confirma la voluntad del grupo por orientarse más hacia el formato canción. Tras ese regalo, Moore lleva al límite las posibilidades de distorsión de su guitarra y tras un microsegundo, todos cachamos lo que viene: es ‘100%’, que llena de desbordante emoción al público; el hit que dio a conocer a Sonic Youth a la gran masa (me incluyo), provoca el mayor pogo de la noche

Tras la tormenta, algo de calma. Kim Gordon toma el micrófono y comienza a bailar y mover los brazos como cabra chica en ‘Jams Run Free’; después en ‘Mote’, su pareja, Thurston Moore, asume el protagonismo y desliza su guitarra por cuanto amplificador encuentra y luego se baja del escenario, acercándose peligrosamente a la audiencia. Los gringos vuelven a impactar con ‘Kool Thing’, ese hitazo que suena igual de afilado y peligroso que en 1990. La banda sale de escena tras ‘Pink Steam’ y los presentes nos quedamos mirando como diciendo “valió la pena esperar 15 años”.

El primero en regresar es el eficiente Steve Shelley. Abren el bis con ‘The Burning Spear’, la primera canción de su primer EP, grabado hace casi 30 años. Moore y Ranaldo se baten a duelo por quién machaca más su guitarra con un par de baquetas, en medio de un redoble infernal de Shelley.

Ahora Kim presenta al quinto Sonic Youth (otro más, luego de la efímera presencia de Jim O Rourke) y anuncia “una nueva canción que aún no está en un disco. Eso depende de ustedes”. Más tarde me enteraría que el tema se llama ‘Sacred Trickster’. ‘Silver Rocket’ cierra la tanda y confirma que el disco regalón de la noche se llama ‘Daydream Nation’. Antes de irse, Moore dice simplemente "Thanks" y la rubia inmortal esboza un "Buenas Noches".

Parecía que el lindo sueño acababa, pero hay un segundo regreso. De vuelta a escena, Kim dice “esta es una de las primeras canciones que grabamos y se llama “Shaking Hell". El track, como toda la noche, se complementa perfecto con las imágenes de apoyo: viejos programas de TV, retazos de antiguos clips de la banda y más imaginería kitsch. Pura nostalgia noventera. Esta vez, Moore se instala al lado de Ranaldo y asume el bajo, dejando a su chica al centro, guitarra en mano

El final del show llega con la eterna ‘Expressway to Yr Skull’. La canción es igual a la banda: de trazo libre y formas expansivas. Son casi nueve minutos de chirridos armónicos que le dan un sentido circular a un concierto que partió de modo similar. Ahora sí, se van. El caos nunca había sonado así de hermoso en Chile. Qué semana, Dios mío.

Setlist: Teenage Riot / Bull In The Heather / Incinerate / Hey Joni / The Sprawl / Cross The Breeze / Schizophrenia / Calming the Snake / 100% / Jams Run Free / Mote / Kool Thing / Pink Steam / The Burning Spear / Sacred Trickster / Silver Rocket / Shaking Hell / Expressway to Yr Skull

No me Olvides

2009-03-31T12:29:00.004-07:00

El contexto no era el más óptimo. Las piernas desgastadas, la capacidad de asombro puesta a prueba (tras Peter Gabriel, Patton, Cornell y dos noches de Radiohead) y la condición de ‘artistas del recuerdo’ de los números a presenciar, hacían de la noche ochentera del Pepsi Fest una total incógnita.

La primera sorpresa fue que Blondie se encargara de abrir los fuegos. Pensaba en ella como el artista más influyente y con mayor repertorio de la jornada; sin embargo, la mandaron al frente de inmediato. Debbie Harry apareció con un sobrio vestido blanco y negro, tratando de mostrarse sugerente aún a sus 63 años. ‘Hangin’ on a Telephone’ arremetió con intensidad punk, pero la mesa de sonido aún estaba calibrando niveles y la voz de Harry casi no se escuchó.

Cinco músicos cubrían la espalda de la rubia; entre ellos, los fundadores Chris Stein (pareja de Debbie Harry) y el baterista Clem Burke. La banda quiso dejar en claro que, a pesar de su innegable talento para el pop, tienen un origen mucho más callejero. Ahí estaba el logo del CBGB en la batería para atestiguarlo. Tras ‘Will Anything Happen’, la gloriosa ‘Atomic’ prendió al púbico gracias a ese bajo saltarín y la entrega de Harry que suple con tremenda actitud su registro resquebrajado por el tiempo.

La banda cubrió la mitad del show con temas menos difundidos como ‘Two Times Blue’, ‘The Hardest Part’ y ‘Fade Away’, que llegó con dedicatoria especial a una fan. Un poco de romance ((I’m Always Touched by Your) Presence, Dear’) y algo de presencia Ramonera (‘I’m Gonna Love You Too) dieron paso al bloque estelar que llegó con la bella ‘Dreaming’, tema que cerró con una reverencia de Debbie Harry. Luego, ‘María’ provocó el primer karaoke masivo de la noche.

Harry amaga con irse, pero los músicos no se mueven y dan paso a una excelente versión de ‘Call Me’, esa sólida creación de Giorgio Moroder. Sobre el final, Debbie pide en español que ‘la llamen’ (igual que en la versión original) y hace señas como si tuviera un teléfono en su mano. Lo que viene es puro calado: la cadenciosa ‘The Tide is High’, una extraña versión de ‘Rapture’ (con Harry cambiando el tempo de su interpretación y rapeando como si fuera 1979) y pegadita, una soberbia versión de ‘One Way or Another’. En el cierre, ‘Heart of Glass’ provoca el delirio a pesar de que la ex rubia olvida un par de estrofas del tema.

Blondie dice adios y 35 minutos después, María Laura Donoso (¿?) presenta a Rick Astley. Todos los comentarios aludían a su show como el punto bajo de la noche y se preguntaban de dónde sacaría repertorio para completar una hora de show. Qué errados estábamos: el inglés entró golpeando con ‘Together Forever’ prendiendo a todo el Arena. Cinco músicos y dos coristas se subieron con el galán que apareció de polera, pantalón y camisa negra, además de pelo corto con su clásico jopo y un rostro que por ningún lado evidencia sus 43 años.

Tras la romántica ‘The Love has Gone’, el astro saluda a sus fans y comienza a hacer su stand up comedy: “ustedes, las chicas, están bien después de 20 años; los hombres, esa es otra historia.” Desde la cancha, Astley recibe una flor y dice: “Este es el timing perfecto, porque lo que viene ahora es muy romántico’ y se manda una balada llamada ‘When I Fall in Love’. Tras otro par de temas, se siente en la necesidad de explicar su set: “No puedo cantar muchas canciones rápidas seguidas. Tengo 43 años, que no es tan viejo, pero igual”.

