No Future

No sabía de la existencia de esta película hasta hace dos semanas, por lo que no tenía expectativas creadas. Y de pronto, uno se entera de que Alfonso Cuarón ha hecho algo nuevo, que Julianne Moore (la única colorina y pecosa que encuentro rica) está en el medio y que la historia se ambienta en el futuro. Y claro, se abre el apetito.

Que esté Cuarón metido ahí asegura que este no es cualquier thriller; el mexicano responsable por esa maravilla llamada ‘Y Tu Mamá también’ (una película sutilmente muy política) toma como excusa la vida en el futuro para enrostrarnos el duro presente que vivimos.

La premisa es la siguiente: es el año 2027 y, por algún motivo, las mujeres ya no pueden tener hijos. El terrorismo está a la orden del día, los gobiernos enjaulan y torturan a los inmigrantes y las píldoras para suicidio se reparten como dulces entre la gente. ¿Suena familiar?

En medio de eso, Theo (Clive Owen) tendrá una importante misión: una mujer (negra) ha quedado embarazada y debe trasladarla hasta el barco’Tomorrow’ para que ellos la protejan. Pero en el camino hay demasiados peligros, partiendo por quienes, se supone, son amigos de la morena.

Más allá de profundizar en la trama, quiero compartir algunas cosas:

**La fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki es la verdadera protagonista de la película. Nominado 4 veces al Oscar en ese apartado (incluído este filme), lo que hace el cuate es que nos creamos que ese mundo apático y gris existe, y que la imagen se ilumine, oscurezca y ensucie siempre por un motivo concreto. Simplemente notable.

**El rol de Julianne Moore es muy extraño. Ella es Julian, una activista que involucra a Theo en la misión y que está involucrada en grupos de choque al gobierno totalitario. Sin embargo, uno se imagina que su rol será protagónico o que la veremos sobre el fin de la peli. Y no…. Y eso es prueba cabal de que esta es una trama muy poco convencional.

**A propósito de lo mismo, la moralidad de la película es curiosa. No sabemos a ciencia cierta si Julian es una reaccionaria violentista o una activista por la paz, aunque lo primero tiene más sentido, y eso implica que nuestra heroína es, en rigor, una terrorista. Por lo demás, el buen amigo Jasper (Michael Caine, actuando según sus palabras ‘como un John Lennon de nuestros días’) es un ávido fumador de marihuana que le convida a todos los que se le acercan. Cuando Cuarón mete la punta, la mete hasta el fondo. Y eso está muy bien…

**La escena en que Theo visita a su primo, el dueño del ‘Arca de las Artes’ es a lo menos, inquietante. Theo ingresa a ese castillo igualito al del cover de ‘Animals’ de Pink Floyd y se encuentra con el sitio donde se conservan obras como el ‘David’ de Miguel Angel, almuerza en un comedor adornado con el ‘Guernica’ de Picasso, y se tiene una vista privilegiada al cerdo volador carácterístico de Pink Floyd. Yo aún me estoy preguntando qué me quisieron decir.

En las notas de prensa, Cuarón dice que no quería volver a hacer ‘Blade Runner’, y que cuando los diseñadores le traían modelos ‘futuristas’, él les mostraba fotos de Irak y Guantánamo indicando que ese era su referente. Y eso es justo lo que se ve en esta oscurísima obra.

Más que una película futurista, ‘Children o Men’ parece un ‘documental de anticipación’. Uno no se asusta por cómo podrían ser las cosas, sino por como son hace mucho rato.

¿Are You Talkin' to Me?

Me ha costado terminar los libros que empiezo últimamente. Abandoné ‘Lullaby’ del inquietante Chuck ‘Fight Club’ Palahniuk por fome, y no he podido retomar el majestuoso ‘Dientes Blancos’ de la bella mestiza Zadie Smith.

Por lo mismo, lo que me pasó hace unos días es digno de mencionar, ya que me devoré en pocas semanas las 572 páginas de ‘Moteros Tranquilos, Toros Salvajes’ (Peter Biskind, 1998). A través del relato, Biskind cuenta la historia del Nuevo Hollywood, este grupo de directores y creadores que durante los ’70 rompió con las reglas establecidas previamente en el cine y propuso un nuevo orden.

Del nacionalismo y las películas musicales, vino el salto al hiperrealismo y los finales infelices. Primero, con ‘Bonnie and Clyde’, luego con ‘Easy Rider' (‘Busco mi Destino’) y más tarde, con ‘El Exorcista’, ‘Taxi Driver’ y hasta ‘El Padrino’, por nombrar sólo algunos filmes. Un puñado de expresiones audiovisuales que no sólo extendieron el límite de lo que se podía mostrar en un cine y marcaron pauta artística hasta nuestros días, sino que además fueron tan representativas de lo que el público quería ver que provocaron un viraje violento en lo que los estudios entienden hoy por éxito de taquilla (hasta nuestros dias se sigue buscando replicar el suceso global de fenómenos como ‘Tiburón’ y sobre todo, ‘La Guerra de las Galaxias’).

Pero ese mismo éxito instantáneo fue la destrucción total de la mayoría de esos directores, quienes reinventaron conceptos como ‘egocentrismo’ y ‘arrogancia’. La idea de gente como Francis Coppola, Warren Beatty, Peter Bogdanovich y Martin Scorsese era traer a la realidad gringa las tendencias neorealistas del cine europeo. Y les fue bien, tal vez demasiado bien. El público, con una gran sensación de desencanto (gentileza de la Guerra de Vietnam), enganchó a full con esos filmes cínicos y agresivos, y convirtió a sus responsables en dueños de la verdad.

¿Qué pasa cuando todos te dicen que eres un genio? Bueno, en el caso de varios de estos tipos, se lo creyeron y se volvieron loquitos. Para lo único que les sirvió el éxito fue para comprar montañas de cocaína y perder literalmente miles de millones de dólares en ideas absurdas para sus siguientes filmes. Coppola se pasó años en Filipinas grabando ‘Apocalypse Now’, mientras que Bogdanovich hizo una gran película (‘The Last Picture Show’) y el resto, puros bodrios intragables. Por lo demás, como suele suceder en el showbiz, todos se portaron como unos grandísimos hijos de puta con su respectivas parejas, las que les aguantaron todo cuando no eran nadie.