Tras ‘Hold me in Your Arms’ y ‘The Ones You Love’ (en la que muestra que también tiene conciencia social), llega un momento muy esperado: ‘Cry for Help’, prueba concreta de lo intacta que mantiene su garganta el británico. La versión es perfecta y deja prendido al crooner para ofrecer ‘un poco de Motown’, y mandarse con ‘Ain’t Too Proud to Beg’ el estándar de los míticos Temptations.

Lo que viene es memorable: una mujer le lanza un voluminoso sostén al escenario y él pide que la suban a escena. La mujer asciende y no se lo puede creer: el propio Rick le pide que cante ‘My Heart is Missing You’ y ella, lejos de achuncharse, la entona muy afinada. Astley le hace masaje y ella aprovecha para correrle mano. La delirante escena termina con un beso y las carcajadas del recinto completo.

Para el cierre, Astley hace mover las caderas con una excitante ‘Whenever you Need Somebody’. Tras una breve pausa, el cantante vuelve solo con guitarra acústica y entona ‘Never Gonna Give You Up’ con un mini guiño a ‘I Should be so Lucky’ de Kylie, otro de los hits de Stock, Aitken y Waterman. Pero no nos podemos ir sin escucharla como correponde y es el cierre preciso: el hit ochentero convierte al Arena en una discoteque y despide a Astley como ídolo. Quién lo hubiera dicho. Son las cosas que pasan cuando uno es capaz de reirse de sí mismo.

Cuando las piernas ya comienzan a flaquear y hay ganas de escuchar un set bien arriba, A Ha lee todo al revés y llenan su presentación de midtempos que permiten lucir la intachable voz de Morten Harket, pero no mueven a un público con ánimo de fiesta. Recién al tercer tema, ‘Cry Wolf’ consigue el objetivo en parte.

Sobre el escenario, el grupo se para con el tecladista Magne Furuholmen a la izquierda y haciendo de vocero; Harket al centro, recibiendo todos los alaridos femeninos y a la derecha, el flaco guitarrista Paul Waaktaar-Savoy, el genio silencioso y responsable por TODOS los hits del grupo. Completan la escena dos tecladistas adicionales al fondo del stage.

Definitivamente será un set que priorizará la sutileza por sobre la energía. Guitarra acústica mediante, el trío olvida el sonido sintetizado por un rato y ‘Hunting High And Low’ derrite a la audiencia. Los noruegos suman dos tracks más a su mini unplugged y llama la atención la mínima comunicación del frontman con la gente, casi una caricatura de la frialdad nórdica.

Eso sí, con canciones como ‘Crying in the Rain’, no hay mucho que criticar. Para el bis, el trío agradece el apoyo incondicional y se mandan la mamona ‘The Sun Always Shines On TV’. Como ya es obvio con cual deberían cerrar, me pregunto qué debería sonar ahora: ¿la sexy ‘Move to Memphis’? ¿la bailable ‘Touchy’? ¿la clásica ‘Early Morning? Ninguna de las anteriores: el grupo opta por ‘Analogue’, tema que da nombre a su último CD de estudio. Como toda la noche, una impopular decisión.

Sólo ‘Take on Me’ y su tecladito invencible parecen aminorar en algo la desazón. Pero el daño ya está hecho: A Ha hizo su set pensando en sí mismos y no en la audiencia. Es un error que ya sería grave en cualquier concierto, pero en un evento que vende nostalgia es aún peor. Chicos, no necesitan probar nada: ya sabemos que son buenos. Tómenselo con humor. Y si no saben cómo hacerlo, pregúntenle a Rick Astley.

Meeting People is Easy

2009-03-30T17:41:00.003-07:00

La curiosidad me mata. Qué ganas de saber qué sentían y/o pensaban esas 28 mil personas cuando los beats abstractos y asimétricos de '15 Step’ estremecieron la Pista Atlética. Saber qué imágenes, recuerdos, amores, tristezas y personas evocó el arribo de Thom Yorke a un escenario en Chile. Tratar de imaginar las historias personales que llevaron a toda esa gente a coincidir en una de las muestras más lúcidas de que la búsqueda de la belleza sigue teniendo sentido.

A eso de las 18 horas, los chilenos de Casino hicieron un digno papel con un set de 7 temas. Y 90 minutos después, Kraftwerk dieron señales de dónde están los intereses del quinteto de Oxford por estos días. A bordo de sus laptops, los germanos mostraron una versión compacta del recordado show del 2004 en el Víctor Jara, pero esta vez les jugó en contra el recinto: en un lugar tan grande y abierto, sus visuales sofisticadas y electrónica minimalista pareció sólo acelerar la ansiedad por el plato fuerte.

Los británicos fueron puntuales. El track inaugural del perfecto ‘In Rainbows’ enardeció a los presentes aunque las reaciones fueron bipolares: muchos aullaban, gritaban y saltaban; otros, inmóviles, se resistían a creer que morirían con un show de Radiohead en el cuerpo. Con cinco minutos no alcanza para salir del asombro, y antes de ese lapso llega ‘Airbag’, un combo al mentón. Sí: una canción de ‘OK Computer’ está sonando en vivo en mi comuna. Yorke se calza la guitarra y Johnny Greenwood va a los teclados.

De inmediato, la banda desnudó el impactante aparataje visual que trae consigo este tour. Por una parte, las cámaras robóticas que se esconden por cada rincón del stage, mostrando en las pantallas gigantes todo detalle posible del grupo en vivo, sugiriendo mecánica paranoia. Y por otro lado, el diseño de luces creado, -estudio de impacto ambiental mediante-, para construir las atmósferas de cada uno de los temas, incluso con colores predominantes. En ‘Airbag’ manda el morado.

(‘Buenas Noches, Crazy’) Tras el saludo de Thom Yorke, Ed y Johnny asumen las percusiones adicionales en ‘There There’. El larguirucho Ed O’Brien además se destapa como segunda voz, rol que ejercerá con propiedad durante largos pasajes de la noche; en tanto, Johnny hace de sí mismo, incluso usando una camisa leñadora igualita a las que se calzaba hace 15 años. Esta canción es de color rojo.