Biskind, que fue jefe de redacción de la revista ‘Premiere’ y ha publicado en varios medios prestigiosos, da muestra de una acumulación de trivia superior y no tiene contemplaciones en echar al agua a varios peces gordos, contando historias que los dejan muy mal parados. La cita recurrente es al personaje de ‘Easy Rider’, quien dice ‘la hemos cagado’. Y es así: ellos mismo se abireron las puertas de Hollywood y nos regalaron obras maestras. Pero más tarde, ellos mismos se las cerraron a punta de decisiones antojadizas y conductas erráticas.

Hoy en día, las únicas excepciones de aquella generación son George Lucas y Steven Spielberg. Pero el primero vive atrapado en ‘Star Wars’ (¿le compraría el público algo diferente?) y el segundo sigue tratando de demostrar en cada película que no sólo hace éxitos, sino también arte (¿le creen?). Bueno, al menos tienen la libertad para hacer lo que quieran...

En cambio, la industria ya no cree ni en William Friedkin (‘El Exorcista’), ni en Francis Coppola (‘El Padrino’), ni en Michael Cimino (‘El Francotirador’), y eso que todos ellos algunos vez ganaron el Oscar a Mejor Director. Con suerte, a Coppola lo dejan adaptar algún guión ajeno (una afrenta para un tipo que se considera ‘autor’) o a Bogdanovich lo dejan hacer un cameo en ‘Los Soprano’. Mal.

Al cerrar el libro de Biskind, la sensación es agridulce. ¿Qué harían estos tipos si no la hubieran cagado tanto? Una cosa es segura: no habrían remakes de ‘Los Dukes de Hazzard’ ni insultos al séptimo arte como ‘Chiquito pero Peligroso’.

PD: Ojo con el nuevo libro de Biskind que ya fue traducido al español y promete pronta llegada. Se llama ‘Sexo, Mentiras y Hollywood’ y desenmascara a la generación independiente de los ’90 (Tarantino, Soderbergh, el Festival Sundance, etc.). Entretención asegurada.

Los dejo con la escena 'cumbre' de Robert de Niro en 'Taxi Driver':

Paren de Venir!

EXTRA! EXTRA!

Nuevas Confirmaciones:

Al vendaval de conciertos venideros, le sumamos 3 anuncios más:

**Pet Shop Boys (25 marzo, Teatro Caupolicán)
**Velvet Revolver (10 abril, Pista Atlética, según La Tercera)
**Evanescence (12 abril, lugar a definir)

De los que van al Festival Quilmes de Argentina, sólo falta saber si viene Keane. Según se comenta, es un hecho que Aerosmith NO pasa por Santiago. El otro rumor que se diluyó a full es el de The Cure.

Pero apareció otro en el juego: INCUBUS estaría confirmado para el 3 de mayo en el Luna Park de Buenos Aires, según le informaron a este foro de fans trasandinos. Atentas entonces las viudas del Nu Metal. O de Mike Patton, si al final Brandon Boyd le robó todo, incluyendo el falsete.

Igual no me lo pierdo.

Get a Life!

El año pasado casi ni fui al cine, y como todo es ying y yang en esta vida, en lo poco que lleva este 2007 me he pasado viendo películas. Ahora es cuando: hay de todo y para todos los gustos, porque es el momento en que los grandes estudios sacan sus mejores ases. ¿Para qué? Para tratar de llevarse a casa el codiciado Tío Oscar, pues.

El martes fue martes de nominados. Algunas reflexiones al respecto:

**’Dreamgirls’, el musical basado en el trío de cantantes negras The Supremes, encabeza la lista, con 8 nominaciones. Nada más erróneo creer que es favorita: 3 de ellas son por Mejor Canción Original, y no la inflaron para Mejor Director ni para Mejor Película. En todo caso, Jennifer Hudson y Eddie Murphy van fijo para ganar como Actores de Reparto, y ambos ya ganaron el Globo de Oro. Yo ya vi la peli y es buena. Ampliaremos.

**’Babel’, como era de esperar, fue considerada en varios apartados, incluyendo Director y Película. ¿Lo más destacable? La nominación a actriz secundaria de la nana mexicana (Adriana Barraza) y la nena japonesa (Rinko Kikuchi). ¿Le darán el premio a Mejor Película a un latino? Mmmm....

**Leonardo Di Caprio sigue cruzado con la Academia. A su derrotas pasadas en la quina de Mejor Actor (‘A Quien ama Gilbert Grape’, ‘El Aviador’) y ser ignorado por ‘Titanic’, se le ocurrió defender públicamente a Martin Scorsese (‘Es ridículo que aún no le den el Oscar’, dijo), con quien trabajó en ‘Los Infiltrados’ (ya, ya, no me reten, la veo este finde). La academia lo ignoró por su rol en ese filme, así que para compensar lo nominó por otra (‘Blood Diamond'). Lo más notable es que el que SÍ fue nominado por ‘Los Infiltrados’ fue Mark ‘Dirk Diggler’ Wahlberg. Plop!

**Hablando de Scorsese, si no le dan el premio a Mejor Director este año, ya se puede hablar de una persecución personal. Perdió antes por ‘El Toro Salvaje’, ‘La Ultima Tentación de Cristo’, ‘Buenos Muchachos’, ‘La Edad de la Inocencia’ y ‘El Aviador’. En todo caso, yo creo que se mojó los pantalones cuando supo que Clint ‘Tengo-dos-Oscar-por-Mejor-Director’ Eastwood también va en la quina. Vamos Martin, carajo!

**¿Grandes Perdedores? Yo capté dos: Beyoncé no agarró ni siquiera una nominación al Altazor por su actuación en ‘Dreamgirls’ (y eso que tenía que actuar de cantante linda que lidera un trio que se fractura, y ella se queda con la fama del grupo; o sea: SU VIDA). La verdad es que el papel es bien insípido y ella tampoco le da mucho sabor. ¿Otro? Pedro Almodóvar quería doblete con 'Volver' tras ganar hace algunos años con ‘Todo sobre mi Madre’, pero ni siquiera fue considerado en la quina a Mejor Película Extranjera. En ese apartado, ‘El Laberino del Fauno’ corre soliiita. En todo caso, notable la nominación a Mejor Actriz de Penélope Cruz.

¿Freakeríos? Meryl Streep recibió su nominación número 14 (¡) por ‘The Devil Wears Prada’, aunque ya tiene 2 Oscar en la casa (‘Kramer v/s Kramer’, ‘La Decisión de Sophie’). Otro caso parecido es el de Peter O’Toole (Nominado a Mejor Actor por ‘Venus’), que es tan viejo que recibió su primera nominación en 1962!! E incluso ya le habían dado un Oscar Honorario hace 5 años por si se nos moría antes. Ha sido nominado 8 veces. Y por último, una que se está perfilando como loser es Kate Winslet. Sigue sin ganar y este año va por el quinto intento (‘Little Children’).

**Todos los años hay una película más independiente, con un espíritu de menos obviedad a la que nominan a algunas cosas y generalmente acaba llevándose sólo el Mejor Guión ('Fargo', 'Pulp Fiction', 'Almost Famous', 'Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos', etc). Esa película este año se llama ‘Little Miss Sunshine’, y recibió 4 nominaciones, incluyendo Mejor Película. Lo más freak, eso sí, es la postulación para la pequeña de 7 años Abigail Breslin a Mejor Actriz Secundaria. It’s not Gonna Happen, anyway...

**Algunas categorías que según yo, van fijas:

*Mejor Actriz: Helen Mirren (‘The Queen’)
*Mejor Actriz Secundaria: Jennifer Hudson (‘Dreamgirls’)
*Mejor Actor Secundario: Eddie Murphy (‘Dreamgirls’)
*Mejor Película Animada: ‘Happy Feet’ (‘Cars’ le pisa los talones igual)
*Mejor Dirección Artística y Mejor Cinematografía: ‘El Laberinto del Fauno’
*Mejor Director: Martin Scorsese (‘Los Infiltrados’)
*Mejor Documental: ‘An Inconvenient Truth’ (el de Al Gore, sobre el calentamiento global)
*Mejor Película Extranjera y Mejor Maquillaje: ‘El Laberinto del Fauno’
*Mejor Canción Original: ‘Listen’ (‘Dreamgirls’)
*Mejores Efectos Visuales: ‘Los Piratas del Caribe 2’
*Mejor Guión Original: ‘Little Miss Sunshine’
*Mejor Guión Adaptado: ‘Children of Men’ (OJO con ‘Borat’!)

Dejo pendientes mis apuestas para Mejor Película, Actor y Vestuario. Ahí sigo con dudas, pero ya tiraré mis candidatos.

El domingo 25 de febrero, en medio de la ‘entretenida’ presentación de Bryan Adams en el Festival de Viña, se develará la verdad. ¡Qué mejor excusa para evitarse el show de ese weón fome!

El Mejor Festival del Mundo

En el tenis, el primer Gran Slam del Año parte en Australia. Y en la música, también. Mientras estamos atentos a lo que haga Fernando González con la raqueta, el festival itinerante Big Day Out ya inció una nueva versión que lo lleva este jueves a Sydney y el sábado a Melbourne, entre otras seis ciudades del continente australiano. Por allá desfilarán Tool, Muse, Jet, The Killers, Kasabian, Lily Allen, My Chemical Romance y un largo etcétera.

Pero ese gran evento palidece ante la cachetada que recibimos todos los años quienes morimos por la música. Hoy se ha develado el cartel de la nueva versión del impresionante Festival Coachella y bueno, cuesta volver a ponerse de pie, no ahogarse de la envidia, y no correr a comprar el primer pasaje disponible al desierto de Indio, California.

Coachella es un festival que nació hace ocho años con la idea de rescatar la movida más independiente gringa, y abrir más las orejas a lo que pasa en Europa, a diferencia de otros festivales yanquis. Su interés en lo artístico y prestigio ganado a punta de buenas producciones le permitió generar no sólo eventos sólidos, sino momentos inolvidables: han conseguido volver a juntar a bandas de la talla de Siousxie and the Banshees, Iggy and the Stooges, Bauhaus, Daft Punk (primer show en USA en 10 años) y el glorioso regreso de los Pixies, tras casi 15 años de silencio.

La web está plagada de información que pueden encontrar si aún no cachan del tipo de festival del que estamos hablando. Pero...¿qué le lleva este año?

El Gran Regreso: Rage Against the Machine, vuelven por un día. O los ves acá o no los ves más.

Los que Venden Tickets: Red Hot Chili Peppers / Bjork / Sonic Youth / Placebo / The Jesus and Mary Chain

Llegan con Disco Nuevo: Air / Kings of Leon / The Rapture / Brazilian Girls

Desde Europa buscando nuevo público: Arctic Monkeys / Kaiser Chiefs / Lily Allen / Jarvis Cocker / Travis / The Kooks

Los Indies Consagrados: Arcade Fire / Interpol / !!! / Regina Spektor / Hot Chip / Sparklehorse

La Novedad del Año: The Good, the Bad and the Queen (nuevo proyecto de Damon Albarn) / Satellite Party (nuevo proyecto de Perry Farrell)

Soy Cool si digo que me Gusta (Categoría ‘Ojo con’): Cansei de Ser Sexy / Peter Bjorn & John/ The Frames / Grizzly Bear / Tokyo Police Club / Fratellis / Klaxons

Soy Electrónico: Paul Van Dyk / Faithless / Gotan Project / Benny Benassy / Richie Hawtin /Felix Da Housecat / Infected Mushroom / Peaches / DJ Shadow / LCD Soundsystem / Tiësto

Y hasta le lleva hip hop: Ghostface Killah / Lupe Fiasco / The Coup

Sí, todos esos en un mismo evento. El 27, 28 y 29 de abril. Parece mentira, pero así es.

Ah, también tocan Julieta Venegas y Manu Chao por si no se convencen. Ella es el crédito latino, rol que en años anteriores ha recaído en grupos como Café Tacuba y Kinky.

Acá pueden chequear el Line Up del Festival del 2006 y del 2005.

Y aquí les dejo el trailer del DVD que se hizo con algunas de las mejores presentaciones:



Desde ya, ofrezco mis servicios para todo tipo de tarea. ¿Alguien tiene 700 lucas que me preste? No sé como, pero de alguna forma llegaré allá.