Para los de Oxford, ‘All I Need’ luce tonos salmón. Yorke ejecuta la desgarradora parte final y golpea las teclas del piano con más energía de la necesaria. Tras el fin del tema, sale de escena y un roadie explica a duras penas un problema con el monitoreo del cantante. La tensa espera se vive con Colin y el pelado Phil Selway jugando con un pasaje de ‘There There’ y Johnny haciendo poses de fisicoculturista ante las risas de la gente.

De vuelta, Yorke muestra todo lo que puede hacer su garganta en ‘Nude’ (color blanco), mientras que en temas como ‘Weird Fishes/Arpeggi’ (azul profundo) queda claro el enorme sentido comunitario de este proyecto y porqué ni Thom ni Johnny están interesados en ser solistas. La electrónica minimal se hace presente con ‘The Gloaming’ (verde fosforescente) y esos tonos bajos sacados de Guantánamo que parecen reventar a cada segundo. Por primera vez vemos a Yorke dejando llevar su humanidad al son de la música.

Una transmisión radial chilena precede a ‘The National Anthem’, uno de los tracks que entra en la categoría “CDRQDM” (‘Canciones de Radiohead que dan Miedo’). Las líneas rojas del juego de iluminación parecen proponer una hipnosis colectiva; el opuesto total llega con la muy beatlesca ‘Faust Arp’, en la que Thom, Johnny y una guitarra de palo nos cantan eso de ‘I Love you but enough is enough’. La primera super ovación emerge con ‘Karma Police’ (color rosado), que suena a la pata, al igual que ‘Optimistic’. Al final de esta, los ingleses agradecen y Colin Greenwood aplaude al público asumiendo su papel natural de jefe de barra de Radiohead.

De vuelta al piano, Yorke se hace acompañar por Johnny para ‘Pyramid Song’, otra “CDRQDM”. El chascón toca su guitarra con un arco para violín, al estilo Sigur Ros. Justo antes de ‘Reckoner’, el cantante dice ‘I Can Hear You Now’, dando por superado el impasse técnico sólo a la mitad del show. Ello permite que Yorke se meta mucho más en su personaje justo cuando llegan los pasajes más energéticos del concierto, de la mano de ‘Jigsaw Falling into Place’, la estupenda ‘Idioteque’ (como crece en vivo esa canción!!) y ‘Bodysnatchers’. ‘How To Disappear Completely’ cierra la tanda y el grupo hace su primera salida.

De regreso, Yorke impacta de entrada con esa joya llamada ‘House of Cards’ (‘I don’t Wanna be your Friend, I Just Wanna be your Lover’), otra prueba de que ‘In Rainbows’ está para pelearle el trono a ‘OK Computer’. Sólo denle un par de años. La sorpresa total ocurre con ‘Just’, lo primero que suena del guitarrero ‘The Bends’. La versión es furiosa, caótica y llega con anécdota: el momento del solo de guitarra pilla a Johnny paveando y se pifia de modo tan grosero que todo el recinto lo capta. Es la nota humana de la jornada.

La cortavenas ‘Videotape’ pide cancha como uno de los tracks más desoladores que haya escrito el grupo con más himnos tristes de la historia, pero las palmas se las lleva la impresionante interpretación de ‘Paranoid Android’, esas tres cancones convertidas en una sola que dejan la carne de gallina en todos los presentes. Otra salida y regreso a escena, y Yorke en su críptico estilo se limita a decir ‘There’s no business like show business’. Freak.

Sentado al piano otra vez, el líder de Radiohead ejecuta ‘You and Whose Army’, una “CDRQDM” más. Yorke se vale de la multimedia del grupo y, mirando a la cámara en un super close up, genera un intimidante efecto que muestra la parte menos agraciada de su rostro en las pantallas gigantes del lugar. Antes del cierre, ‘2+2=5’ y ‘Everything In Its Right Place’, impecables ambas, dan paso al gran regalo de este tour: ‘Creep’, interpretada con pasión y compromiso por ese mismo grupo que se había jurado no tocarla más.

Al día siguiente, el viernes 27, los de Oxford shockearían al público al abrir con ‘Creep’, tal vez pensando que no era muy digno cerrar el tour de ‘In Rainbows’ con un tema tan poco representativo del presente de la banda. Thom Yorke se nota visiblemente más relajado: masca chicle, sonríe y le ofrece el micrófono al público para que cante partes del tema. Luego meten ‘The National Anthem’, pero de ahí en adelante el orden del set es esencialmente el mismo del día anterior.

Eso sí, los cinco están mucho más metidos en el show y si existía chance de sonar mejor que el jueves, lo lograron. Esto es particularmente evidente en temas muy lentos, donde el público enmudecido se conmueve a solas con gemas como ‘Exit Music (From a Film)’ y ‘Street Spirit (Fade Out)’. Por su parte, el mejor Yorke de las dos jornadas apareció a mitad del¡ este set, con ‘Reckoner’, ‘Just’ (esta vez, brillante) y en especial, ‘Idioteque’, durante la cual bailó como un poseído.

Tras volver a escena, Ed O’Brien asume la vocería y en aceptable español (y apoyado de un torpedo) agradece a la audiencia y entrega un poco de calidez desde el escenario. Cinco canciones después, un relajado Thom Yorke juega con la letra de ‘The One I Love’ de R.E.M. justo antes de ‘Everything In Its Right Place’. En el cierre, es el único momento en que el cantante se extiende, saludando con cariño al público y haciendo mención a su equipo de trabajo y a Kraftwerk. Lo último que suena de Radiohead en Chile es ‘Paranoid Android’.

De pocas bandas se puede decir que su música es claro reflejo del tiempo que les tocó vivir. Se dijo eso de los Beatles, por ejemplo. A Radiohead no les tocó una era optimista ni inocente, ni sana, ni positiva. Y eso exhudan cada una de sus composiciones. Pienso en una melodía de Babasónicos, en un capítulo de ‘Six Feet Under’, en una película de Wes Anderson o en un libro de Zadie Smith. Después de estos conciertos, hay otro ejemplo que confirma la única vocación de mi vida: la búsqueda de la belleza.