Nos vemos en Coachella.

Denny Doherty (1940-2007)

La costa californiana es un estado mental que vive en todos. Nuestro inconsciente colectivo sabe de la existencia de largas palmeras, playas de catálogo, calor perpetuo, y un letrerito grande que dice 'Hollywood', donde empiezan y terminan los sueños de muchas personas. A veces, hasta literalmente.

Es imposible terminar de nombrar cuanta buena música ha salido de ahí, o cuál es el sonido típico de California. Pueden ser las armonías surf de los Beach Boys; para otros son los alaridos rockeros de los Doors en el Whisky Ago-go; tal vez tenga más sentido hablar del hip hop de Compton personificado en Dr. Dre y sus N.W.A. Aunque es injusto no recordar el ‘Hair Metal’ de los ’80 con los excesos de Motley Crue en el Sunset Strip. Y ya que estamos, imposible dejar fuera a los Chili Peppers recordando a sus musas de Venice Beach.

Hay otro grupo que le compite a los mencionados en ser el más clásico exponente del ‘sonido California’. ‘The Mamas and the Papas’ surgieron cuando John Phillips y su esposa de 18 años, Michelle, conocieron al canadiense Denny Doherty y su amiga, Cassandra Elliot. Los respectivos fracasos de los proyectos musicales previos de Phillips y Doherty hicieron que sus historias se unieran en 1965 y conformaran el célebre cuarteto unisex, característica inusual en el ambiente musical de aquel entonces. Su CD debut, ‘If You Can Believe Your Eyes and Ears’ contiene sus dos hits más grandes, ‘Monday, Monday’ y ‘California Dreamin’.

Al ser el compositor principal, John Phillips (quien además escribió 'Kokomo' de los Beach Boys y le regaló a Scott McKenzie el himno hippie 'If you're Going to San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair') era visto como el responsable por el diáfano sonido del grupo, pero lo cierto es que sin la angelical voz de Doherty, la combinación perfecta no habría existido.

Eran años de la ‘Revolucion de las flores’ y el ‘Make Love, not War’. Pero ese mismo ‘amor libre’ fue el que destruiría a ‘The Mamas...’ En 1966, Doherty inició un affaire secreto con Michelle Phillips y cuando finalmente se develó, la solución que tomaron fue sacarla del grupo. El público no lo soportó y se vieron obligados a reintegrarla. Pero para entonces, la banda ya había perdido foco, y la robusta Cass Elliot brillaba con luces propias. Su salida del grupo para iniciar camino solista era una asunto de lógica. Por lo demás, estaba secretamente enamorada de Doherty, y nunca fue correspondida. Tomen nota, guionistas de Canal 13...

‘The Mamas and the Papas’ anunciaron su separación formal en 1968, pero se dieron una chance más y grabaron el CD, ‘People Like Us’ en 1971, sin mayor repercusión. Toda opción de retomar el éxito del pasado acabó el 29 de julio de 1974, cuando Cass Elliot murió en su habitación de un hotel londinense, la misma donde 4 años después fallecería el batero de The Who, Keith Moon. En todo caso, lo de que ella murió atragantada con un sandwich es completamente falso, y una de las mayores leyendas urbanas de la historia del rock.

Hubo un intento más por resucitar al grupo, en 1982. Este incluyó a los dos hombres originales, la hija de Phillips, Mackenzie, y Spankie Mc Farlane. No pasó mucho, en todo caso. Papa John Phillips murió a los 65 años de una falla cardiaca el 18 de marzo de 2001. Dejaba atrás una larga historia de abusos con drogas, música inconclusa, y malos tratos con sus hijas, algunas de los cuales se transformarían en celebridades hollywoodenses, ya fuera actuando en ‘American Grafitti’ (Mackenzie), formando el trío Wilson Phillips (Chynna) o posando para Playboy (Bijou).

Denny Doherty tuvo una historia posterior mucho menos turbulenta. Hizo dos placas solista que pasaron inadvertidas en 1971 y 1974, y luego se radicaría en Toronto, desde donde saldría sólo para participar en un exitoso show de TV para niños, y en 2003, para montar ‘Dream a Little Dream’ en Broadway, su versión teatral de la biografía de su grupo.

Asentado en Ontario, Canadá, Doherty pasó allá los últimos años de su vida. El año pasado lo habían sometido a diálisis pero su cuerpo no aguanto más. El 19 de enero un aneurisma abdominal lo llevó a juntarse con Cass y John. Tenía 66 años. Su hermana prometió dos servicios fúnebres: uno en Canadá y el otro, por supuesto, en California. No podía ser de otra manera. En esas costas estaba su verdadero hogar.

Lo Que Ves es lo que Hay

¿Es válido criticar un filme sólo por no plantear un subtexto? ¿Por preferir ser claro y no sugerir? Siempre preferí ir descubriendo de a poco qué me querían decir con tal o cual película, pero este no es el caso y no me molestó: ‘Babel’ no juega al misterio ni se anda con rodeos: es un dramón que pone sus cartas sobre la mesa de entrada. ‘Si quieres entender, escucha’, dice su slogan. Y eso (que a muchos les pareció de lo más naif, casi Disney), si uno decide comprarlo, termina por ser una intensa montaña rusa emocional.

Para mí, lo que cruza las películas de Alejandro González Iñárritu no son sólo las historias múltiples que confluyen en una comun; la esencia del cine del mexicano es el drama humano en primerísimo primer plano: es el vacío del absurdo mostrado en una mueca sorda, es la incapacidad de llevar a cabo los sueños y objetivos trazados, ya sea por causa propia o externa. El azar, como lotería maldita que sólo escoge a unos pocos. Lo que hace de ‘Amores Perros’/’21 Gramos’/’Babel’ una experiencia única es que uno cree en los relatos que cuenta, los siente verdaderos. Es como que sólo me faltara el ‘Based en a True Story’. Son historias reales aunque no lo sean. La vida misma.

En ’Babel’ el acento se pone en la invalidez de la especie para establecer vínculos (Ojo con el sexo como elemento alienador en TODAS las historias: los hermanos que compiten, la pareja que ya no intima, la adolescente virginal y la mujer que aún quiere sentirse deseada). Pero creo que la anécdota troncal, la que habla de una turista atacada mientras viaja en bus por Marruecos, es sólo una excusa para contar las otras historias, que son mucho más potentes. Brad Pitt y Cate Blanchett, más allá de sus cumplidoras actuaciones, más parecen el pasaporte de entrada del director al Festival de Cannes y el mercado yanqui.

En cambio, en todas las secuencias de la historia de la nana mexicana, el director se luce. Allá juega de local, así que sabe perfectamente qué filmar y cómo filmarlo para ilustrar la violencia, identidad y caos de su país; la escena en que pasan la aduana y entran a México con la cumbia de Celso Piña y Control Machete sigue siendo mi favorita de la peli. Y Gael García debería ser nominado al Oscar como Actor Secundario: su personaje, Santiago, está lleno de sutilezas y complejidades que sólo un talentoso como él consigue. Al final no sabes si tenerle buena o considerarlo un hijo de puta. Notable.

Para el final, lo mejor. La historia de Chieko, la japonesa sordomuda, es la más potente. Como buena adolescente, la oriental es un ser humano incompleto, en camino hacia algo. Y el rasgo característico de su edad es la angustia: por su madre ausente, por sentirse incomprendida por su padre, pero en especial, porque su cuerpo comienza a pedirle una conexión sexual y ella no sabe como encausarla. Por lo demás, su sordera tampoco es de mucha ayuda para que deje de sentirse un bicho raro. En ese sentido, la escena de la discoteque es soberbia y define estéticamente el mensaje del filme.

Uno no necesita ver una película para saber que el mundo puede ser un lugar horrible a veces. Pero la fortaleza de Iñárritu consiste en construir imágenes que hacen sentir que te están contando esa historia por primera vez. Ahora que el mexicano dio por cerrada esta trilogía y se ha distanciado del guionista Guillermo Arriaga (responsable de ‘Amores Perros’, ’21 Gramos’, y ‘Babel’), la expectativa es grande por saber qué vendrá para él.

‘Babel’ fue el puente perfecto para algo aún más grande. El Oscar está a la vuelta de la esquina.

Los dejo con el trailer de la película:

'Family Guy' Killed the Simpson Star

Los realities se comieron al sitcom en EE.UU. Tras el fin de tótems como 'Seinfeld' y 'Friends', ninguna de las series que continúa al aire han mantenido ese nivel de sintonía y/o relevancia. Por un lado, el formato de 'reality show' sigue siendo exprimible, y por otro, la comedia de situaciones de media hora parece hoy una figura gastada.

En los dibujos animados parace ocurrir algo parecido. Es difícil exigirle a 'Los Simpsons' más momentos brillantes de los que ya nos han dado (las temporadas 6 y 7, mis favoritas), pero la realidad es que hoy no son ni la sombra de lo que fueron: puede ser la erosión típica de un programa que ya va para las 18 temporadas, o tal vez desde que cambiaron a las voces originales en español para algunos la serie perdió mucha de su gracia.

Yo creo que tiene que ver con que 'Los Simspons' se plantearon desde el comienzo como una serie sobre la vida real, y en el camino, después de unas 12 notables temporadas, se centraron en el personaje de Homero, le restaron líneas a Bart, y la serie se transformó en algo así como 'Las Aventuras de Homero Simpson'. Fue una jugada lógica para evitar repetirse a sí mismos, pero ya no era la serie que conocimos.

En fin, toda esta lata tiene otro sentido: en tiempos en que los Sub 20 son criados por internet y el sarcasmo es moneda de cambio, esta década tiene nuevo monarca en los dibujos animados: 'Family Guy' o 'Padre de Familia'. No hablaré de como la serie fue cancelada y devuelta al aire gracias a los fans gringos para ser hoy la más vista de Gringolandia; sólo diré que actualmente no hay serie más puntuda, graciosa, insolente, e irónica que esta en la oferta del cable. Su manejo de la cultura pop para generar mejores chistes es simplemente soberbio. Originalmente criticados por parecerse mucho a 'Los Simpsons', hoy hacen ver a la serie de la familia amarilla como algo más cercano a 'Los Picapiedra'.

Algunos botones de muestra:

Esto es lo que pasa si no le pagas al bebé Stewie:



Peter Griffin en una Convención de Gordos:



Peter Confiesa su mayor secreto:



Y hasta recuerdan al viejo Gato Chester que se nos perdió en el camino de la droga:

Molotov, Adiós Pinches Parranderos

A mediados de los ’90, a punta de shows desenchufados y especiales periodísticos, MTV nos prometió que habría una escena grande de rock en español: Aterciopelados, Plastilina Mosh, La Ley, Los Amigos Invisibles (IDOLOS!), Illya Kuryaki y muchísimos más grupos formaban parte de una misma cosa, una misma escena; con acento en distintos ritmos, pero hablando en el mismo idioma.

En ese contexto emergió en el ’96, el cuarteto Molotov. Su lenguaje directo y sexual arrastraba muchas notas de prensa, pero siempre me quedó la sensación (y la confirmé cuando estuve en el DF) de que los mexicanos se impresionan por cualquier cosa. Lo cierto es que, mirándolo con distancia, no creo que Molotov fueran ni los más talentosos ni los más divertidos. Pero eran un referente. Tuvieron una carrera típica de las bandas de hoy: un gran disco debut (‘Donde Jugarán las Niñas’, 1996), un pésimo sucesor (‘Apocalypshit’, 1998) y un álbum para redimirse y demostrar que aún quedaban cartuchos (‘Dance and dense Denso’, 2002). Su disco de covers (‘Con Todo Respeto’, 2004) fue solo el primer indicio de que la musa ya no los visitaba muy seguido.

¿Porqué escribir sobre Molotov? Porque igual tengo un compromiso emocional con ellos. Los cuates emergieron en la escena rockera a la par que yo en esto de escribir sobre música. La primera crítica de un disco que escribí en Revista Extravaganza! (GRANDE!) fue sobre ‘Donde Jugarán las Niñas’; también recuerdo que en la semana de bienvenida de la nueva generación de periodismo en la UDP, me fui a la conferencia que los Molotov dieron todos carreteados en la Discoteque Zoom. Ahí, en Antonia Lope de Bello, Tito Fuentes me grabó un saludo para la radio de la escuela. Los vi por primera vez al día siguiente, y la mezcla de dos bajos en vivo me pareció brutal. Además, sin ser totalmente funky, tenían mucho groove escondido bajo esas letras gritoneadas.