Setlist Jueves 26: 15 Step /Airbag / There There /All I Need /Nude / Weird Fishes/Arpeggi / The Gloaming / National Anthem / Faust Arp / Karma Police / Optimistic/ Reckoner / Jigsaw Falling Into Place / Idioteque / Bodysnatchers / How To Disappear Completely / House of Cards / Just / Videotape / A Wolf at the Door / Paranoid Android / You and Those Army / 2+2=5 / Everything In Its Right Place / Creep

Setlist Viernes 27: Creep / National Anthem / 15 Step / There There / All I Need / Nude / Weird Fishes/Arpeggi / The Gloaming / Climbing Up The Walls / No Surprises / Videotape / Morning Bell / Reckoner / Just / Idioteque / Exit Music (For A Film) / Bodysnatchers / Jigsaw Falling Into Place / Dollars and Cents / House Of Cards / Street Spirit (Fade Out) / Everything In Its Right Place / Go Slowly / 2+2=5 / Paranoid Android

Yo Soy el Cantante

2009-03-26T11:48:00.006-07:00

Un par de semanas sin escribir. Digamos que mi propia contingencia se vio algo movida, y eso llevó a que no hubiera review del correcto show de Keane el pasado 05 de marzo. Sobre Peter Gabriel tampoco hablaré porque sólo me quedé media hora por motivos de pega, aunque de lo que vi me encantaron ‘Steam’ y ‘Blood of Eden’, y luego supe que subió a los Inti Illimani para hacer dos canciones juntos. El inglés lucía muy mayor, pero su voz está intacta.

Han sido días agitados: el martes 24 en el Sheraton vi a Mike Patton hablando todo el tiempo en italiano con los tanos del grupo Zu, mientras los convocaba a una ronda de pisco sour. Y el miércoles 25 a las 13:50 hrs. presencié junto a 10 personas la silenciosa llegada de los Radiohead al Hyatt, tal vez aletargados por la extensa noche de carrete en Buenos Aires. Sólo Ed O'Brien hizo un atisbo de saludo, pero Thom Yorke se sumergió en sus lentes oscuros.

Pero donde nos detendremos es en la noche ‘rockera’ del Pepsi Fest, la del miércoles 25. Movistar Arena : 21 horas, y sin siquiera precisar que se apaguen las luces del recinto, el proyecto Zu está en escena. Una película se proyecta en las pantallas gigantes sugiriendo un aire de banda incidental para el enésimo proyecto de Patton. En tanto, él y los miembros del grupo lucen máscaras de luchadores. Los guardias que los acompañan a los costados, también.

Es inservible hablar de setlist en un show como este. Patton no quiere que cantemos con él ni que lo acompañemos de forma alguna: la invitación es a vivir una experiencia. Y para ello son útiles los chillidos, susurros, aullidos, silbidos y cualquier variante sonora posible que pueda emitirse por una garganta. Como era de esperar, los italianos que lo acompañan son excepcionales instrumentistas que manejan tempos con precisión sobrehumana sin creerse el cuento del ‘virtuoso’. Un saxo alto, un bajo y una batería son los aliados del ex Faith No More, quien por largos pasajes se apoya en unas tornamesas para extraer distintos tipos de artículos para filtrar su registro infernal.

Para Patton, todo es juego: al público que corea su apellido, les responde ‘Puto, Puto’; ni se inmuta cuando se le acercan un par de escupos que tratan de evocar la imagen de ese show del ’95 en el Teatro Caupolicán; y ante la arremetida de un fan que trata de abrazarlo en escena, sólo atina a no moverse mientras dos gorilas de seguro le quebrarán las piernas en backstage a ese pobre pastel.

Las estrofas y estribillos aquí no corren; los mensajes, tampoco: la forma es el fondo. Esto es una obra de teatro sin principio ni final. Y si a alguien le quedaban dudas que el hombre es un romántico, nada mejor que una versión de ‘Crying’ de Roy Orbison cantada en italiano. Qué situación más “Patton”. A estas alturas, más que un apellido, un adjetivo calficativo.

Sigamos adelante. Las noticias que se comentaban sobre Chris Cornell no eran alentadoras: el rockstar venía en vuelo directo desde Dallas y había perdido una conexión aérea. Por la tarde, los rumores sugerían lo peor. Su set fue modificado para cerrar la jornada: correcta decisión ya que llegó a Chile a eso de las 21:30 horas, cuando Patton ya estaba en escena. Finalmente, a las 22:55 horas emergió el grunge hero, enfundado en chaqueta de cuero negro, jeans gastados y más chascón de lo que lo recordaba. Un aire a Sergio Lagos, digamos.

Cornell escogió partir por ‘Scream’, su disco ultra pop (producido por Timbaland), y se mandó de una con ‘Part of Me’ y ‘Time’ que para ser sinceros, no desentonaron al sonar más orgánicas. ‘You Know my Name’ y ‘No Such Thing’ recordaron su pasado más inmediato con el inadvertido CD, ‘Carry On’. Lo único que preocupaba es que, por pauta, el de Seattle tenía 90 minutos para tocar, muy lejos de las casi tres horas que hizo en el Espacio Riesco 15 meses atrás.

Pero el hombre se nos empezó a entusiasmar, y las joyitas empezaron a caer. Tras despojarse de la chaqueta y sembrar el delirio femenino, Cornell pasó por caja con ‘Spoonman’. Sin pajearse con versiones raras, la hizo a la pata y en el embale, se mandó ‘Show me How to Live’ de Audioslave y el primer momento Kodak de la noche: la memorable ‘Hunger Strike’ de Temple of the Dog.

Tras media hora en escena, Chris Cornell se apropió del lugar: dejó de pasearse como león enjaulado y adquirió pose rockera. Mirando a los ojos de sus fans, se dejó llevar por sus agudos y siguió dosificando: un himno de estadios (‘Be Yourself’) y un rock con bolas (‘Rusty Cage’). Así nos fuimos.

Pero antes, y repitiendo el esquema de la visita anterior, pidió cancha para él solo y montó un set acústico que se extendió mucho más de lo esperado, incluso por él mismo. Partió con un peak llamado ‘Fell on Black Days’, sumó esa oscurísima versión de ‘Billie Jean’ de Michael Jackson, y regaló otra vez esa maravilla llamada ‘Seasons’, esta vez junto a sus músicos tomando las acústicas.

De vuelta a la electricidad, Cornell no paró más de remecernos. Partió piolita con ‘Gasoline’ y ‘Watch Out’, pero con ‘Burden in muy Hand’ y especialmente con ‘Pretty Noose’, se puso al día. Esa fue mi favorita de la jornada. Para el final, qué mejor que desempolvar ‘Outshined’ y ‘Jesus Christ Posse’, dos temas pasados a camisa leñadora. A esas alturas, Cornell ya había formalizado su romance con Chile, declarándonos ‘el mejor público del mundo’.