Los volví a ver con un electrizante set en la Discoteque Laberinto, llegando 5 minutos antes de un show que incluyó una versión furiosa de ‘Anarchy in the UK’ y a Micky Huidobro arrojándose a la gente. La próxima vez fue en el Cine Arte Alameda para el lanzamiento de su tercer álbum. Fue una presentación correcta, pero donde se evidenciaba que el repertorio efectivo estaba sólo en la placa debut. De esa noche, lo más memorable fue la borrachera de dimensiones bíblicas que me pegué con los Chancho en Piedra recién llegado a Sony Music.

La última vez fue la mejor: Festival de Viña 2004. Los cuates cerraban la jornada, y lo hicieron con un show intenso y muy gracioso. Si no lo recuerdan, fue aquel en que sacaron a bailar a Antonella Ríos para ‘Rastamandita’. Bueno, la banda causó tal impacto que todos los que estaban al borde del escenario trataron de subirse a él, hasta que Ricardo de la Fuente (Director Ejecutivo del Festival) tuvo que ir a pedirle a los charros casi por favor que dejaran de tocar para que los técnicos pudieran descansar.

Despues vino lo más notable: la banda quedó prendida, y se armó la fiesta. Tras un intento fallido en su hotel, nos fuimos al O’Higgins y ahí la cosa se armó en mala onda. En un minuto habían como 70 personas en ese reducido espacio. Entre otros, interactuaban periodistas, actores de ‘Machos’, músicos, etc. Y los Molotov, claro. Si no me cree, léalo acá. Yo recuerdo haberme ido a las 8 de la mañana del hotel con Kirk, Black, Ivo Pavlovic, y Felipe López. Y recuerdo que teníamos la idea de ir a ver cómo hacían ‘Viva la Mañana’. Cosas de ebrios...

La última vez que hablé con un Molotov fue con Paco Ayala en el Green Carpet de los MTV Latinos del Año Pasado. La banda prometía disco y parece que van a salir dos: uno que estaban armando en base a cánticos de un equipo de fútbol y otro, un CD en vivo. Si eso no es falta de inspiración, no sé que es....

Esta semana, Molotov han decidido separarse aduciendo diferencias creativas y problemas con su sello. Y a pesar de que me parecen una banda limitada, me dio lata escuchar la noticia. En ese grupo de guatones cerveceros, feos y buena onda había una saludable falta de pretensiones que hacía que te cayeran bien. No parecían genios torturados, sensibles, ni brillantes. Eran sólo gente normal puesta en cicunstancias anormales. Y como es lógico, mientras les duró, lo pasaron chancho.

Los dejo con un recuerdo sacado de esa misma noche memorable. Esto es 'Here We Kum', en el Festival de Viña:

Así, No hay Bolsillo que Aguante

La agenda de conciertos suma y sigue. A continuación, un pequeño update para los que aún no estén enterados de quienes vienen. Eso sí, aclaro cuáles están confirmados y cuáles son rumores:

Nuevos Confirmados en Chile:

*Matisyahu (3 febrero, Teatro Caupolicán, junto a DJ Raff) ¿Ubican a este rabino que canta reggae?
*Festival Crush Power (3 febrero, Viña del Mar / 9 febrero, La Serena, incluye a Plastilina Mosh, Sinergia, Babasónicos y Calle 13)
*The Gathering (24 marzo, Teatro Caupolicán)
*La Renga (19 mayo, Arena Santiago)

Los mencionados se suman a estos otros artistas antes confirmados:

*Deftones (13 de febrero, Estación Mapocho)
*Coldplay (14, 15 y 16 de febrero, Espacio Riesco)
*Tom Jones (22 y 24 de febrero, Festival de Viña, San Carlos de Apoquindo)
*Roger Waters (14 de marzo, Estadio Nacional)
*The Who (28 de marzo, San Carlos de Apoquindo)
*Placebo (30 de marzo, San Carlos de Apoquindo)

Y además, una breve mención para decir que en febrero y marzo también vienen personajes de otras esferas musicales como Ana Torroja, Silvio Rodríguez, La Oreja de Van Gogh, y Alejandro Sanz.

Tocan en Argentina pero no cruzan:

*Starsailor (22 enero, Mar del Plata), sólida cruza entre Travis y Coldplay
*Seal (24 enero, Punta del Este / 27 enero – Pinamar)

*Festival Quilmes en Argentina: Este evento está alucinante y de momento sólo es en Buenos Aires, pero la lógica dice que al menos un par de artistas debieran aparecer por acá. Entre el 12 y el 15 de abril en el Estadio de River desfilarán Keane, Evanescence, Velvet Revolver y Aerosmith. Más encima, se rumorea la presencia de Audioslave y The Cure. ¿Qué tal?

*Christina Aguilera: Rolling Stone lo dio por hecho en Latinoamérica y su discográfica así lo confirma. La diva del pop que hizo bien todo lo que Britney hizo mal se viene a dar la vuelta, aunque todavía no se cierra la fecha chilena.

*Jennifer Lopez: La Tercera publicó una crónica indicando que la inminente salida de un CD en español de la diva permitiría que viniera por estos lares, pero sólo a hacer promoción. Nada de shows, por ahora.

¿Alguien dijo Paul McCartney?

'Sneaky' Pete Kleinow (1934-2007)

Lo he conversado con varias personas diferentes: algo bueno pasa con el Country Music. Algo hay en esa música que no termino de entender y por eso, me gusta mucho. No apunto a esas melodías con mandolina que recuerdan algún viejo capítulo de Bugs Bunny; hablo de canciones dolidas, llenas de polvo y cicatrices que entona un viejo vaquero para evocar un pasado mejor.

De pronto, Johnny Cash no suena tan lejano, su ‘Folsom Prison’ se te parece más a un clásico y los nombres de Hank Williams y Waylon Jennings se hacen cada vez menos ajenos. De esa tradición vienen los Flying Burrito Brothers, una presencia constante en este espacio virtual.

Concebidos como una banda de alt-country, los FBB fueron fruto de las disímiles influencias musicales de Chris Hillman y el legendario Gram Parsons, quienes venían de fundar a los Byrds. Fue en ese nuevo proyecto donde desarrollaron la dualidad que sería su sello: un pie en el tradicional country y otro en el rupturista rock.

‘Sneaky’ Pete Kleinow fue parte esencial de esa historia: fue uno de los primeros guitarristas de pedal steel (es como una mesa donde se coloca el cuello de la guitarra y las cuerdas, como lo que toca Angel Parra en ‘Olor a Gas’ de Los Tres) en tocar dicho instrumento en contexto de rock, con lo que su sonido influenció a varias generaciones futuras; además grabó con los ‘Brothers’ trabajos esenciales como ‘The Gilded Palace of Sin’ y ‘Burrito Deluxe’.

Más allá de la bizarra muerte de Gram Parsons (que muchas veces atrapa toda la atención de la historia de este grupo), el sonido de FBB sin duda fue el puente perfecto que facilitó el ingreso al mainstream de los Eagles, responsables por el disco más vendido de todos los tiempos. FBB tuvieron vida corta pero la influencia se escucha hasta ahora. Tras su salida de la banda, Pete Kleinow llevaría su pedal steel a discos de artistas tan grandes como Joni Mitchell, Stevie Wonder, Billy Joel, Carly Simon, Sly and the Family Stone y hasta el mismísimo John Lennon. Y hasta se dio el lujo de tener posteriormente una respetada trayectoria en el rubro de los efectos especiales en las películas.

Pete Kleinow se nos fue el 6 de enero pasado. Tenía 72 años y vivía en una casa de reposo aquejado de Alzheimer. Su compañero de ruta, Chris Hillman dijo que admiraba su increíble libertad para sacarle sonidos a su instrumento. Desde este enero, sus múltiples registros son los únicos testigos de ese enorme talento.

Todos Juntos Ahora

Primero, el Mea Culpa: no creí que resultaría la Cumbre del Rock Chileno. Le tengo muy poca fe al consumidor de música chilensis y tengo mis razones para pensar así (sin ir más lejos, el Tributo a Los Jaivas programado un mes atrás se cayó penosamente). Pero eso ahora no importa. Ha pasado una semana, y el evento fue un golazo. Más de 45 mil personas, grandes tocatas, y la sensación de que el mayor triunfo es que la puerta queda abierta para la segunda parte.

Algunos apuntes de esa jornada:

**Llegamos como a las 18:15 con Vito y su amigo. La cosa partía dos horas antes pero había cero interés en ver con 35º a la sombra a gente tan ilustre como Leo Quinteros, Go, o Fahrenheit. Creo que se equivocaron con los artistas chicos. Esa era la instancia de ver cuánto pesan con un público grande algunos regalones de la prensa como Guiso, Javiera Mena o Ramires! Eso sí, lamenté no ver a Tiro de Gracia y De Saloon.

**¿Difuntos Correa tocando el Himno Nacional? MAAAL!! ¿Qué viene ahora? ¿Un cover del ‘Rock del Mundial’?

**Me pongo de pie y me saco el sombrero por los jefes de escenario y coordinadores que permitieron que casi no existieran demoras entre el final de un artista y el comienzo del siguiente. Excelente lo de tener dos escenarios. Se sentía como Manhattan o Sydney, pero no. Era Ñuñoa.

**Sinergia está para cosas más grandes. Demostraron el oficio de una banda con 12 años de historia manejando públicos masivos. Si sus integrantes fueran lindos, serían jurados de ‘Fama’ o habrían ido a Olmué y Viña hace 3 años. ‘Te Enojai por Todo’ no fue autopromoción de un CD nuevo: justificó su presencia cuando la coreó hasta el Gerente de Capel. No todos los artistas presentes pudieron decir lo mismo de sus más recientes creaciones.

**Para Saiko tengo cuatro palabras: Denisse-Malebrán-en-sostén.

**OK, el Bloque Ochentero no fue un atisbo de calidad interpetativa, pero claramente ese no era el objetivo. Para mí, la cosa era reirse de las weas que uno cantaba cuando chico y rememorar viejos tiempos. Eso sí, quedan dudas razonables: ¿Quién permitió que Aparato Raro tocaran dos canciones? ¿Qué se tomó Yogui Alvarado de Emociones Clandestinas (aunque parece que ese es su estado habitual)? En todo caso, rescato de ese saco las buenas canciones de UPA, y la pachorra de Sexual Democracia (¿‘Guaracha Rock’ un clásico? Eso es nuevo para mí).

**Se confirmó lo que siempre supimos: Claudio Narea sólo tuvo la tremenda suerte de ser compañero de curso de un genio como Jorge González. No tiene voz, ni canciones. ‘Baile Mental’ sólo evidencia saberse de memoria el CD debut de Franz Ferdinand. La-men-ta-ble.

**Los Bunkers son LEJOS la mejor banda de Chile. Lamento haber sido tan flojo y no haber escrito sobre el NOTABLE show del 16 de diciembre pasado en el Teatro Caupolicán. Pero la cosa está clarita: para ser arrogante y no lucir patético, hay que tener sustento artístico. Y a ellos les sobra: basaron su set en su útimo CD y fueron los más coreados de la noche. Están tocando como quieren y merecen lo que les está pasando. Como para ilusionarse más aún con ellos.

**¿Porqué Nicole tocó en horario estelar? Si hubiera hecho sólo un par de temas más temprano, todo bien. Pero todos miramos con extrañeza su show de 4 tracks, incluyendo un tema que no conocía ni Sergio Lagos. Todo lo contrario que Javiera Parra y sus Imposibles. Luciendo deliciosamente voluptuosa, producto de su reciente maternidad, Javiera tocó el set perfecto: ‘Alacrán’, ‘Humedad’, ‘Compromiso’ y ‘Proverbios’. Sólida.

**Los Jaivas son una especie de cooperativa. Da casi lo mismo quien cante esas canciones (nadie podra igualar a 'Gato' Alquinta de todos modos), porque lo impresionante es ver como todo el mundo se las sabe. ‘Mira Niñita’, ‘Pregón para Iluminarse’ y el resto de su set son iconos patrios, y un deber en cualquier cumbre musical chilena.