El inevitable cierre llegó con sorpresas: una apabullante versión de ‘Inmigrant Song’ de Led Zeppelin, sumado a la que faltaba: ‘Black Hole Sun’, en versión karaoke con las 12 mil almas gritándola a coro. Habían pasado dos horas y 25 minutos. Sí, la hizo de nuevo: Cornell no se sabe editar. Lo quiere cantar todo y nosotros, felices lo escuchamos. Eso sí, las piernas me estaban matando. De hecho, nos salimos del Arena cuando regaló ‘Like Suicide’ de yapa. Es bonito como imagen: quedó la sensación de que uno se fue, y Chris Cornell sigue cantando.

Llegó el turno para Radiohead en Chile.

Toda la Razón

2009-03-11T14:30:00.004-07:00

"¿Quieres ser realmente maduro? Entonces ten la valentía de fracasar en grande y no desaparecer. Hazlos preguntarse porqué sigues sonriendo." (Kirsten Dunst en 'Elizabethtown)

Triple Pack (otra vez)

2009-03-07T11:41:00.005-07:00

Rock clásico, reggaeton y teen pop. Todo en un fin de semana. La oferta amplia y el desprejuicio se confabularon para que en tres días pudiera presenciar shows muy distintos. A saber:

DEEP PURPLE (TEATRO CAUPOLICAN, JUEVES 26 DE FEBRERO)

A pesar de que han venido 35 veces (con caída de torre de sonido y todo), nunca los había visto. Las leyendas setenteras metieron casi 4 mil personas al Caupolicán en la semana del Festival, dando cuenta de la popularidad de estos números en Chile.

La primera anomalía fueron las sillas en la cancha. ¿Creen que alguien vio el show sentado? Cuec. El quinteto, con tres miembros originales, hizo un set de memoria: tocaron el grueso de sus hits e hicieron esos solos eternos que su público les exige. La base rítmica estuvo impecable pero Ian Gillan, en gran estado físico, fue la mayor anomalía. Parece que el frontman se resfrío en Puerto Montt y tras 10 minutos de concierto, no volvió a llegar a ningún tono. Sólo el karaoke masivo lo salvó.

Al menos siempre será inolvidable presenciar en vivo canciones como ‘Hush’, ‘Burn’ y ‘Smoke on the Water’. Cualquiera se siente un ‘socito’ al escuchar esos riffs. Es una laminita más para pegar en el álbum de los shows en vivo.

LO MEJOR: La partida con ‘Highway Star’. De repente, me apareció un pañuelo en la cabeza, un signo demoniaco en mi mano y una Harley Davidson a mi lado.

LO PEOR: La voz de Ian Gillan. Su resfriado registro se acabó a los tres temas. Durante el resto del show fue un fantasma.

DADDY YANKEE (FESTIVAL VIÑA, VIERNES 27 FEBRERO)

Tras presenciar su aplastante debut en Viña 2006, no me perdía por nada el ‘bis’ del ‘Cangri’. El boricua abrió con ‘Jefe’, ‘Machucando’ y ‘Noche de Entierro’, tres claras muestras de sus virtudes: sentido del show, talento asombroso para frasear y energía inagotable y pegajosa que hace bailar por osmosis. En ‘King Daddy’, la intro entra por tus oídos, y sigue directo a tus caderas sin detenerse en tu cerebro.

‘Llegó el jefe, empezó la rumba. Esto no para’, decía a cada momento el dueño de la fiesta. Y quien podría contradecirlo después de escuchar ‘Pose’, ‘Seguroski’, ‘Machete’, ‘Tu Príncipe’ e ‘Impacto’, una tras otra. Además, tiene un magnetismo envidiable: sus convocatorias a alzar celulares y cámaras parecían un mando entre el público; de hecho, la gente hacía silencio total cuando les hablaba, las mujeres le ofrecían sus guaguas para que las tome y hasta la dupla Za-Sa se rindió a sus pies.

En ese contexto, con ‘Rompe’ como clímax (¿Es posible quedarse quieto con esa canción?), el resto del set fue sólo confirmar su exploración en otros territorios. ‘Somos de Calle’ lo confirmó como el mejor MC de habla hispana, y en ‘Llamado de Emergencia’ (indiscutida canción del verano) demostró que también puede jugar a ser Juanes si se le da la gana.

He visto mucho reggaeton en vivo y, excluyendo a Calle 13, todos se ven como un chiste de mal gusto al lado de Daddy Yankee. El ‘Big Boss’ tiene ideas, talento, ambición y repertorio para quedarse con nosotros por un buen rato. ¿Moda pasajera? El reggaeton, tal vez; Daddy Yankee, no.

LO MEJOR: Con un setlist sin puntos bajos, los momentos extramusicales hicieron del show algo inolvidable: la presentación de Don Francisco, el video hecho por un fan para ‘Somos de Calle’ y en especial, la dinámica ‘Foto-Flash-Foto-Flash’.

LO PEOR: El grosero corte que la producción le dio al show en la Quinta. Por pauta, Daddy tenía tres temas más, pero lo bajaron igual. 15 mil personas eufóricas tuvieron que irse con la cola entre las piernas a pesar de que el show terminó a las 02:20, hora de inicio de Roger Hodgson dos días antes.

BACKSTREET BOYS (MOVISTAR ARENA, 01 MARZO)

Caí por casualidad en este concierto, ya que fui convocado para la abortada transmisión de Radio Activa. Despojado de la labor que venía a cumplir, me limité a ver el show. Puntuales, los cuatro BSB se posaron en el Arena con batas de boxeadores y ‘Larger than Life’ mezclada con la música de ‘Rocky’.

Cuesta hablar de lo que pasa sobre el escenario cuando a tu lado niñas de 10 a 35 años se arrancan los pelos, lloran desconsoladamente, gritan sin parar o derechamente pierden el conocimiento. Nick, Howie D, A.J. y Brian aún logran el efecto. O al menos, lo tienen con personas que los esperaban hace 11 años.

Durante la presentación abundan las frases del ‘Manual del Galán’: la verdad, da lo mismo lo que digan. Aunque pronuncien una ecuación o una solución química, el aullido viene garantizado. Por lo mismo, no hay necesidad de un esfuerzo mayor en términos físicos y ellos lo entienden así, ya que bailan como gente de 30 y tantos años: parejito.

Tras un peak con ‘I Want it That Way’, el cuarteto hizo el mínimo esfuerzo con un bloque de lentos largamente coreados. En ‘Quit Playing Games’ subieron una imagen de cartón (como las de los revelados de fotos) del retirado Kevin, generando un nuevo delirio hormonal.

¿Otros momentos? La version ‘spanish’ de ‘I’ll Never Break your Heart’ (la más coreada) y el final eufórico con ‘Everybody’. Simpáticon, pero en un show donde lo importante no es lo que pasa en escena, no se puede aspirar a más que una simple anécdota.

LO MEJOR: Ver en vivo como enloquece la gente por un número musical. Llantos, aullidos, desmayos, histeria. Fueron dos horas en el manicomio. Muy divertido.

LO PEOR: Darme cuenta de que conozco más de 10 canciones de BSB. No le cuenten a nadie.

Barrilete Cósmico

2009-02-25T10:54:00.001-07:00

Una de las pocas consecuencias positivas de morirte es que te llenan de premios. En su rol del ‘Joker’, Heath Ledger alcanzó la gloria que la Academia de Hollywood le negó con ‘Brokeback Mountain’ y de paso, relegó a todos sus competidores a un rotundo segundo plano.

Uno de lo que se quedó con las ganas en la quina de actor secundario fue el gordo Phillip Seymour Hoffman. Lo vi por primera vez como el antipático “hijito de papá” en ‘Perfume de Mujer’: su estampa robusta y pálida lo alejaban del estereotipo de galán, pero él aprovecharía esa misma facha de tipo común y corriente para hacer literalmente todo tipo de papeles.

A continuación, diez de las más notables actuaciones del gordo Hoffman. Pase, lea y discuta.

10.- Scotty J en ‘Boogie Nights’: Pelo largo, anteojos vintage, musculosa con el ombligo al aire. Se suponía que sería un secundario, pero el gay enamorado del pornstar Dirk Diggler detona una de las escenas más dramáticas del filme: sus ansias de ser querido lo despojarán de amor, amistad y dignidad. ‘I’m a fuckin’ idiot’, dice entre lágrimas.

9.- Owen Davian en ‘Mission Impossible 3’: El antagonista de Ethan Hunt es un hijo de puta sin dobleces. En los primeros 30 segundos de película ya lo detestas, pero a la vez te aterorriza: no es un villano de cartón a lo ‘James Bond’. Owen Davian es un malo post 9/11. Si te dice que matará a tu esposa, mejor créele.

8.- Gust Avrakotos en ‘Charlie Wilson’s War’: ‘Excuse me, ¿what the fuck?’ es lo primero que sale de la boca de Gust….y se lo dice a su jefe. Su bigote gastado, calvicie inminente y lentes fuera de toda moda evidencian el comportamiento frontal y grosero que lo convierte tanto en un viejo zorro de la CIA como en un escollo para sus superiores. Hoffmann salva del naufragio a esta pretenciosa obra con una actuación que mezcla explosión y contención con timing de relojero.

7.- Lester Bangs en ‘Almost Famous’: Sí, William Miller es el protagonista, pero Lester Bangs es el verdadero espíritu del filme. En esta, la fábula más bella que he visto, el crítico que murió escuchando a Human League se hace el duro, pero en realidad es la figura paterna. “Te hacen sentir que eres cool, pero yo te conocí y no tienes nada de cool”, le dice sobre los rockeros. “La única moneda en este mundo quebrado es lo que compartes cuando no eres cool”, resume. Toda la razón.

6.- Padre Flynn en ‘Doubt: Conocí muchos curas ‘buena onda’ como el Padre Brendan Flynn. En un ambiente represivo, la cercanía y calidez con sotana incluída son bien recibidas pero despiertan sospechas. Y la hermana Aloysius (Meryl Streep) está de acuerdo conmigo. ¿Es culpable el cura de los cargos que se le imputan? He visto pocas películas más ambiguas que esta y eso es pura gracia de las performances. Duelo de titanes.

5.- Phil Parma en ‘Magnolia’ : Es el pegamento que lo une todo. En la contrarreloj por hacer que padre e hijo se reúnan antes de la muerte del padre, la fe del enfermero Phil lo hace decir al teléfono a un desconocido: “Esta es la escena de la película en la que tú me ayudas”. Hace falta oficio para pronunciar esas líneas y no lucir ridículo. Phil se involucra tanto en una historia ajena que sus lágrimas finales también son las nuestras.

4.- Jon Savage en ‘The Savages’: Por más que luchemos por dejar atrás nuestro pasado, siempre se las encarga para volver por nosotros. Los hermanitos Savage viven existencias fracturadas tratando de tapar sus recuerdos con tierra, pero ha llegado el momento de moverse: Jon dejará de escapar para salir a buscar su destino y tiene un ticket a Polonia para lograrlo.

3.- Allen en ‘Happiness’: Conoce su biotipo y lo explota. En esta oscurísima sátira de Todd Solondz que lidia con pedofilia y suicidio él es Allen, un solitario perdedor con inseguridad patológica. Lo único que trae emoción a su patética vida es su guapa vecina, para la cual no existe como ser humano. Pero sí se trata de sexo telefónico, la cosa cambia.

2.- Andy Hanson en ‘Before the Devil Knows you’re Dead’: Esta tragedia griega está llena de seres malditos condenados a un destino infame a causa de sus actos. Andy es un drogadicto amoral y déspota que no dudará en robar la joyería de sus padres para salir del pozo. Hoffman construye un ser despreciable que recibirá un ineseperado castigo a su proceder.

1.- Truman Capote en ‘Capote’: Parece una caricatura, pero es un triunfo. El gordo entiende la diferencia entre crear un personaje e interpretar a uno que ya existió. El ‘Capote’ de Hoffman no se parece: es IDENTICO al original. Sus ademanes afeminados y tono nasal reproducen con perfección al desaparecido escritor: es un ejemplo de performance en la que el actor desaparece para dejarse llenar por otra identidad. Simplemente notable.

Nuestra Fe

2009-02-24T13:50:00.004-07:00

Cada uno tiene su propio Mike Patton para armar. Especialmente en Chile, país pródigo en fanatismo por personajes bizarros como el líder de Faith No More. Es cosa de preguntar entre los melómanos de 20 y 30 y tantos años, y te sorprendería saber cuántos devotos tiene la Sagrada Iglesia de Patton.

No soy de los que le compró el boleto con todos su experimentos: Mr. Bungle tienen un par de discos buenos, Fantomas es casi inescuchable, Lovage fue un bonito experimento, Tomahawk pasaron piola y lo de Peeping Tom era lo más parecido a Faith No More que hizo. Disperso. Pero nadie puede acusar a Patton y su alegre compañía de poco jugados o prejuiciosos.