**Lucybell y Chancho en Piedra quedaron en deuda. El power trío tocó demasiadas canciones nuevas dejando fuera su enorme abanico de clásicos. Eso es egoísmo. Y su vocalista parecía estar en otro planeta a la hora de darle cuerpo a canciones como ‘Mil Caminos’. Chancho, por su parte, nos tienen mal acostumbrados a soprendernos. Yo esperaba que en una instancia como esta hubieran preparado algo más original o divertido. No pasó ni lo uno ni lo otro.

**Los Tres hicieron la lógica con sus hits de siempre pero hubo un par de sorpresas: Henríquez se entregó a la popularidad abismante de ‘Quién es la que viene Allí’, e hizo una coquetona versión con Javiera Parra de ‘Te Amo Tanto’.

**¿Lo Mejor? Lejos Jorge González. El eterno Prisionero se paró sólo con su guitarra en medio de los dos escenarios y se mandó ‘Paramar’, ‘Tren al Sur’, ‘Porqué No se Van’, ‘El Baile de los Que Sobran’, ‘Corazones Rojos’ y hasta se dio el lujo de entonar un poquito de su gran balada solista ‘Fe’. Actitud, buenas canciones, y capacidad para emocionar al público. Eso hace González, un tipo que si no se auto-boicoteara tanto, sería hoy aún más grande de lo que es.

**¿Conclusión? El mejor fruto que puede dar esta Cumbre del Rock Chileno es ser la primera de muchas. Entre múltiples razones, uno de los motivos por los que en Argentina existe una escena local es porque hay vitrinas enormes para los grupos de allá, como el Festival Pepsi Music o el Quilmes. Y la empresa privada no tiene rolllo en auspiciar con fuerza un evento así, el cual allá se puede llenar sin necesidad de un número foráneo. El chiste es darle contniuidad a este asunto para generar una primera ‘A’, ‘B’ y ‘C’ del rock chileno que sea definido sobre un escenario y por el público. Les aseguro que en una segunda cumbre veríamos muuuuchas novedades en relación a este evento.

Este era el primer paso, pero era ultra necesario.

Feliz Cumpleaños a Mí!!

Feliz Cumpleaños a mí, feliz cumpleaños a mí...

Me gustaría decir cosas inteligentes ahora, escribir o reflexionar sobre el paso del tiempo y cuánto influimos nosotros en nuestro propio destino o si todo es pura casualidad.

Parece que 'Six Feet Under' caló demasiado hondo en mi forma de ver lo que viene para adelante, de proyectar mi vida y de evaluar lo que es 'correcto'.

Hoy cumplo años.

Espero que sea el punto de partida de un año mucho menos ansioso y angustiado, y que sea más generoso y espontáneo.

Por lo pronto, pienso en el momento en el que sople las velas y ya tengo claro lo que voy a pedir:

1.- Una Marcela del Valle para mí solo

2.- Un Departamento

3.- Un Trabajo que me motive pero también me permita tener una vida

4.- Las temporadas que me faltan de 'Six Feet Under' (3, 4 y 5)

Queda pendiente el post sobre la exitosa cumbre del Rock Chileno. Ya va!

Chao, me voy a cortar el pelo..

Adolescente, Perdida y Cool

Kirsten Dunst es Lux Lisbon, y Lux es Marie Antoinette. La rubia monarca mira sin ver el paisaje bucólico de la campiña francesa. Sus ojos no fijan la vista pero lucen atentos, tensos: buscan algo que no logra (ni logrará) saber qué es. Va en un carruaje, pero pefectamente la escena se puede transplantar a las ‘Virgin Suicides’ con Lux y sus hermanas observando la desesperación de la contrareloj de la vida y la ausencia de sentido, mientras un auto las lleva a ninguna parte.

‘Marie Antoinette’ es la nueva obra de la aclamada Sofia Coppola (‘Virgin Suicides’, ‘Lost in Traslation’) y no ha tenido una recepción amable. Pifiada en Cannes, la hija de Francis se jugó por una opción riesgosa: olvidarse del rigor histórico, y sumergirnos en el día a día de la celebre Reina de Francia. Sus frustraciones, sus anhelos, sus excesos, y su vacío. Ajá, el vacío.

Siousxie, New Order, Gang of Four y los Strokes se cuelan en el Palacio de Versalles (uno de los protagonistas de la película) para dejarnos claro que esa historia no es necesariamente LA historia de Maria Antonieta, la que el pueblo galo decapitó en 1793. No; puede ser cualquier mina. Sofia Coppola muestra a una mujer sola (sobre todo cuando está rodeada de gente), vulnerable y a la deriva que pudo existir en cualquier lugar y época.

La especialidad de Sofia es la construcción de ambientes y aquí se luce. Largos planos-secuencia, etéreas tomas a Kirsten desde todos los angulos posibles y esa obsesión con filmar amaneceres (IGUAL que en ‘Virgin Suicides’) permiten que uno empatice con el tono melancólico. En rigor, el guión es mínimo pero el acento está en las formas: vestidos, habitaciones, peinados, pastelitos, y zapatos, muchos zapatos. Un carnaval de colores y formas que convierte esas escenas en un deleite visual.

Marie Antoinette tiene 18 años y se convierte en la esposa del Rey, quien no sabe como complacerla ni sexual ni espiritualmente. Marie entiende rápido que el rol de reina es rutinario, formal, y no satisface su alma inquieta, que acaba refugiándose en apuestas, ropa y amantes. En este caso, la opción de Coppola es retratar a una Marie malcriada, débil y caprichosa y por lo mismo, muy humana.

Da la sensación de que Sofia Coppola hizo la misma película pero con otro decorado (tal como Wes Anderson con ‘Royal Tannenbaums’ y ‘Life Aquatic’) lo cual no necesariamente es un pecado; para algunos es falta de ideas y para otros es crear un estilo propio. Las protagonistas de las historias de Coppola (Lux, Charlotte y Marie) comparten un mismo mood: son mujeres desorientadas, insatisfechas, antojadizas e infinitamente atractivas. Parecen estar en transición hacia algo, sea el amor, la muerte, o un cambio radical.

La adolescencia no está en la edad: es un estado de la mente.