Hay que ver la cosa en contexto: es 1990 y en una sola banda confluyen sonidos metaleros, citas kitsch, un bajo que bordea el funk y un cantante que estruja todos los registros posibles de su garganta. Le llamaron ‘alternativos’ a falta de una mejor palabra: entre el ‘Real Thing’ de FNM, el ‘Mother’s Milk’ de los Peppers y el ‘Time’s Up’ de Living Colour, el beat bailable se hizo un espacio entre los riffs rockeros. Es imposible pensar en Incubus, System of a Down y hasta en Deftones sin pasar por el quinteto de San Francisco.

Lo que más me gustaba de FNM es que se pasaban por la raja las convenciones del metal y, al revés, se burlaban de ellas como hoy la hacen Queens of the Stone Age. Sus guiños a Take That, Portishead o NKOTB en Chile son una pequeña muestra de verdadera irreverencia comandada por un Mike Patton que nunca necesitó decirnos que no confiaba en nada ni nadie. Sus hechos hablaron por sí solos: la separación de Faith No More (abril de 1998) llegó piola, sin giras de despedida, lágrimas o amargas declaraciones cruzadas. Sólo dejar de juntarse por un tiempo y reinventarse para mantener la excitación de crear arte. The Real Thing.

Hoy es un día de gozo. Sin especulaciones de cifras ni anuncios rimbombantes, Faith No More regresaron. De momento es sólo un tour por Europa, pero uno nunca sabe. De sólo pensar en que puede sonar ‘Just a Man’ otra vez en un escenario, no dejo de sonreir. A Small Victory.

Dead Man Walking

2009-02-23T14:40:00.003-07:00

Heath Ledger no es el primer finado en ganar un Oscar. En 1976, Peter Finch se mandó una performance histórica en ‘Network’, pero no vivió para recibir su galardón: el 14 de enero de 1977, un infarto se lo llevó a los 60 años, dos meses antes de la ceremonia.

Curiosamente, no es la única similitud con Ledger: cuatro años antes de ‘Network’, Finch interpretó a un homosexual en ‘Sunday Bloody Sunday’, tal como lo hiciera nuestro Heath en ‘Brokeback Mountain’.

Paul Thomas Anderson (‘Boogie Nights’) reconoce que los personajes adultos de ‘Magnolia’ están altamente inspirados por los de ‘Network’ e incluso hizo que su equipo de producción viera el filme antes de rodar su obra maestra. PTA quería que los viejos de ‘Magnolia’ se vieran igual de hechos mierda y perdidos en la vida como los de la obra de Sydney Lumet.

Aquí, la escena más recordada de ‘Network’. El conductor del noticiario de UBS, Howard Beale, llega un día al set y da un memorable discurso, conminando a la gente a salir de su rutina y gritar: "I'm as mad as hell, and I'm not going to take this anymore!". Clásico.

Bringin' the Sexy Back

2009-02-19T14:59:00.002-07:00

Su nombre es Christina Hendricks y sí, es perfecta. La conocí, como todos, en el rol de esa abeja reina que es la secretaría Joan Holloway en la excelente serie ‘Mad Men’. En ella, Christina confirma que sexo es poder: sabe lo que tiene y sabe que todos lo quieren. Seguro que le pasa lo mismo en el mundo real.

Tras perder varios castings a causa de sus amplias caderas, Christina llegó a ‘Mad Men’ precisamente por lo mismo: en la serie ambientada en 1960, sus curvas pronunciadas encajan a plenitud con el cánon de belleza de la época. Si me preguntan a mí, también son las precisas para esta época.

Ver deslizarse a Christina por los pasillos de la agencia Sterling Cooper es como ver navegar a un trasatlántico: se mueve lento, pero estás tan impresionado observándolo que deseas que se mueva aún menos.

Todos Eramos Sónicos

2009-02-18T14:27:00.009-07:00

Una cosa es que venga Radiohead; otra es que en la misma semana retorne el legendario Chris Cornell (aunque su reciente 'Scream' aún sea difícil de tragar). Pero muy distinto es que en cosa de cuatro días veamos a ambos y a SONIC YOUTH.

La noticia se confirmó en la conferencia que anunció el Line Up oficial del Pepsi Fest, y donde también se descartó el regreso de Smashing Pumpkins.

Supe de Sonic Youth allá por el '93. Me acuerdo que un punkie del colegio, el 'pelao' Ruiz (que más encima era hijo de un profe del colegio), pasó en un recreo vendiendo casettes regrabados de artistas difíciles de encontrar. Casi todo era muy hardcore para mí, pero recordé que había visto un video increíble en MTV: '100%', un clip lleno de guitarras derretidas y skaters flacuchentos que definía lo que es cool para un péndex de 15 como yo. Sonic Youth se llamaba el grupo. Tomé un casette que decía 'Dirty' y desembolsé mi arrugada luca. Ese día me gané el respeto de la comunidad punkie de mi colegio y un álbum que aún hoy me provoca escalofríos cuando suena 'Drunken Butterfly'.

Pasaron los años. En trabajos de verano, un compañero de cuadrilla cantaba todo el día 'Bull in the Heather' y en la universidad, otro socio no se sacaba su polera del 'Washing Machine' ni para lavarla. Hasta me leí aquella vieja Extravaganza! en la que Kim y Thurston contaban que la niñera de su hija Coco era una chilena. Hubo múltiples anuncios de visita, envalentonados por las presentaciones en nuestro país de leyendas indie como Tortoise, Stereolab, Yo La Tengo, Jon Spencer y Mogwai. Pero nada: que son muy caros, que no quieren venir, que no aceptan ciertos sponsors.....

Y finalmente, un buen día se anunció su desembarco a la región, mas no a Chile. La banda, en calidad de quinteto (junto a Jim O Rourke) se presentó en la lluviosa jornada del 21 de Octubre del 2000 en el Club Hípico de Buenos Aires junto a Sean Lennon. Ahí regalaron gemas como 'Schizophrenia', 'Kool Thing' y 'Brother James'. Cuatro años después, en julio de 2004, yo figuraba en East Village, cerca del edificio que se convirtió en la carátula de 'Physical Graffiti' de Led Zeppelin. Caminaba por Alphabet City entre junkies y vagabundos, a pocas cuadras del cuartel de operaciones del grupo, y entré a una tienda de discos: ahí me compré el 'Goo' en U$ 4.99. Sincronía perfecta.

Tres discos oficiales y múltiples epés han lanzado desde entonces. Si bien 'Murray Street' era algo críptico, 'Sonic Nurse' fue un retorno a su mejor forma. Esa misma que nos mostrarán la tarde del 29 de marzo cuando lleguen con el flamante 'The Eternal' bajo el brazo.

Nunca supe muy bien que significaba ser sónico, pero en la convicción de Kim Gordon, la cara de eterno adolescente de Thurston Moore y esa vitalidad incansable de la dupla Ranaldo-Shelley percibía algo que iba a desear exhudar cuando fuera más grande. Tal vez el próximo 29 de marzo lo sepa.

Exijo Ser un Héroe

2009-02-16T09:00:00.003-07:00

Mi amigo Fernando tiene razón: es posible que ‘Mi Vida como Prisionero’ de Claudio Narea sea la primera biografía de un rockero contada en primera persona. Desde los prehistóricos textos de Tito Escárate y Fabio Salas, pasando por las expuestas vidas del trío de San Miguel bajo el prisma de Stock y Osses, o celebrando los rescates de ídolos como Luis Dimas y Cecilia, las obras literarias dedicadas a nuestros próceres musicales siempre son narradas por un tercero, un otro. Ello le da un valor aún más especial a la cruzada por contar su verdad que emprendió el guitarrista de Los Prisioneros.

Aclaro de inmediato: Narea nunca fue particularmente santo de mi devoción ni tampoco lo sentí como un estorbo para la banda: simplemente creo que daba lo mismo. Pero sí estoy de acuerdo en que Los Prisioneros históricos son tres y sin él, está claro que la banda se transforma en otra cosa. Esa misma presencia ‘fantasmal’ es la que convierte a su testimonio literario más en el relato de un testigo privilegiado que en la desclasificación de un protagonista y/o autor de tantos himnos generacionales.

Es obvio que para que un texto que viene del rock tenga tal exposición se hace necesaria cierta chimuchina. Por lo mismo, Narea no puede rehuir lo inevitable: relatar con lujo de detalles el triángulo amoroso que mató a Los Prisioneros y exponer la interna de la banda, describiendo a un Jorge González déspota y manipulador (¿en serio les sorprende?). Sin embargo, más allá de ese ‘gancho’ narrativo, yo prefiero rescatar este libro como un certero retrato de época que me dejó genuinamente emocionado.

Soy de San Miguel. Viví a dos cuadras del Liceo 6 Andrés Bello, el mismo de Jorge, Claudio, Miguel, mi papá y mi padrino. A los 8 años, cuando en mi casa sólo sonaba la música que ponía mi papi, el primer cassette propio que tuve fue uno regrabado que en el lado A tenía ‘La Voz de los 80’ y en el B, ‘Pateando Piedras’. Ocioso sería relatar cuántas veces lo escuché, lo retrocedí con un lápiz, o grité como mías las letras de Jorge. Cada uno tiene la vida que tiene y yo nunca tuve grandes carencias, pero los relatos del trío no me eran en absoluto ajenos.

Yo era muy chico y no entendía mucho de los tiempos que se vivían en términos políticos. Pero no hace falta entender nada cuando se sienten tanquetas en la noche, cuando estás jugando en una plaza y te tienen que echar sal bajo la lengua para escapar del efecto de las bombas lacrimógenas, o cuando se mete gente corriendo a tu colegio y los curas los esconden para salvarlos de los pacos. Eso se queda contigo.

Claudio cuenta de sus tiempos de liceano, cuando no le daban bola en las fiestas del León Prado o del Claretiano y también, del incierto futuro que le auguraba tras rendir la PAA. Yo me acuerdo que en 1987, ‘Exijo ser un Héroe’ era una canción que casi me sacaba lágrimas con eso de ‘la vida es cara y aburrida para darla por perdida’. Veía a los alumnos del liceo fiscal en que trabajaba mi mamá y todos eran una canción de Los Prisioneros viviente. Tener esperanza en el futuro era un trabajo de tiempo completo

Es bonito recordar, como lo hace Narea, cómo nacían las influencias en aquella época, sean musicales o de cualquier índole. Me acuerdo cómo el ejercicio de juntar la mesada de varias semanas se transformaba en llegar a tu pieza con las manos transpiradas y un disco en tus manos; o más que un álbum, con un oráculo para ver lo que te depararía el destino, como sugieren en ‘Casi Famosos’. Las remembranzas de Claudio al recomendarse música con Jorge me llevaron directo a 1992, cuando Mauricio Horment y yo (a cuadras del Liceo 6) veíamos los VHS de los Chili Peppers con la devoción de un Opus Dei. Era la primera vez de muchas cosas.

Impacta la precocidad de Los Prisioneros. Desde esas primarias ideas trazadas con Los Seudopillos y Las Vinchukas, sus letras llenas de corrosivo desamparo evidencian por partes iguales la genialidad y desolación que Jorge, Claudio y Miguel disfrazan con sarcasmos y caras serias. Tenían, ¿cuantos? 15, 16, 17 años y ya había más claridad en esos versos que en los últimos 20 años de música chilena.

No le veo el sentido a detenerse en las discusiones internas o en los entuertos posteriores. Me quedo con lo que me interesa: ‘Mi Vida como Prisionero’ es el testimonio más claro de que para formar una banda de rock, no necesitas ser un músico avezado: sólo basta que desees consagrar tu vida a la música. Esa historia ocurrió y más encima, a dos cuadras de mi casa.

Hacer la Guerra

2009-02-13T12:03:00.004-07:00

La tenía prometida hace rato. Dijo que tras ver persecuciones en filmes como ‘Bullit’ y ‘El Gran Escape’, armó la impactante secuencia final de ‘Death Proof’ y ahora, tras años de repetirse ‘Los Doce del Patíbulo’, Quentin Tarantino hizo realidad un viejo sueño: su propia película de guerra.

‘Inglorious Bastards’, basada en el filme italiano del mismo nombre, nos trae a Brad Pitt como el Teniente Aldo Raine. El tiene bajo su cargo al grupo de bastardos cuya misión es acabar con cuantos nazis como sea posible, mientras una mujer judía trata de vengar el asesinato de sus padres. De momento sólo se sabe que el filme estará dividido en cinco capítulos, que Samuel Jackson hará de narrador en off y que Mike Myers será un general británico. Nada más.

Tendremos que esperar hasta agosto para el estreno comercial, aunque Tarantino pretende hacer la premiere mundial en Cannes, donde hace exactos 15 años ganó la Palma de Oro gracias a ‘Pulp Fiction’. Algo de suerte le traerán las costas galas…..

El trailer de ‘Inglorious Bastards’, aquí: